SAMSAS TRAUM

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SAMSAS TRAUM

Wäre die Bandgeschichte von Samsas Traum ein altes, vergilbtes, in Leder gebundenes Buch, das in irgend einer schlecht frequentierten Stadtbibliothek an der Grenze zum Nichts stehen und auf einen Leser warten würde, so wäre der Titel dieses Buches "Eine Enzyklopädie des dritten Weltkrieges". Weil es leider weder dieses Buch, die dazugehörige Bibliothek, die Grenze zum Nichts noch einen dritten Weltkrieg gibt, muss die Geschichte dieser einen Band eben einfach die Geschichte einer Band bleiben. Da die Grenze zum Nichts jedoch nur aus dem Grund nicht besteht, weil Realität und Phantasie in meinem Kopf fließend ineinandergreifen, ich also im Nichts lebe, ständig von ihm umgeben bin und sich Wahrnehmungs-Barrieren deshalb erübrigen, werde ich die Geschichte meiner Band anders erzählen, als man es vielleicht gewohnt ist.

Samsas Traum ist mein bester Freund und gleichzeitig mein größter Feind, wenn nicht sogar mein Todfeind. Samsas Traum hat mehrmals versucht mich umzubringen und mir gleich zweimal eindrucksvoll das Leben gerettet. Samsas Traum ist die nicht-inkarnierte Entität, die in der Lage dazu ist, den künstlerischen Sektor auf dem Spielbrett meines Lebens in höchste Verzückung zu versetzen; oder der Dorn in meinem Auge, der mir Schmerzen und Qual zufügt und mich maßlos unglücklich macht. Mit anderen Worten: Samsas Traum ist das gottverdammte Gespenst, daß mir keinen Frieden lässt, mich zuerst ernährt und mir danach meine Zähne zieht.

Samsas Traum, die umstrittenste Ausgeburt der deutschen Gothic- und Undergroundszene, entstammen dem Kopf einer Person, in dem Herz, Seele und Verstand ständig darum bemüht sind, sich gegenseitig den Rang des "enfant terrible" abzulaufen. Wer also glaubt, das textliche und klangliche Spektrum der aus diesem Krieg resultierenden Musik annähernd überblicken zu können, kann sich ausmalen, dass er oder sie die Abgründe und Dimensionen, aus denen sie entstiegen ist, nicht einmal annähernd begreifen kann; schon alleine deshalb nicht, weil ich sie selbst nicht begreife. Und ob man mir nun glauben mag oder nicht; trotz des unweigerlich vorhandenen Mangels an Antworten auf berechtigte Fragen ergibt für mich jedes Kunststück, das ich in der Welt von Samsas Traum vollführe, einen Sinn: vielleicht, weil ich durch die Musik von Samsas Traum versuche, der Sinnlosigkeit des Lebens in der externen Welt zu entfliehen. Leider gibt es nur zwei, vielleicht drei Maximen in meinem Leben, denen ich eine Bedeutung zumesse. Einiges an mit ihnen verbundener (Anti-)Materie befinden sich nicht in, sondern außerhalb von mir. Es ist sehr bezeichnend für die Musik von Samsas Traum, dass ich mir alles, was ich liebe, einverleiben möchte.

Samsas Traum ist die zu Klang gewordene Darstellung des Konfliktes, der an dem Tag in mir geboren wurde, als ich bemerkte, dass die Welt nicht so funktioniert, wie ich es will. Noch heute möchte ich die Tür finden, hinter der sich das verbirgt, was manche Menschen unter Gott verstehen, denn ich gehe durch Logik erzeugte Gedanken davon aus, dass es diese Tür irgendwo geben muss. Ich suche zwanghaft nach ihr, weil ich das, was sich hinter ihr verbirgt, auf Grund des Konfliktes in mir töten möchte. "Schicksal" hat meine Mitmenschen, die Welt, das Universum und mich selbst zu dem werden lassen, was daraus geworden ist, und damit hat sich "Schicksal" sein Ende verdient. Samsas Traum steht sinnbildlich für den kindlich-naiven Kampf in meinem Kopf, den ich gegen die alles vernichtende, doch von mir selbst akzeptierte Wahrheit führe, dass nichts von dem, was ich tue, von Bedeutung ist; dass ich im Universum alleine und für mich selbst verantwortlich bin. Umso wichtiger ist es zu lieben und geliebt zu werden.

Samsas Traum ist für mich die größte Vernichtungsmaschinerie, die mir jemals in meinem Leben begegnet ist und begegnen wird. In der Realität hat Samsas Traum unzählige Menschen ausgesaugt und verbraucht. In der Welt der Phantasie hat Samsas Traum unzählige Menschen vernichtet, getötet, in den Erdboden gestampft und auf ihre Gräber gespuckt; und da die eingangs erwähnte Grenze zwischen der friedlichen Normalität und dem Nichts nicht existiert, stand ich oft selbst kurz vor dem Stadium, von Samsas Traum vernichtet zu werden. Das erschreckende an Samsas Traum ist, dass es sich nicht um Musik handelt; für mich sind weder die Noten noch die Buchstaben das, was meine Band ausmacht. Betrachte ich das Zusammenspiel aller mitwirkenden Faktoren, stelle ich fest, dass Samsas Traum keine Band, sondern "Leben" ist. De facto habe ich vom heutigen Tag an, an dem mein Kopf nahezu leergedacht ist, weitere 7 Studioalben Zeit dazu, mich von Samsas Traum zu trennen und meine Band zu vernichten, bevor sie mich mit sich in die Tiefe reißt. Mancheiner sucht sich auch Ahab als Vorbild aus.

Samsas Traum haben 4 Studio-Alben, eine EP und eine Sammlung alter Aufnahmen veröffentlicht. Stücke von Samsas Traum sind auf unzähligen Samplern zu finden. Das wichtigste ist allerdings, dass Samsas Traum immer Helden, die mehr Freunde als Feinde hatten, gehasst und kategorisch abgelehnt haben.

Wir sind die Anti-Helden.

