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AZAD
Der Bozz im Game - Azad - geht mit seinem neuen Album „Assassin“ (VÖ: Mitte Mai 2009) auf Tour und bringt damit das harte Pflaster der Frankfurter Nordweststadt deutschlandweit als Show-Spektakel auf die Bühne. Größer, gewaltiger und gefährlicher zeigt sich Azad dabei und sorgt somit dafür, dass der Album- und Tour-Titel Wirklichkeit werden. „Assassin kommt aus dem Arabischen und bezieht sich auf ein Volk, das erstmals Angst und Schrecken bis zu den Herrscherhäusern verbreitet hat. So wie dieses Volk, werden mein Camp und ich das Blut der Fans zum Kochen bringen und ihnen einheizen wie nie zuvor!“, sagt Azad, der sich sehr auf die Tour freut.
Unterstützt wird er bei diesem Hip-Hop-Attentat von seinen Labelkollegen Solo und Hanybal (439), sowie insbesondere von Jeyz. Der Sizilianer präsentiert als Bonus-Highlight und Special-Guest der „Assassin“-Tour sein aktuelles Album „Blut, Schweiß & Tränen“ (VÖ: 17. April 2009), auf dem er die verbale Vielfalt des Bozz-Raps beweist: Club-Banger, deepes Storytelling und Battle-Rap. Die Gesangsstimme zu den Killer-Bars der Bozz-Brüder steuert Multitalent und Bühnenmeister Manuellsen bei, der sowohl auf Jeyz’ Album als auch auf Azads erstem Streetalbum „Azphalt Inferno“ die Qualität deutschen Souls revolutioniert hat.
Mit besserem Sound und mehr Effekten lassen Azad und Jeyz, 439 und Manuellsen bei der „Assassin“-Tour die deutschen Städte erbeben. Azad verspricht schon jetzt: „Diese Show bombt deinen Schädel!“
BETTY BLITZKRIEG
Blitzkrieg, Against the Machine!
Es war einmal, ein Mann mit einer Mission:
Rocken, bis alle seinen Namen schreien!
Der Mann hieß, und heißt immer noch Betty Blitzkrieg. Und die Mission wird erfüllt. Um jeden Preis.
Grinsend verkündet Betty Blitzkrieg: “Der Spaß hat erst angefangen, alle Kritiker sind nur Zuschauer!" Hinter der Mission steckt der 27-jährige, in Wien geborene und in München lebende Musiker David Sobol: "Ich bin ein Spiegel meiner Zeit. Ich bin meine eigene Kunstfigur und jeder sollte das auch sein. Scheißt auf eure Vergangenheit und lebt eure eigene Realität".
Die Message ist einfach. “Sei genau das, was du sein willst, und wenn das den Leuten nicht gefällt, dann zeig ihnen den Mittelfinger." Selbigen ziert bei David Sobol aka Betty Blitzkrieg, ein Tattoo mit dem Namen seines Debutalbums "Voodookind".
Betty Blitzkrieg hat vom ersten Moment seines Erscheinens in der deutschen Medienlandschaft polarisiert.
"Wir feiern anders" hieß die im Sommer 2009 erschienene erste Singleauskopplung, die Dank MTV's "All Eyes On"-Kampagne, einer breiten Masse zugänglich gemacht wurde.
Die einen feierten ihn für seine inszenierte Selbstverliebtheit, die anderen warfen ihm Verrat und Ausverkauf vor.
Herr Blitzkrieg's Statement dazu ist klar und deutlich:
"Warum wird keinem schlecht, wenn bei DSDS der hundertste Typ einläuft, der erzählt, dass seine Mutter im Sterben liegt, und dann ergriffen von seiner eigenen Ergriffenheit "Hero" von Maria Carey schmettert? Warum riecht da keiner den wahren Betrug?
Aber wenn man sich anmalt und laut schreit ist es Fake, nur weil die Leute einen nicht kennen. Ich habe mein Album selbst gemacht und es erzählt von mir allein. Da ist meine Seele drin. Es ist die einzige Antwort!“
Die Antwort heisst "Scheiss drauf" und ist gleichzeitig der Titel, der im März erscheinenden 2. Single.
In der einzigsten Coverversion des von Fans sehnlichst erwarteten Albums "Voodookind", widmet sich Betty Blitzkrieg sogar dem Megahit des grossen Falco, "Rock me Amadeus".