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SANDRA NASIC

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SANDRA NASIC

Es setzt zweifellos viel Mut, Selbstvertrauen und auch eine gehörige Portion Kühnheit voraus, wenn man als Sängerin einer der wichtigsten und innovativsten deutschen Bands der zurückliegenden zehn Jahre die bis dato überaus erfolgreichen Pfade verlässt und bedingungslos von vorne anfängt. Sandra Nasic, bis vor drei Jahren das Aushängeschild der Rockformation Guano Apes, hat diesen Schritt gewagt. Nach drei sensationellen Studioalben, diversen Gold- und Platinauszeichnungen in Deutschland und Europa, zahllosen Auszeichnungen wie etwa den MTV-Award („Best German Act"), mehrere ECHO-Awards, den VIVA-COMET, die ´1LIVE-Krone` oder etwa den ´IFPI-Award` (für über 1 Mio. verkaufte „Proud Like A God"-Alben in Europa) verließ sie 2004 die Guano Apes und orientierte sich musikalisch neu. Allen inneren Zweifeln und Unsicherheiten zum Trotz. „Natürlich hatte ich auch Angst vor dieser Entscheidung", gibt sie heute freimütig zu. „Man setzt ja praktisch alles auf Null. Ich bin jedoch unglaublich glücklich, diesen Schritt gemacht zu haben." Im Spätsommer 2007 erscheint ihr Solodebüt The Signal, ein imponierendes Werk an der Schnittstelle zwischen Rock, Electro und Pop, oder wie Sandra die Scheibe treffend charakterisiert: „Dieses ist meine persönliche Lieblingsplaylist."

Nach ihrem Ausstieg nahm sich Sandra zunächst viel Zeit, bevor sie mit dem Songwriting für ihr geplantes Soloalbum startete. „Ich wollte ohne Ablenkung alleine arbeiten und begann nach einer einjährigen Pause, fernab vom Plattenbusiness und irgendwelchen Erwartungen, in Ruhe zu komponieren." Ein Start, der bei aller Aufbruchstimmung auch die üblichen Tücken eines Neuanfangs mit sich brachte. „Die größte Schwierigkeit war, Rockmusik ohne Band im Proberaum zu schreiben", erklärt sie. „Ich musste erst einmal mein Bass- und Gitarrenspiel verbessern. Am Anfang habe ich mir sehr viel Zeit gelassen und eine Menge Dinge ausprobiert." Konkrete Vorgaben gab es keine. Sandra schrieb einfach drauflos, nutzte ihre Freiheit und interessierte sich gezielt auch für bislang ungewohnte Stilrichtungen. „Auf eine ganz unbefangene Art habe ich dabei die Musik für mich völlig neu entdeckt."

Bewusst wählte sie unterschiedliche Formen des Songschreibens. Tabus gab es keine, ebenso wenig unnötige Berührungsängste mit anderen Komponisten. „Einerseits wollte ich alleine schreiben, um meine eigene Musik zu finden. Andererseits suchte ich auch die Zusammenarbeit mit anderen Künstlern, um Inspirationen von außen zu bekommen." Eine Arbeitsmethode, die sich unüberhörbar ausgezahlt hat. The Signal strotzt geradezu vor Ideenvielfalt und Facettereichtum, ist dabei aber gleichzeitig pur und authentisch. Sandra Nasic arbeitete in Berlin, London und Stockholm, ihr zur Seite standen so namhafte Songschreiber und Toningenieure wie Christian Neander, Steve Lironi (Fun Lovin Criminals, Happy Mondays, Bon Jovi), Pelle Gunnerfeldt (Refused, The Hives, The International Noise Conspiracy) oder der junge schwedische Produzent Patrik Berger. „Der Wechsel zwischen Rückzug und Sturz in fremde Städte hat für mich immer etwas Inspirierendes", sagt sie. „Schräge Situationen, Freaks, Idealisten, verpeilte Künstler, aber auch Neues und Fremdes, das ich beobachten beziehungsweise erleben darf. Genau in diesen Situationen fühle ich mich wohl, und hier entstehen auch meine Geschichten."

Persönliche Geschichten über ihre Leidenschaft, über ihr Universum der Musik und über Science Fiction-Storys, verpackt in eine musikalische Intensität, die sich durch griffige Melodien und eine geradezu berstende Dynamik auszeichnet. Wie etwa ´Fever`, die erste Radiosingle, die eine interessante Metamorphose durchlebte. „Ursprünglich entstand ´Fever` als Electro-Popsong", blickt Sandra in die frühe Entstehungsgeschichte des Stückes zurück. „Ich besaß anfangs noch nicht allzu viel Equipment und spielte deshalb die meisten Instrumente direkt in meinen Rechner. Als ich später mit Patrik Berger daran arbeitete, entwickelte sich ´Fever` zu einem Rocksong. Die Drums wurden in London aufgenommen, die Gitarren abwechselnd von Patrik und mir eingespielt. Ich wollte meine Spielweise mit seinem Gitarren-Knowhow verbinden." Auch der Track ´Name Of My Baby` blickt auf eine ähnlich lange Entwicklung zurück. „Die Nummer habe ich eigentlich schon vor zwei Jahren komponiert und zum ersten Mal die Gitarren auch selbst im Studio eingespielt. Es ist eine Hommage an das Wichtigste in meinem Leben, die Musik. Für diesen Song schrieb ich fast 20 verschiedene Strophen. Meine Plattenfirma wäre deshalb fast verrückt geworden und wollte mir schon gewaltsam die Festplatte wegnehmen", schmunzelt sie augenzwinkernd.

Und noch eine Nummer, die aufgrund ihrer atemberaubenden Intensität aus einem grandiosen Album und dessen 13 heißen Tracks herausragt: ´Mecasanova (Yamyam)`, ein Song wie eine Dampframme. „Eines meiner Lieblingsstücke", gesteht Sandra. „Es rollt, ist roh, düster und sexy. ´Mecasanova` entstand in einer langen Nachtsession mit Patrik Berger, nach viel Bier und einer Bowlingpartie. Ein gelungener Mix aus Gitarren und Elektrosounds. Niemals zuvor war Sandra Nasic so groß wie anno 2007, niemals so stark und gleichzeitig persönlich wie auf ihrem Solodebüt The Signal.

Bleibt noch die Frage nach den atemberaubenden Bühnenqualitäten, die Sandra Nasic schon zu Zeiten der Guano Apes ausgezeichnet haben. „Ich bin gerade dabei, eine Band zusammenzustellen", stellt sie schon jetzt schweißtreibende Konzerte in Aussicht. Denn eines ist mal klar: Diese Songs funktionieren ebenso im Radio wie in verrauchten Clubs. Und sie verkünden den furiosen Beginn einer Solokarriere, zu dem Sandra ihr Bestes beigesteuert hat: ein Signal!!

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SCOOTER

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SCOOTER

Scooter erfolgreichster deutscher Chartact seit Einführung der Single-Charts!
 
Mit 20 Top Ten-Hits sind Scooter erfolgreichster deutscher Chartact seit Einführung der Singlecharts! Mit ihrem aktuellen Top 5-Hit „The Question Is What Is The Question?“ erreichten die Jungs um Frontmann H.P. Baxxter ihren zwanzigsten Top 10 Hit in den Media Control Single-Charts! Dies ist bisher keinem deutschen Künstler seit Einführung der Chartsermittlung im Jahr 1956 gelungen. Die weiteren Podiumsplätze teilen sich jeweils mit 13 Top Ten-Hits Xavier Naidoo und Modern Talking. Auch internationale Größen wie The Bee Gees, Michael Jackson, The Rolling Stones, Pet Shop Boys, Robbie Williams und Britney Spears haben gegenüber Scooter das Nachsehen und weisen weniger Top Ten-Hits auf!

Scooter gehören zu den wenigen Bands und Künstlern deutscher Herkunft, die es geschafft haben, die musikalische Landschaft über eine Zeitspanne von mehr als einem Jahrzehnt nachhaltig zu prägen, ohne dabei an Frische und Energie einzubüßen. Scooter polarisieren - geliebt wie geächtet, steht ihr Style doch unbestritten für das Gegenteil von Langeweile. Weit über 14 Millionen verkaufte Tonträger, über 80 Gold- und Platin-Schallplatten aus aller Welt, sowie eine Sammlung hochkarätiger Musikpreise sprechen eine klare Sprache.

Zeit für eine nähere Betrachtung dieses Phänomens:  
Wir schreiben das Jahr 1994, im Underground tobt die weltumspannede Partynation sich auf unzähligen Raves und in neu entstehenden Techno-Clubs aus, während die Charts noch von eher platten Euro-Dance Produktionen und Mainstram beherrscht werden. Mit der für damalige Verhältnisse eigentlich unkommerziellen Produktion “Hyper Hyper“, stürmen Scooter scheinbar aus dem Nichts in die Charts und machen Techno über Nacht salonfähig. Acht harte Lehrjahre unter dem Namen "Celebrate The Nun", flankiert von diversen Projekten und Remixen, sollten sich jetzt auszahlen. Mit Songs wie “Move Your Ass!”, "Friends", "Endless Summer" und "Back In The UK" widerlegen sie den Eindruck, es handele sich bei Scooter nur um ein weiteres One-Hit-Wonder der frühen neunziger Jahre. “How Much Is The Fish?”, “Maria (I Like It Loud)”, “Nessaja”, “One (Always Hardcore)” und “Hello! (Good To Be Back)“, um nur einige zu nennen, markieren in den folgenden Jahren exemplarisch den Karriereweg dieser ungewöhnlichen Formation. Und so steht anerkennendes Erstaunen über die fortdauernde Bandgeschichte nicht selten am Beginn eines Interviews, gepaart mit der Frage nach dem Rezept dieses Erfolges.
    
"Find out, what you cannot do and then go and do it!", zitiert H.P. lapidar einen seiner Lieblingssätze, der offenkundig zum Leitmotiv der Band geworden ist. "Wenn du dir deine Neugier nicht erhalten kannst, gepaart mit einem gesunden Quantum forschender Naivität, dann kannst du eigenlich gleich aufhören, dann macht das Ganze keinen Spaß und somit auch keinen Sinn mehr. Außerdem sollte man glaubwürdig sein. Wir machen im Studio alles selbst, das honorieren die Fans." Nicht selten ist es auch Baxxters unaufhaltsamer Drang nach unkonventionellen Ansätzen, der seine Kollegen mitunter in den Wahnsinn zu treiben scheint. "Der Mann kommt manchmal mit den kaputtesten Ideen um die Ecke, und wir können dann sehen, wie man gemeinsam daraus ein Stück Musik macht", so Rick J. Jordan augenzwinkernd auf die Frage nach der Zusammenarbeit. "Aber dafür liebe ich ihn; es inspiriert ungemein, und man kann sich fest darauf verlassen, auf Substanz zu stoßen, wenn man sich nur lange genug mit seinen Einfällen auseinander setzt." Auch wenn sich seine Texte vor allem mit dem Anfeuern des Partyvolkes, siegreichen Battles mit imaginägen MC-Rivalen und dem "Scooter-Ding" als solchem auseinandersetzen, so liebt es H.P. zuweilen mit diebischer Freude, Plattitüden witternde Zeitgenossen mit literarischen Zitaten und hinter vermeintlich trivialer Wortwahl versteckten Botschaften zu verwirren („Respect to the men in the icecream van“ - eine Hommage an The KLF). Letztlich ist Baxxter das Infant Terrible, als auch der audiovisuelle Fixpunkt der Band, der Scooter in den letzten 13 Jahren unverwechselbar geprägt hat.

Keyboarder und Audio-Engineer Rick J. Jordan  hingegen ist eher der ruhende Pol des Teams: "Ich versuche, das im Produktionsprozess entstehende kreative Chaos einzufangen, zu sortieren und mit eigenen Ideen darauf aufzubauen.", so Jordan über den Produktionsalltag bei Scooter. Neben den Bereichen Sounddesign und Tontechnik ist er der "Musiker" im Team. Mit über 30 jähriger Klaviererfahrung und klassisch geprägtem Musiktheorie-Wissen erweckt er auch schon mal ein virtuelles Sinfonieorchester im Rechner zum Leben und inszeniert mit Leidenschaft viele der Scooter-typischen Ausflüge in genrefremde Musikstile wie Rock, Klassik oder irisch-keltische Folklore. Als drittes, meist unsichtbares, Gründungsmitglied der Band hält Jens Thele dem Team businessmäßig Kopf und Rücken frei. Als Mastermind und Geschäftführer von KONTOR Records knüpft er international die Kontakte für Scooter und gibt in Marketingfragen visionär den Ton an. "Außerdem ist es oft unverzichtbar, wenn Jens in der Endphase einer Produktion ins Studio kommt und das vorhandene Resultat aus der Sicht des A&R-Mannes und langjährigen DJ´s beurteilt. Er ist dann wie ein Joker, der manchmal mit wirklich überraschenden Ideen und Verbesserungsvorschlägen aufwartet. Man merkt einfach, dass er sich schon sehr lange mit Musik beschäftigt", erzählt Michael Simon, der Neuzugang im Team.
    