Doch Respekt ist für Betty Blitzkrieg hier kein Fremdwort: "Falco ist ein Held, und er ist den Heldentod gestorben. Ich habe seine Musik nicht gestohlen. Ich erzähle nur meine Version seiner Geschichte, damit keiner vergisst, um was es geht.
"Auch wenn es im weitgehend ironiefreien Deutschland eine sehr schwierige Mission ist, die Betty Blitzkrieg für sich gewählt hat, steckt hinter der selbsterschaffenen Kunstfigur ein ernstzunehmender Musiker und ein redegewandtes Sprachrohr einer Anhängerschaft, die ständig wächst.
Um seine Mission endgültig zu erklären, hat Betty, seinem 2010 erscheinendenersten Album "Voodookind", ein digitales Buch beigelegt. Es trägt den Titel: "Buch Against the Machine".
Noch Fragen?
D-A-D
DARIN
VÖ: 28. September 2007
Was ihm in Schweden 2005 gelang, setzt er nun in Deutschland fort. 2005 sorgte Darin mit der Auskopplung seiner Debütsingle „Money For Nothing" für einen Ausnahmezustand in seiner Heimat. Der damals 18jährige wurde über Nacht zum absoluten Superstar! Jetzt, im Spätsommer 2007 sorgte sein Deutschlanddebüt - die Singleauskopplung „Insanity" - dafür, dass auch hierzulande begeisterte Fans versuchen, die Bühne stürmen! Nach dem erfolgreichen Start gibt es seit dem 28. September 2007 endlich auch das Album „BREAK THE NEWS" des schwedischen Shootingstars in Deutschland. Das Album ist ein perfekter Mix aus Balladen und coolen, modernen Beats, die alle Darin's Handschrift tragen. „BREAK THE NEWS" steht für die Wandlungsfähigkeit des Künstlers. Jeder Track dieser unglaublichen Produktion zeigt eine andere Facette des Songwriters, Sängers und Performers.
„BREAK THE NEWS" - hier Darin's erstes Album - ist in Schweden bereits sein drittes. Dennoch fühlt es sich für Darin oft an, wie „das erste richtige!" Darin: „Es ist das Album, das ich immer machen wollte. Es ist das Album, das mich am meisten zeigt. Ich hatte richtig viel Zeit, dieses Album aufzunehmen. Ich konnte mein eigenes Zeug machen - ohne Einschränkungen. Ich konnte experimentieren, austauschen, ändern und verwerfen. Ich durfte mit Produzenten wie Max Martin, der mit all meinen Idolen gearbeitet hat, und Red One arbeiten. So konnte ich meinen eigenen Sound kreieren - ich wollte immer etwas Neues, Frisches kreieren. Dieses Album ist moderner Pop, es hat viele modernere Sounds und Beats und viel mehr Attitüde! Ich wollte, dass dies jeder hört, dass sich das rum spricht." Genau das verbirgt sich also hinter dem Albumtitel „BREAK THE NEWS": Schaut her! Das bin ich! Das ist mein Sound! Erzählt jedem davon!
Der Schwede spielt mit unterschiedlichen Musikstilen und Sounds, ohne dabei sein Genre zu verlassen. In Schweden erntete Darin dafür die Vergleiche mit Justin Timberlake und Michael Jackson. Seine Songs beschäftigen sich mit allem, was um ihn herum passiert. Kurz: Die gesamte Gefühlspalette: von Glück, Trauer, Wut, Coolness, Verzweiflung bis hin zur Partylaune - immer gehüllt in den passenden Klangmantel. So handelt die Ballade „Everything But The Girl" von jemandem der alles hat, nur die große Liebe nicht. „Homeless", ebenfalls eine Ballade, beschreibt die große Leere nach einer Trennung. Ein Song, den Darin besonders liebt, weil er so tief geht und er seiner Stimme alles abfordert. „Like No One" handelt von den Freunden, die einfach immer für einen da sind. Der coole und freche Track „Everything You're Not" ist all denen gewidmet, die vor Neid ersticken. „Desire", einer von Darin's Lieblingssongs, und „If You Wanna" sind Clubhits. Auf „BREAK THE NEWS" befinden sich aber auch zwei Songs von Darin's zweiten Album „DARIN". Sein „bisher größter Hit", wie er selbst sagt, „Step Up" (der übrigens von US 5 gecovert und als „In The Club" veröffentlich wurde) und „Who's That Girl".