Er ersetzt den Mitte 2006 ausgestiegenen Jay Frog auf der Bühne und im Studio. Michael, einer der angesagtesten House-DJ´s in Hamburg, ist für die Band und langjährige Fans kein Unbekannter: Schon 1997 tourte er mit dem Projekt "Shahin und Simon" als Support-Act mit den Jungs, er hat Remixe für Scooter gemacht und Produktionen bei Kontor Records veröffentlicht. Durch seine vielfältige musikalische Vergangenheit, die neben House, Techno und Hardtrance auch Hip Hop und R´n´B umfasst, fand Michael sich schnell ins Team ein und entwickelt sich unter anderem zur Geheimwaffe bei der Beat-Programmierung. Ausserdem treibt ihn ein unbändiges Verlangen nach den neusten Club-Releases an, das ihn mehr und mehr zum Trend-Scout der Band macht.

Live and Direct
Außer einer klar synergetisch geprägten Arbeitsweise mit druckvollem Ergebnis definieren sich Scooter vor allem über ihre Konzerte. In kaum einem anderen Bereich setzt die Band sich so konsequent über gängige Dance-Klischees hinweg, wie bei ihren Bühnenshows, einer Mischung aus Punk, Rock´n´Roll und von demonstrativem Größenwahn geprägter Selbstdarstellung. "Wir stehen einfach auf Inszenierung, auf das große Kino. Ich glaube ohne die Pyrotechnik und das ganze Blitzgewitter drumherum würde mir echt was fehlen", bekennt Jordan, "schon das Warm-Up im Backstagebereich ist zu einer festen Institution für uns geworden, das möchte ich nicht mehr missen." Mit cirka 3000 Watt aus ihrem "Ghettoblaster", einer imposanten PA-Anlage im Backstage Raum, diversen Trance- und House-Mixes und ein, zwei Longdrinks, machen sich Scooter vor jeder Show eine Stunde lang fit. Die gesamte Energie der Gruppe konzentriert sich während der Tournee auf diesen Zeitpunkt des Tages: "Meistens habe ich am Nachmittag vor einer Show ein Gefühl, als könnte ich nie im Leben wieder auf eine Bühne steigen, so k.o., fast lethargisch bin ich. Zehn Minuten vor Showbeginn renne ich dann Kreise in den Boden vor Nervosität - schliesslich weiß man nie, ob alles funktioniert - aber sobald es losgeht, gibt man einfach nur noch Vollgas. Ich hab da meinen ganz eigenen Rhythmus", erzählt der bekennende Nachtmensch Baxxter, für den jeder Promotiontermin vor 12 Uhr mittags quasi "mitten in der Nacht" stattfindet. "Das ist es, was mir an unserer Situation so gefällt: der Nervenkitzel, die Mischung aus Studioarbeit und Liveshow. Es wird einfach nie langweilig."
36 Singles, 17 Alben und kein Ende

Nur zu gerne werden Scooter mit der Frage konfrontiert, wie man es denn schafft, nach so vielen Jahren und Single- bzw. Albumreleases noch neue Ideen zu entwickeln und sich kreativ zu regenerieren. Die Antwort ist recht einfach: Arbeit, harte Arbeit! "Wir standen in der Endphase der Albumproduktion oft mehr als 12 Stunden täglich im Studio, aber ein Song braucht Zeit und viele Ideen, um zu reifen", betont Michael, der schnell gelernt hat, dass Festivals oder Promotiontermine nicht selten dem kreativen Flow im Studio entgegen stehen. "Wenn man eine zeitlang nicht im Studio gestanden hat, wegen Tour, Promo oder einfach nur Urlaub, dann überkommt einen oft das Gefühl, alles verlernt zu haben. Man fängt manchmal quasi bei Null an.", so H.P. Baxxter über die immer wieder kehrenden Hürden zu Beginn einer Produktionsphase. "Aber die Chance besteht natürlich darin, sich dadurch künstlerisch zu entwickeln, neue Wege zu beschreiten." Dass dies gelegentlich auch über Zitate aus anderen oft stilfremden Musikstücken erreicht wird, trifft nicht immer auf ungeteiltets Echo. Was im Hip Hop immer schon als Selbstverständlichkeit galt – das Samplen oder Zitieren und Integrieren von fremden Songfragmenten  – Hip Hop sich sogar daraus selbst definiert, wird Bands im Techno- und Dancebereich von einigen Unverbesserlichen immer wieder vorgeworfen. Dabei hat sich die Band jederzeit zu ihrer Arbeitsweise bekannt und nie einen Hehl daraus gemacht, sich angesagter Stile und Strömungen bewußt anzunehmen, um ihre eigenen Songs damit entsprechend zu veredeln. "Streng genommen haben sich sogar klassische Koryphäen wie Karajan, Callas und Pavarotti nahezu ausschliesslich mit Interpretationen vorhandener Werke hervorgetan, was ihrer Genialität und Einzigartigkeit sicher nicht im Wege stand", erläutert Rick mit ironischem Unterton. "Oft besteht in unseren Songs ja gerade der Reiz darin, Altes mit Neuem verschmelzen zu lassen."   
    
Jumping All Over The World
Nach dem phänomenalen Erfolg der Jumpstyle-Hymne “The Question Is What Is The Question?”, welche der Band den sagenhaften 20. Top Ten Hit ihrer Karriere bescherte, erscheint im November der mittlerweile 18. Longplayer „Jumping All Over The World“ der Hamburger Jungs. Da ein solcher Charterfolg alles andere als alltäglich ist, hat die Band sich dazu entschieden, zusätzlich eine Limited Edition zu veröffentlichen, deren Bonus CD alle Top Ten Hits enthält. Von „Hyper, Hyper“  über „How Much Is The Fish?“ bis hin zur einer bis dato unveröffentlichten Version von „The Question Is What Is The Question?“ ist auf dieser CD alles enthalten, was das Scooter Fan-Herz höher schlagen lässt. Wie es der Titel „Jumping All Over The World“ schon verrät, transportiert dieses Album den in den Benelux Ländern geprägten Jumpstyle Sound, welchen die Band nun über die gesamte Welt verbreitet. Passend hierzu reisen Scooter Mitte November zum ersten Mal Down Under, wo sie mit ihren neusten Tracks im Gepäck sicherlich nicht nur die australischen Nationaltiere zum „Jumpen“ bringen werden.
Die Band um Frontmann H.P. Baxxter überraschen eben immer wieder, was sich auch an der brandneuen, auf dem Album enthaltenden Single, „And No Matches“ erkennen lässt. Neue frische Sounds, polarisierende und literarisch einzigartige Shouts von H.P. Baxxter sowie der unverkennbare Jumpstyle Beat, machen „And No Matches“ wieder zu einer einzigartigen und unverwechselbaren Scooter Hymne. Somit wird die Band weiter Geschichte schreiben und weitere Chart-Rekorde brechen, auch wenn es nur ihre eigenen sind.