Feedback beim Songschreiben holt sich Darin in der Familie - bei seinen Eltern. Vater und Mutter, selber Sänger, die allerdings nie die Chance hatten, ihre Leidenschaft zum Beruf zu machen, sind Darin's strengste Kritiker. Darin: „Wenn ich einen Song fertig habe, dann gehe ich zu ihnen und frage nach ihrer Meinung. Wenn er ihnen nicht gefällt, wird er überarbeitet. So war es zum Beispiel bei „Desire", da habe ich noch mal den Beat geändert und hatte nachher einen neuen Song." Ist ein Song aber erst mal im Kasten, dann wird nicht mehr dran gerüttelt: „Man muss mit dem zufrieden sein, was man getan hat. Man kann nicht ständig zurück schauen und sagen: Oh, das hätte ich besser nicht gemacht. Man muss nach Vorne blicken, darauf aufbauen, und immer dein Bestes geben. Es wäre zu hart, wenn du immer nur darüber nachdenkst, was du nicht gemacht hast."
Fragt man den Vollblut-Künstler, der sich ebenso um das Skript für seine Musikvideos, um die Bühnenperformances wie auch um den Look seiner Tänzer kümmert, nach seinem Erfolgsrezept, antwortet er fast verlegen: „Nun, ich denke zum einen liegt es an der Musik und zum anderen versuche ich immer ich selbst zu sein. Darin: „Ich bin Musiker und liebe, was ich tue. Grundsätzlich bin ich glücklich und mag es, Spaß zu haben. Ich habe keine Angst mich zu verstecken. Ich finde es anstrengender, ständig in eine Rolle zu schlüpfen, als einfach ich selbst zu sein. Viele Leute versuchen ein Image darzustellen, immer cool zu sein. So bin ich nicht. Außerdem versuche ich jeden so zu behandeln, wie ich selbst behandelt werden möchte. Und gleichzeitig möchte ich allen vermitteln: habt Spaß!"
Dabei glauben manche Leute beobachtet zu haben, dass es mindestens zwei Darin's gibt: Den einen etwas ruhigeren, fast introvertierten Darin neben der Bühne und den anderen, wilden, explodierenden Darin auf der Bühne! „Das sagen mir immer alle", sagt er lachend, „Darin privat und Darin auf der Bühne scheinen zwei völlig unterschiedliche Persönlichkeiten zu sein, obwohl sich das für mich immer gleich anfühlt. Klar, bevor ich auf die Bühne gehe habe ich Schmetterlinge im Bauch, bin nervös, will nur noch da raus. Und sobald ich auf der Bühne bist, tauche ich in eine total andere Welt. Alles was in mir ist kannst ich einfach rauslassen! Ich lass dann einfach los und bin zu 100% Musiker!" Dass dies auch bei den deutschen Fans großartig ankommt, davon konnte sich Darin im September live überzeugen. Beim Dome in Hamburg, seinem Showcase in Köln und einem Auftritt in Flensburg herrschte bei den Fans pure Hysterie! „Das war wirklich toll. Ich liebe das und es zeigt mir, dass ich auf dem richtigen Weg bin", so Darin.
Im Herbst und Winter will er noch einige Male nach Deutschland kommen, eine Tour durch Deutschland wäre sein Traum. Seine Mission ist klar: „BREAK THE NEWS" - Deutschland ist bereit!
DARIN - FACTS
Geb. am: 2. Juni 1987
In: Vällingby /Stockholm
Größe: 1,75 m
Haare / Augen: braun
Geschwister: Schwester Rosa (drei Jahre älter)
Sprachen: Schwedisch, Englisch und Kurdiska (Sorain)
Darin's Geschichte beginnt, als er drei Jahre alt ist, damals fing er an, zu den Videos von Madonna und Michael Jackson zu singen und zu tanzen. Sie legten den Grundstein für die Musik, die Darin einmal machen wollte. Darin's Eltern, selbst musikalisch ambitioniert, erkannten das Talent ihres Sohnes und schickten in auf eine Musikschule. Hier lernte er Klavier und klassischen Gesang. Mit 16 schrieb Darin seinen ersten Song. Nach seinem großen Durchbruch 2005 brach Darin in der 12. Klasse die Schule ab - für seinen Abschluss fehlt ihm nur noch eine Prüfung - die in Musik!
Durchbruch 2005 mit „Money For Nothing"
2005 veröffentlicht Darin zwei Alben - sein Debüt „The Anthem" und „Darin"
seit 2005: Drei ausverkaufte Tourneen in Schweden
November 2006 „Break The News"
Deutschland
03. August 2007 „Insanity"
28. September 2007 „Break The News"
DER FAMILIE POPOLSKI
Der Familie Popolski kommt mit ihrem zweiten Programm „From Zabrze with Love“ und neuen Enthüllungen auf Tour.
Mit dem sehnsüchtig erwarteten zweiten Live-Knaller aus Polen präsentiert „Der Familie Popolski“ unter dem schönen Motto „From Zabrze with Love“ dem staunenden Publikum die langersehnte Fortsetzung der Reihe musikalischer Meisterwerke aus der Familiengeschichte so, wie sie ursprünglich gedacht waren.
Die wohl unglaublichste Geschichte aus der Welt der Popmusik gelangte in der jüngsten Vergangenheit endlich ans Licht der Öffentlichkeit: So gut wie alle Top-Hits der letzten Jahrzehnte sind geklaut!
Die eigentlichen Urheber der Songs sind die Mitglieder einer völlig unbekannten, verarmten Musikerfamilie aus Polen: Der Familie Popolski!
Nachdem „Der Familie Popolski“ sich 2008 erfolgreich in das laufende Programm des WDR hackte um der verblüfften Weltöffentlichkeit die Wahrheit über die eigentlichen Urheber der Popmusik zu verkünden und sich hieran eine Tournee in ausverkauften Konzerthallen in der gesamten Republik anschloss, hat sich die Familie nun zurückgezogen, um aus dem schier unerschöpflichen Fundus des Opa Popolski weitere Schätze der Popmusik für ihr Publikum freizulegen.
Und jetzt sind sie zurück!- „From Zabrze with Love“ ist Name und Motto eines Abends, an dem „Der Familie Popolski“ zurück auf die Bühnen geht, um nicht nur weitere Originalversionen verhunzter Pophits sowie Klassiker aus dem Schaffen der Popolskis zu präsentieren, sondern auch einen Abend in Liebe und Harmonie mit dem Publikum zu verbringen.
Weltbekannte Top-Hits wie „In the Shadwos“ oder „Highway to Hell“, die man in- und auswendig zu kennen glaubte, offenbaren eine gänzlich unbekannte, oft völlig überraschende Seite, wenn sie dem Publikum zum ersten Mal in ihrer Ursprungsversion erklingen und Pavel Popolski1 dem Publikum die Entstehungsgeschichte jedes einzelnen Titels auf seine unverwechselbare und sympathische Weise enthüllt.
Aber dies nicht genug lüften „Der Familie Popolski“ auch noch weitere Geheimnisse aus der jüngsten Vergangenheit unseres sympathischen und doch so unbekannten Nachbarlandes Polen und seiner ebenso weltoffenen wie heimatverbundenen und liebenswerten Einwohner. Denn die Polen haben nicht nur in der Musik mit „Der Familie Popolski“, sondern auch in Film, Sport und Wissenschaft unbemerkt von der Weltöffentlichkeit historische Grundsteine gelegt, die später im Westen kopiert und als eigene Errungenschaften medienwirksam ausgeschlachtet wurden. So wurde z.B. einst aus dem ursprünglichen polnischen Straßenfeger „Der Patek“ die Mafia-Trilogie „Der Pate“ und der erste Mann auf dem Mond war auch kein Amerikaner, sondern – wie sollte es anders sein – ein Pole!
Die Süddeutsche Zeitung schrieb: „Der Popolski-Show ist ein Beleg für Unterhaltungskunst.“
„From Zabrze with Love“ mit der Familie Popolski garantiert zwei Stunden exzellente Musik, Wodka, Party und beste Unterhaltung.
EYEHATEGOD
FILTER
“Can’t we learn from history … Why’s it such a mystery?”
“Soldiers of Misfortune”
Richard Patrick has had enough.
The mastermind behind Filter’s fourth album, Anthems for the Damned, its first in five years since The Amalgamut, is what Patrick calls his “howl in the night,” a harsh indictment of civilization that doesn’t exclude himself from its vision of a world falling apart.