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STUDIO 84

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STUDIO 84

Sagen wir es, wie es ist: Es gibt Paare, die versuchen ihre Beziehung mit Nachwuchs zu kitten. Andere flüchten sich in ausweglose Alkohol-Exzesse. Und es gibt solche, die versuchen mit regelmäßigen Besuchen beim Therapeuten die Lage in den Griff zu bekommen.
Alexis Crystal Clear Heffner und Michael George Heffner – das sexy Front-Couple von STUDIO 84 – verfolgen einen anderen Plan:

Nach Jahren des Streits und der Versöhnung…
Nach Jahren der Tränen und der Freude…
Nach Jahren von Liebe und Hass…
…gründeten sie ihre erste gemeinsame Band… …STUDIO 84 !

Seitdem singen sie zusammen. Nur so können es die beiden hoffnungslosen Exzentriker friedlich miteinander aushalten, wenn auch Alexis auf der Bühne gerne mal die Hand ausrutscht, wenn Michael George einer jungen Frau im Publikum zu unverhohlen Avancen macht. Hinter der Bühne mögen ihre Anwälte warten, die in jahrelangen Streitereien um Tantiemen und Alimente selbst steinreich geworden sind: auf der Bühne entfliehen die beiden dem Stress ihrer glamourösen Blitzlichtehe und versetzen sich und ihre Zuhörer zurück in die großen 80er Jahre, in denen sie sich kennen und lieben lernten. Als Reminiszenz an ihre wilde Jugend zwischen Schulterpolstern, Nietengürteln und Stu-stu-studioline haben sich Alexis, Michael George und ihre Band voll und ganz den großen Songs der 80er Jahre verschrieben. Gemeinsam mit ihrem begeisterten Publikum erleben und zelebrieren sie mit Songs wie „Dreams are my reality“, „When the rain begins to fall“ oder „Maniac“ den Soundtrack ihrer Liebe.

Egal wo das Quintett auftaucht, ihr Ziel verfolgen sie kompromißlos. Dabei treffen sie ihr Publikum mitten ins Herz - und zwar schnell, laut und verzerrt. Unterstützt durch ihre 3-köpfige Begleitband – Howie (Gitarre), Tony (Bass) und Nik (Schlagzeug) – verleiht das glamouröse Gesangs-Duo den über 20 Jahre alten Songs neues Feuer. Und so weichen die in den 80ern so beliebten Keyboard-Plastik-Sounds einer erstklassigen ROCK-Performance, die ihresgleichen sucht. Ob auf den großen Festivals der Republik, im Club oder auf einer Betriebsfeier - STUDIO 84 neben Bühne und Herzen im Sturm.

Gemäß dem Motto: „Zurück in die Zukunft – die 80er auf 180“ sprühen sie es für alle smalltownboys und -girls an jede Wand: Schickt eure Söhne und Töchter früh ins Bett, holt den alten Lederschlips und den Haarspray raus, denn wenn der lila Regen fällt, stehen STUDIO 84 vor den Toren unserer Stadt!

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STURM UND DRANG

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STURM UND DRANG

Junge Wilde

Um gleich zu Beginn etwaigen Missverständnissen und einer ungerechtfertigten Einordnung der Musiker in den unsäglichen Topf der braunen Suppe vorzubeugen: Der Begriff „Sturm und Drang" ist jener Epoche der deutschen Literatur des Ende des 18. Jahrhunderts entlehnt, in der unter anderem Dichter und Denker wie Johann Wolfgang von Goethe, Friedrich Schiller oder Gottfried Herder den philosophischen Grundstein für eine neue philosophisch-dichterische Grundhaltung im deutschen Sprachraum legten.

Dass sich ausgerechnet fünf finnische Lausbuben - André Linman (Gesang, Gitarre), Henkka Kurkiala (Bass), Calle Fahllund (Schlagzeug), Jeppe Welroos (Keyboards) und Alexander Ivars (Gitarre) - auf diese auch „zeitgenössische Genieperiode" genannte Ära berufen, mag im ersten Moment wie ein schlechter Scherz pubertierender Halbstarker klingen. Nicht jedoch wenn man weiß, dass jene Strömung die erste freidenkerische Jugendbewegung Deutschlands gewesen ist, das Durchschnittsalter des Quintetts 16 (in Worten: sechzehn) Jahre nicht überschreitet und die Jungspunde nun mit ihrem Debüt „Learning To Rock" in der Tat einen rockmusikalischen Geniestreich abliefern, der bezüglich seiner Frische, Unbekümmertheit und Virtuosität höchstens mit dem vor genau zehn Jahren erschienenen Erstling „Glory To The Brave" der schwedischen Genregenossen HAMMERFALL zu vergleichen wäre (mit diesem ihren Werk leiteten die Göteborger Hammerschwinger bekanntlich die Renaissance des von vielen „Fachleuten" bereits totgesagten traditionellen Heavy Metals ein).

„Henkkas Vater ist Lehrer und meinte, dass der Begriff STURM UND DRANG perfekt zu uns passen würde", verteidigt Sänger André Linman noch einmal die außergewöhnliche Namenswahl für das Quintett. Und plaudert weiter aus dem Nähkästchen: „Wir haben schnell einen Narren gefressen an allen Acts, die sich auf den Achtziger-Jahre-Metal berufen - allen voran natürlich Vertretern der New Wave of British Heavy Metal." So kam der Stein fast schon zwangsläufig nach dem Besuch einer Show von JUDAS PRIEST im Rahmen deren Reunion-Tour 2004 in Tampere ins Rollen: Die damals 12-Jährigen beschlossen, von der Luft- zur E-Gitarre zu wechseln und selbst jenen Klängen zu frönen, die es ihnen angetan haben. Tatkräftig unterstützt von den Eltern - Linman Senior zum Beispiel ist ein in Finnland anerkannter Musiker und betreut den Fünfer Management-technisch -, aber auch von erfahrenen Kollegen wie STRATOVARIUS-Frontman Timo Kotipelto, verfolgen die Buben fortan ihren Traum vom Musiker-Dasein mit einer Vehemenz, mit der zuletzt vor 15 Jahren die heute zu den erfolgreichsten deutschen Schwermetallern zählenden EDGUY die Kritiker und Erwachsenenwelt verblüfften.