Featuring such collaborators as guitarist/songwriter John 5 (Marilyn Manson, Rob Zombie), guitarist Wes Borland (Limp Bizkit) and drummer Josh Freese (A Perfect Circle, Nine Inch Nails, Guns N’ Roses, the Vandals), Anthems for the Damned was produced by Pulse Recording’s Josh Abraham (Slayer, 30 Seconds to Mars, Velvet Revolver, Staind, Courtney Love).
The album traces Patrick’s own anger and shame with the state of things, from the intense alternative industrial blast of “The Take,” “What’s Next” and “Hatred is Contagious,” through the stunned acceptance and ironic sarcasm of the first single, “Soldiers of Misfortune,” the ultimate resignation of “Kill the Day” and “Lie After Lie” to the tentative hope expressed by “Only You” and the ambient soundscape of the closing “Can Stop This.”
“It’s about the embarrassment of being a human in the face of the awesome power of nature,” he explains. “To see what we’re doing to the planet and each other. I’m ashamed about the shape of the world we’re leaving to our children. And I’m not excusing myself either. I’m just asking, ‘Why can’t we get it right?’”
Patrick calls the soaring anthem “Soldiers of Misfortune,” with its U2/Bowie flavor and stacked backdrop of buzzing electric guitars, a “sardonic anti-war/pro-troops song.” The first-person narrative was inspired by a letter from a Filter fan who had enlisted in the Army reserves to get his college tuition paid; in his final year of college, he was shipped off to Iraq where he died from a rocket attack and small arms fire after just a few days of duty. And while the story might be downbeat, the music is as accessible as such Patrick radio hits as “Hey Man, Nice Shot” (from its1995 debut Short Bus) or the Top 15 pop smash, “Take a Picture” (from 1999’s Title of Record).
“I set out to capture the senselessness of his situation,” says Patrick. “The bleakness of the lyrics plays off against the optimism of the chord progression.”
That combination of classic-rock melodies and industrial heavy metal has been part of Patrick’s music from the very start, when the Ohio native first shared his musical theories with one-time Nine Inch Nails bandmate Trent Reznor.
“In Dreams,” featuring Wes Borland on guitar, plainly states, “The American dream is an illusion and we must wake up,” while “Cold (Anthems for the Damned)” is a song about “running away from the world to either kill yourself or to realize the only place for you is in the arms of society,” he says, explaining how his experiences as a recovering alcoholic helped him come to terms with that contradiction. “It’s like what they call the ‘white room,’ where you must face yourself… There is nobody or nothing else to deal with.”
Beginning with strummed acoustic guitars, “Only You,” which Patrick says is rooted in Brian Eno’s theory of the “happy accident,” contemplates how mankind has the potential to simply be erased by our own hand.
The decision to revive the Filter brand after five years came after Patrick’s experience as singer/lyricist with the supergroup Army of Anyone -- with Stone Temple Pilots’ Dean and Robert DeLeo and David Lee Roth drummer Ray Luzier -- releasing a self-titled album on The Firm Music label last year. A single from the album, “Goodbye,” went to Top 3 on the Active Rock charts.
“I’ve always loved collaborating with other people, but the stuff I do on my own is the most fulfilling,” he says. “It was an amazing experience to be in a group with such talents as Robert Dean and Ray, but I felt I had some unfinished business with Filter. And I think they understood that. Filter will always be my legacy.”
Since deciding to part ways with Nine Inch Nails to record Filter’s multi-platinum debut, Short Bus, for Reprise Records, Patrick has seen his own career take off. That first album produced the Top 10 alternative mainstay, “Hey Man, Nice Shot,” as well as such standards as “Dose,” “Stuck in Here” and “Under.”
Title of Record followed in 1999, featuring “Take a Picture,” which was a Filter crossover pop hit, landing at #12 on the Billboard Hot 100. The album’s “Welcome to the Fold” and “Cancer” garnered a strong amount of Active and Alternative rock airplay as well.
At this time, Patrick began writing for films, with his songs appearing on soundtracks like The Crow, Spawn, The X-Files, The Cable Guy, The Girl Next Door and Little Nicky.
The Amalgamut, his final album for Warner Bros., was released in 2002, featuring the single, “Where Do We Go From Here.” Another song on the album, “The Only Way is the Wrong Way,” served as the music for a national Hummer 2 automobile TV campaign.