Dabei gelingt es den jungen Wilden aus der ostfinnischen Stadt Vaasa scheinbar spielend, das von HAMMERFALL, den dänischen PRETTY MAIDS, einheimischen Vertretern wie STRATOVARIUS oder SONATA ARCTICA und den deutschen Genre-Protagonisten HELLOWEEN und GAMMA RAY in Sachen melodiebetonter Heavy Metal sehr, sehr hoch definierte Niveau zu erreichen, wie insbesondere die Eröffnungshymne ‚Broken', aber auch Up-Tempo-Nummern à la ‚Forever' und ‚Raven' beweisen. Doch auch sämtliche anderen, im Rock und Metal obligatorischen Gangarten beherrschen die Finnen erstklassig: Auf einen emotionsgeladenen Rocker wie ‚Talking To Silence' haben wir wohl seit dem Scorpions-Klassiker ‚We'll Burn The Sky' vergeblich gewartet; das rhythmisch wie ein Harley-Motor stoisch durchmarschierende und -swingende ‚Rising Son' könnte auf Anhieb zum Lieblingssong aller Biker und Easy Rider dieser Welt avancieren - und der durch einen prägnanten AC/DC-Riff eingeleitete stadiontaugliche Rocker ‚Mortals', der programmatische Titelsong respektive das locker-flockige ‚Mortals' dürften sich rasch zu Höhepunkten in den Live-Shows von STURM UND DRANG mausern.

Selbstverständlich ist den Jungs aus dem Land der Tausend Seen die für ihren Landstrich typische, wohl genetisch implantierte Melancholie mit in die Wiege gegeben worden, die sie unter anderem im gefühlvollen, von akustischen Gitarren lebenden Slow-Motion-Swing ‚Raven' oder dem von wunderschönen Piano-Anschlägen flankierten semiballadesken Seelenstreichler ‚Miseria' pflegen. Dies alles macht „Learning To Rock" zu einem kurzweiligen wie abwechslungsreichen Album, auf dem jeder Song eine eigene Identität besitzt und starke Präsenz ausstrahlt, das schnell in die Ohren stürmt und drängt und das letztlich mit zwei weiteren Attributen nur unzureichend beschrieben ist: „zeitlos", „genial".

Kaum zu glauben, dass bewusster Konzertbesuch von Andrés und Henkkas Lieblingband vor vier Jahren derart weitreichende Konsequenzen für die Heavy-Metal-Szene haben könnte: Denn mit STURM UND DRANG sorgt eine Gruppe für Furore, die in qualitativer Hinsicht schon jetzt manch alten Hasen im Geschäft in der Tat unheimlich alt aussehen lässt - ein erstes Indiz dafür liefert bereits der Eintritt auf Platz drei der Albumcharts ihres bereits Anfang Juni in Finnland veröffentlichten Werks. Zu guter Letzt stellt sich sämtlichen Musikkritikern nur eine Frage: Wenn diese fünf Rotzlöffel mit dem Titel ihres Debüts schüchtern eingestehen, sie würden sich immer noch im Lernprozess befinden, wie man denn richtig rockt - was für Geniestreiche erwarten uns dann noch erst in den nächsten Jahren, wenn die Strolche erst einmal „ausgelernt" haben?

Doch vorerst dürfen wir gespannt sein, wie sich der Erstling der Buben in Deutschland schlägt: „Learning To Rock" erscheint hier am 24. August, nachdem die Single-Auskopplung ‚Rising Son' digital bereits genau zwei Wochen früher, am 3. August, und physisch am 24. August auf diese Veröffentlichung einschwört ...

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SUNRISE AVENUE

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SUNRISE AVENUE

Endlich mal wieder bei einem Rockalbum so ins Schwitzen kommen wie in einer finnischen Sauna? Sunrise Avenue bieten dazu nun die beste Gelegenheit. Auf ihrem Debütalbum „On The Way To Wonderland" lässt die vierköpfige Band aus Helsinki richtig Dampf ab und heizt ihre feurig leidenschaftlichen Rocksongs mit einem vitalisierenden Schuss Pop auf. Sunrise Avenue haben ein instinktives Gespür für prächtige Refrains, für Songs, die wie aus einem Guss wirken. Zweifellos, hier sind Überzeugungstäter des Rock'n'Roll am Werk. Eine Band, die gut auf jede Maskerade und Clownerie verzichten kann. „Von Beginn an war es unser erklärtes Ziel, dass wir nicht schauspielern. Wir sind wie wir sind, und was wir tun, machen wir von ganzem Herzen - sonst macht das doch keinen Sinn", erklärt Sänger und Gitarrist Samu Haber mit felsenfester Überzeugung. In dieser bestechenden Form werden der Blondschopf mit dem gewinnenden Lächeln und der nicht minder gewinnenden Stimme und seine exzellent aufspielende Band garantiert weltweit für Furore zu sorgen. Gemeinsam mit dem Gitarristen Janne Kärkäinnen, dem Bassisten Raul Ruutu und dem erst im letzten Jahr verpflichteten Drummer Sami Osala hat sich der Frontmann, der auch für die meisten Songs verantwortlich ist, mit diesem rundum gelungenen Opus einen lang gehegten Traum erfüllt. Mehr noch, mit dem jungen und ehrgeizigen Produzenten Jukka Backlund, der auch die Keyboardarbeit übernommen hat, sind Sunrise Avenue geradewegs auf die Überholspur zum internationalen Erfolg gewechselt. Ihren kompakten und himmelstürmenden Studiosound haben sie auch diesem Mann zu verdanken, der das Beste aus dem Quartett herausgeholt hat und mittlerweile fest zur Tourbesetzung gehört.