With Anthems for the Damned, Patrick returns to his indie roots, a move that has creatively revitalized him.
“I’d rather not subject myself to the insanity of the major label system at this point in time,” he says.
Anthems for the Damned is his cry in the wilderness, a protest against the status quo, a litany of society’s ills and, hopefully, a first step on the road to recovery.
“I worked really hard on this album,” he says. “If it’s the last record I ever do, I wanted to make it as big a musical statement as I can. It comes from the only place good music can come from, an honest heart. That’s what really matters. We, as human beings, are the only ones lucky enough to grasp just how vast and remarkable our universe really is, and at the same time, understand our own vulnerability. So, why are we so reckless?”
“Am I always angry? No. Am I always full of hope? No. But even if my lyrics are dark as shit, there’s always something uplifting about the music. I try to rise above my issues.”
GRAND MAGUS
Drawing hefty influence from the hand-on-heart grandeur of the NWOBHM and the inspirational mythology of their forbears, Grand Magus are steeped in pre-Christian tales of triumph, vengeance, betrayal, romance and death.
The mandolin-led opening of ‘Like The Oar Strikes The Water’ does little to prepare the listener for the heads down double bass attack, which follows in its wake, heralding the arrival of new drummer Seb to the Grand Magus fold.
The departure of founding drummer Trisse has done little to slow the power trio’s primordial thunder with Seb’s furious tattoo setting a pace previously unseen in Grand Magus. Building their characteristic-rolling stomp into an all-out battle charge, this takes their epic sound to new levels of unshakeable might.
The pace continues to gather for the soaring epic Viking march of ‘Fear Is The Key’ before the atmospheric bass solo ‘Hövding’ brings us back down to earth for the triumphant title track ‘Iron Will’; a paean to the power of the mind and a refusal to conform.
Through the straight-up heavy metal of ‘Silver Into Steel’, ‘The Shadow Knows’ and ‘Beyond Good And Evil’, the crushing doom of ‘Self Deceiver’ and the bombastic, nine-minute epic outro of ‘I Am The North’, bandleader JB has infused each second of sound with his unmistakable sense of purpose, unrelenting riff and his bittersweet, soul-wrenching howl. Shored up by the powerful four-string rhythm section and backing vocals of mainstay Fox, this anthem cements Grand Magus as a product of that dark, fertile place where doom, rock and heavy metal meet to become something pure.
A nine-song essay in timeless, masculine majesty ‘Iron Will’ is the sound of a plastic sword being snapped, an idiot being kicked in the face and the rich heritage of true steel reclaimed.
GUANO APES
GUANO APES Press Info:
It was back in 1994 that Sandra Nasic, Dennis Poschwatta, Stefan Ude and Henning Ruemenapp teamed up for a band they eventually called ‚Guano Apes‘.
Combining powerful and unsual rhythms, complex harmonies and intriguing melodies they stormed through Germany’s music scene with their debut album ‚Proud like a god‘ in 1997 and took off for full scale tours through most of Europe and even North America touring with the likes of Creed or P.O.D. ‚Proud like a god’ ended up being the most sold debut album of an english speaking german band and managed to keep this record up to to the current date reaching gold and platinum status in several European Countries.
After intensive touring Guano Apes returned with their second album ‚Don’t give me names’ in 2000 which entered the german charts on #1 straight away and lead to continuing success in even more european countries.
In 2003 their third album ‚Walking on a thin line‘ marked further creative development of Guano Apes establishing them as one of the most successful german bands ever by hitting the top of the european charts once more.
The band achieved numerous awards including the MTV Award for Best German Act, gold and platinum awards all over Europe as well as two Echo Awards and the IFPI Award for selling one million copies of their debut record in Europe. They kept on touring until 2005 before they parted separate ways to initiate various other projects.
Guano Apes have always been very well renown for their amazing stage presence and powerful live shows.
After four years of silence they will now be back together on stage for a series of european festivals - so expect this summer to be a very hot one!
H-BLOCKX
The Blockx Are Back!!!
Zehn Jahre ist es her, da veröffentlichten die Münsteraner unterstützt von George Glueck & seinem Team ihr erstes Album Time To Move. Das Debüt verkaufte sich weltweit über 750.000 mal, die Singles, u.a. Risin' High, Move und Little Girl, werden zu Dauerbrennern in den Clubs.