Alle fünfzehn Songs von „On The Way To Wonderland" strahlen eine bewundernswerte Dynamik aus, die dem Bandnamen wahrlich alle Ehre macht. Schon der furiose Opener „Choose To Be Me" mit seinem bravourös melodiösen Gitarren-Stakkato und seinem zündenden Refrain setzt die Messlatte enorm hoch. Vom ersten bis zum letzten Ton des Albums steht die Sonne im Zenit. „Es ist dieselbe grundlegende Geschichte wie schon bei den Beatles, oder was Bon Jovi und die Foo Fighters seit Jahr und Tag machen. Unsere Musik hat absolut nichts mit irgendwelchen Trends zu tun, das ist Musik, die heute genauso gut funktioniert wie in zehn Jahren", behauptet Samu mit Fug und Recht. Die große Kunst, die Sunrise Avenue mit geradezu Ehrfurcht gebietender Perfektion beherrschen, ist, die Songs dramaturgisch brillant aufzubauen und in jedem Refrain eine melodische Pracht zu entfalten, als besäße die Band eine Geheimformel für suchterzeugende Harmonien. Ob man Songs wie „All Because Of You" und „Romeo" nimmt, die sich in Finnland bereits als Radiosingles bewährt haben, das als hiesige Sommersingle auserkorene „Fairytale Gone Bad" oder so packende und mitreißende Songs wie „Diamonds" und „It Ain't The Way", es sind allesamt Songs, die ohne Wenn und Aber für Hochgefühl sorgen. Selten nur hat eine Newcomerband ein so perfektes Bündel an Songs geschnürt, bei dem der Funke so schnell überspringt. Selbst die eher balladesken Songs wie „Heal Me" und „Into The Blue" prägen sich schnell ein und das finale „Wonderland" bäumt sich zu einem kraftstrotzenden Rockepos auf, das noch einmal unterstreicht, dass in dieser Band unglaublich viel Dynamik, Energie und Leidenschaft steckt. Ganz besonders stolz ist Samu Haber offensichtlich auf die jüngste Komposition „Forever Yours", hat er sich doch den Songtitel gleich auf den Unterarm tätowieren lassen. Muskulöser kann melodischer Rock wahrlich kaum klingen. Ein potentieller Single-Kandidat mit der Wirkung eines Zaubertranks in Liebesdingen: herzerweichend und anbetungswürdig. Ein Zeppelinrocker für den siebten Charthimmel.

Sunrise Avenue haben von Anbeginn - das heißt seit ihrer Bandgründung vor vier Jahren - keine Gelegenheit ausgelassen, live aufzutreten. Sie sind in jedem besseren Schuppen aufgetreten, in Bars und Clubs aller Art. Das hat die Band nicht nur fest zusammengeschweißt und markante Spuren auf ihrem Weg ins Wunderland hinterlassen, es hat ihnen auch jede Menge Fans eingebracht. Unter anderem einen von der Band so überzeugten Fan, dass er sogar sein Haus verkaufte, um gemeinsam mit ihnen eine Produktionsfirma zu gründen. Wer Sunrise Avenue einmal verfallen ist, der kommt von ihnen offensichtlich so schnell nicht mehr los. Da mutet es umso merkwürdiger an, dass Sunrise Avenue, bewappnet mit einem Demo, bis zu ihrem ersten Vertrag bei sage und schreibe 100 verschiedenen Plattenfirmen und Produzenten vorstellig wurden. Mittlerweile hat sich EMI Music Germany die europaweiten Rechte außerhalb Skandinaviens gesichert. Zu Deutschland hat Frontmann Samu Haber übrigens ein denkbar gutes Verhältnis, weil sein Vater hier geboren wurde. Und so hat Samu während der Fußballweltmeisterschaft vor allem mit der deutschen Mannschaft mitgefiebert und sich von deren Angriffslust und Elan mitreißen lassen.

Sunrise Avenue haben mit „On The Way To Wonderland" das kleine Wunder vollbracht, mit ihren sonnig strahlenden Songs die unterschiedlichsten Musikgeschmäcker zu treffen. Ein ebenso natürlich wie euphorisch wirkendes Debütalbum, dem es ein ums andere Mal gelingt, die Sonne im Herzen aufgehen zu lassen. Sunrise Avenue bieten einen emotionalen Geschwindigkeitsrausch mit offenem Verdeck und offenem Visier. Mit Vollgas der Sonne entgegen...

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SUPERSUCKERS

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SUPERSUCKERS

You’ve heard our name, you’ve seen our records, our t-shirts and our stickers. We’re probably the favorite band of someone you know and yet we’re still a mystery to you. Well my friend, that’s okay, I’m here to fill you in and help you to get to know the greatest rock-n-roll band in the world, The Supersuckers.

Our story is almost impossible to believe. This band is literally a human cartoon. We all grew up among the dead-ends and cactus needles of Tucson, Arizona and have known each other since grade school. We graduated from the same high school together at the same time (a school immortalized in our song “Santa Rita High”) and we chose to play in a band together because we liked to hang out together, not because we were great musicians or anything. I truly believe that a band is defined by their limitations, that what they can’t (or won’t) do is just as important as what they can do. I guess that, in this era of pre-fabricated, put-together-to-have-a-hit bands, we’re kind of an aberration and I gotta tell ya that that makes us smile a little every day.

We formed the band in 1988 and we were initially a five piece called The Black Supersuckers (a name found in some quality “adult literature” we had laying around in our impeccably clean band house), with me on bass, Dan “Thunder” Bolton and Rontrose Heathman on guitars, Dancing Eagle on drums and a lead singer by the name of Eric Martin. After firmly proving ourselves to be the best band in town we decided it was time to get out of Tucson and try our luck somewhere else. So we tossed a coin with heads as New Orleans and tails as Seattle. Tails it was and in May of ‘89 we packed up and went north.

We had no idea that Seattle was about to become “Rock Mecca USA” we just wanted to go somewhere where we could wear our leather jackets a little more often. It was exciting and encouraging to see all of the great bands there, doing their own thing and making some kick-ass, aggressive rock-n-roll that we could relate to, so we started recording immediately. After some classic “creative differences” with our lead singer, we decided to try it as a four piece with yours truly as the singer (I was the only one who knew all the words) and The Supersuckers, as you may or may not know them today, were born.