Zehn Jahre, vier erfolgreiche Alben und unzählige Konzerte später veröffentlicht die Band nun ihr fünftes Studio-Album, wieder mit George Glueck & seinem Team - der Kreis schließt sich!
Am 24. Mai erscheint die erste Single-Auskoppelung Leave Me Alone!, ein fulminanter Vorgeschmack auf das am 7. Juni folgende Album No Excuses. Der Song entsteht nach einer intensiven Partytour, Nachts im Hotelzimmer, als Henning und sein Kumpel Jan sich den Frust über diverse Leute von der Seele spielen. Das Klopfen & Hämmern der anderen Hotelgäste wird ignoriert - um 4.00 Uhr morgens ist die Idee zu Leave Me Alone! getaped. Das Problem - am nächsten Tag war alles vergessen!
Erst vier Monate später wird der Song zufällig auf einem Diktiergerät wieder entdeckt und sofort fertig gestellt, der Auftakt zum neuen Album ist geschaffen!
Die Band hat sich verändert. Musikalisch. Inhaltlich. Optisch. Und obwohl sich Henning Wehland (Gesang), Tim Humpe (Gitarre), Steffen Wilmking (Drums) und Fabio Trentini (Bass) erst im vergangenen Jahr entschlossen, gemeinsam als H-Blockx erneut anzugreifen, spürt die Band, dass sie angekommen sind und die ideale Besetzung gefunden ist. Dave Gappa komplettiert die Truppe als Ehrenmitglied und wird auch bei der diesjährigen Festivaltour mit dabei sein.
HAYSEED DIXIE
Appalachian hell raisers Hayseed Dixie, have announced they will be hitting these shores again to tour in February and March 2010, and invite you to join them getting stark-raving plastered as they rock out in their own unique and inimitable way. Since forming in the Fall of 2000, the band has performed over 1,000 live shows in 21 different countries.
Hayseed Dixie are currently recording their new studio album in Nashville, TN, which is due for release in February 2010. The album, which will feature more songs about killin’, drinkin’, cheatin’ and hell, will contain some unexpected cover versions alongside the bands own material. More details to follow …
HEAVEN'S BASEMENT
Since their debut show in April 2008 Heavens Basement have been doing just that, reigniting music fans love of hard rock up and down the UK and across Europe. For a band so young their list of achievements is extremely impressive. Aside from blowing the ceilings off toilet venues across the country at their own headline shows, the 100+ shows the young rockers played last year included a support slot with BON JOVI, main support slot on THUNDER’s UK tour, as well as prestigious slots at BLOODSTOCK and HARD ROCK HELL 2 festivals.
2009 kicked off with the band holed up in the studio with renowned producer Bob Marlette (BLACK STONE CHERRY, AIRBOURNE, SHINEDOWN, SALIVA) to record 4 tracks in 5 days, before hitting the road again, this time as main support to THUNDER on their European tour. The band were rapturously received in the Netherlands, Belgium, Switzerland and Germany.
Their hardwork and brilliance has not gone unnoticed, with Germany’s “Rocks!” magazine awarding the band their BEST NEWCOMER award, as well as a nomination for the same title from Planet Rock radio in the UK.
With 4 stunningly produced tracks ready to be unleashed, the band hit the road again for a mammoth tour of the UK, preceded by some warm up shows in Scotland. Miss them at your peril.
HYPOCRISY
Jonas Granvik / Close-Up Magazine SWEDEN
Let’s not wonder how HYPOCRISY mastermind Peter Tägtgren finds the time to be a legendary producer (in his ABYSS STUDIOS) and write songs for both his bands PAIN and HYPOCRISY. Let’s just rejoice in Mr. Tägtgren`s new album “A Taste Of Extreme Divinity”! “A Taste Of Extreme Divinity” is probably the most mature creation HYPOCRISY have released so far. Combining pure Death Metal stylings and grinding slow tunes with catchy melodies we all learned to love from ‘Roswell 47’. This album mirrors the whole evolution of HYPOCRISY. Brutal tracks like ‘Valley Of The Damned’ or “Hang Him High” should make every old-school Death Metal fan happy, while ‘Weed Out The Weak’ is one hell of a fast-paced track with killer riffing whereas ‘Solar Empire’ feat. guitar harmonies still unheard on this planet. The right punch in the face is delivered by drum icon Horgh (IMMORTAL) who joined the HYPOCRISY folds just before their last record “Virus” (2005). All in all, this is a new HYPOCRISY album that is bound to become another Death Metal classic!