Our first recordings as a four-piece wound up on various singles for small labels and then were compiled for a C.D. called The Songs All Sound The Same. (For the full story on these recordings I highly recommend picking up the re-issued version on our own label, Mid-Fi Recordings). But it was our live shows that caught the eyes of the good people at Sub-Pop Records and, after a particularly scorching show one night, they offered to put out our records. We said, “Buy us some beer and you got a deal!” And our long and enduring rock-n-roll ride was officially under way.

Starting with 1992,s “The Smoke Of Hell”, we released a total of three rock records for Sub-Pop as well as a country record (Must’ve Been High), split singles with Steve Earle and The Rev. Horton Heat, countless singles and a “best-of” double album. Then we ventured out into the muddy and troubled waters of the major labels where we were signed and dropped by Interscope Records before finally (crash) landing at Koch who (barely) put out another Supersuckers masterpiece, “The Evil Powers Of Rock-n-Roll” in late 1999. We’ve always toured our asses off all over the world and that has never stopped. We hit the road with bands like Mudhoney, Social Distortion, Bad Religion, The Ramones, Motorhead, The Toadies, The Butthole Surfers, The Reverend Horton Heat, The Dwarves, White Zombie and Pearl Jam. We’ve played a few Farm Aid shows and backed Willie Nelson on The Tonight Show. Our music has appeared in T.V. shows (Beverly Hills 90210, Viva La Bam, Simple Life, Road Rules Challenge, Real World, all that crap), Movies (Baseketball, Hype) and commercials (Mountain Dew) as well as countless snow and skateboarding video compilations.

Throughout this entire time, our sole mission has been to create and perform timeless, quality music and get as many people as possible to hear it. That goal has never changed. The pursuit of that perfectly imperfect rock-n-roll moment is all we’ve ever been after. We’ve been doing this for well over a decade now and we’re just getting started.

2001 found us starting our own label; Mid-Fi Recordings. We’ve finally decided to take control of all of our affairs and have become a lean, mean, self managed, totally independent rock-n-roll machine. We’ve got the greatest fans in the world and no one cares more about them and our music than we do. Having our own label gives us the freedom to make more of our music available to them without the hassles of “the middle-man” worrying about things like “marketing” or “demographics”. Hell, these are just hard words. All we want to do is get some kick-ass music out to the people and with Mid-Fi we have been able to do just that. Our first release was a live country record entitled “Must’ve Been Live”, that came out in March, 2002. Since then, we have dug into our “private reserves” and released several singles of some our finest outtake stock (a habit we intend to keep), and we’ve also managed to pull off a couple of “split” singles with fellow under-appreciated rockers, the Hangmen, Throwrag and Zeke.

In 2003 we unleashed the impeccably titled, Motherfuckers Be Trippin’, (April 22nd, 2003) on the world. It was the perfect follow up to The Evil Powers Of Rock N Roll, it spent a couple weeks on the Billboard Independent Charts and songs from it have been featured on MTV’s Real World and Viva La Bam shows as well as countless ski and snowboard videos. We even managed to work a single (Rock N Records Ain’t Selling this Year) to radio where it was #1 on the RnR Specialty Charts for 4 weeks in a row (whatever that is). We have since been able to keep the releases coming at a rate that could never be achieved with any other label. In addition to MFBT, we've released my first solo album, The Sauce, as well as a second version titled Extra Sauce which features the incredible Mickey Raphael from Willie Nelson’s band playing harmonica all over it and my second solo record, Old No. 2 in October of 2005. We've also established the Mid-Fi Field Recordings series which has seen the release of three live Supersuckers records and two live DVDs and will hopefully be the vehicle for our first release by an artist other than the Supersuckers. (Perpetually on the menu is Mid-Fi Field Recordings, Vol.? which will feature one of the last performances by the criminally under-appreciated Zen Guerrilla on New Years Eve 2002. I dare say this is perhaps the greatest live recording of all time!) In the works is a remix version of Old No. 2, as well, which will blow some minds for sure!

Then in 2006 we had the release of what was planned to be a series of Supersuckers E.Ps. with “Paid”, which was by far the best we had ever sounded up to that point. We planned on releasing it as an E.P. so that we could keep the music coming in steady bursts. We were tired of seeing these artists release full length albums with two good songs on ‘em and we wanted to be the trendsetters (once again) and show everyone a new way to get the good stuff to the peoples! We thought we'd be cranking out a few of these E.P.s and, if we had to, then we’d slap together a full length from ‘em with a few new ones thrown in as well. That’s the way they did it in the Fifties and Sixties and we thought that, with the way people are buying their music these days, it’d be the way to go again. Well, we were a little off in that thinking and that leads us to "Get It Together".

"Get It Together" is the brand-spanking new, FULL LENGTH record from the Supersuckers and it is far and away the most awesome thing we've ever recorded. Once again teaming up with the man who brought "Paid" to life, the incomparable Mr. Billy Joe Bowers, the band has never sounded so good. Faced with the somewhat anemic response to the E.P. format, the band decided to forego the idea of putting out several of them and went ahead and recorded enough songs for a full length. (Our first since 2003's, Motherfuckers Be Trippin'. Wow, has it really been that long?!?) Still including some of the "hits" from the Paid E.P., "Get It Together" features 12 solid new slabs of the hard hitting Supersuckers sound you've come to know and love as well as some new looks into our collective psyche. One of the biggest reasons the band has never sounded so good is the recent addition of Scott Churilla as the newest member of the Supersuckers family on the drums. You may or may not be aware that, since the 2004 departure of our original drummer, we’ve had a rotating cast of characters behind the drums for us. It was all very “Spinal Tap” and fun for a while but we’re so happy to have it all behind us and be able to call ourselves a first class, four-piece rock and roll band once again. You may know Scott from his 10+ years as the drummer for The Reverend Horton Heat. He’s absolutely incredible and we are way better than ever with him back there. And his skills are up front and center for all the world to hear on "Get It Together", available at the end of October, 2008!

WHEW! That’s a lot to take in and it barely scratches the surface of all that we’ve done and plan to do. So, the next time you see The Supersuckers name, whether it’s in the record store or on the marquee at your local nightclub, know that there’s some quality, honest, ass-kicking, hard working individuals in there, trying to make your life a little better through the “Evil Powers Of Rock-n-Roll” (and the occasional detour into the country of course) and we’d love nothing better than to have you there with us as we "Get It Together"! Just remember to wear you clean underwear, because we’re gonna rock your pants right off of you.

Rawkously Yours,
 Eddie Spaghetti.

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