The official birth year of HYPOCRISY dates back to 1991 when the band got signed to Nuclear Blast and released their massive debut album “Penetralia”. “Osculum Obscenum” and “The Fourth Dimension” were the next milestones in crushing, extreme Death Metal and defined the band’s status as one of the most innovative and remarkable Metal bands in Europe. Following the release of “Into The Abyss”, HYPOCRISY put together a ‘best of’ album titled “10 Years Of Chaos And Confusion”. The album featured a fan-elected track-list with all the hits of the last decade. 2002’s “Catch 22” defined a new dimension of sound for HYPOCRISY with progressive and rock influences and led HYPOCRISY into a modern era of more fashionable death metal. With “The Arrival” the sound experiments came to an end – and saw HYPOCRISY return to their roots. In 2005, an actual “Virus” was spread by them Swedes, the album almost foresaw the direction they kept continuing with “A Taste Of Extreme Divinity”. Brutal as fuck with lots of groove and fast as hell!
INDICA
Doch der Reihe nach: Die finnische Mädchenband wird 2001 von den beiden Klassenkameradinnen Jonsu (Gesang, Violine, Gitarre, Keyboards) und Heini (Bass, Gitarre) gegründet, die gemeinsam in einem Streicherorchester für Kinder gespielt hatten. Wenig später treten auch Sirkku (Keyboards, Klarinette, Klavier), Jenny (Gitarre) und Laura (Schlagzeug, Percussion) ein – Indica sind komplett. Fünf hübsche junge Mädels, eine Gemeinsamkeit: Vollblutmusikerinnen, Lichtjahre von Castingshows und musikalischer Belanglosigkeit entfernt. Und richtig gute Freundinnen sind sie auch.
„Erfolg lässt sich nicht vorhersagen“, sagt Sängerin und Texterin Jonsu, „deshalb habe ich mir darüber auch nie Gedanken gemacht.“ Und dennoch war er sofort da, der Erfolg: 2003 unterzeichnen sie ihren ersten Plattenvertrag und arbeiten an ihrem Debütalbum „Ikuinen Virta“, das sich 30 Wochen in den finnischen Charts hält und Platin erreicht. Von Null auf Hundert in drei Sekunden – ihre Landsleute sind begeistert, so eine moderne, romantische Mischung aus Pop, Rock, exotischen Instrumenten, finnischer Melancholie und mystischen, naturverbundenen Texten hatten sie noch nicht gehört. Die Presse hat sofort einen griffigen Begriff parat: Mystik-Romanik-Pop. „Unsere Musik kann man nicht in eine Schublade stecken, nicht einmal ich finde die passenden Worte“, sagt Jonsu. Macht nichts: Musik muss man fühlen, nicht rational erklären.
Es folgen drei weitere Alben für den finnischen Markt, von denen zwei Gold erreichen und sich wochenlang in den Charts halten. Das letzte davon, „Valoissa“ (2008), produziert Nightwish-Boss Holopainen höchstpersönlich, und auch beim neuen Indica-Album „A Way Away“ hat er seine Finger am Mischpult im Spiel. „A Way Away“ ist eine Sammlung der besten Indica-Songs, die für den internationalen Markt in Englisch eingesungen wurden. „Ich hatte Schmetterlinge im Bauch, als ich erstmals englische Texte sang“, erinnert sich Jonsu – und trifft dabei genau das Gefühl des Hörers bei „A Way Away“: zu Musik gewordene Landschaften, ungeahnte Emotionen, großes Kino. „Filmsoundtracks sind neben der Natur mein größter Einfluss“, sagt die 25-jährige Komponistin. Weitere musikalische Vorbilder: Pink Floyd, Kate Bush, Interpol, Queen, The Arcade Fire, Beatles, Edith Piaf und, und, und.
Wie gesagt: Indica haben viele Gesichter. Und neben Tuomas Holopainen noch weitere prominente Fans, zum Beispiel den amerikanischen Dichter und Drehbuchautor Rory Winston, der bei der Übersetzung der Texte ins Englische half. Oder den Komponisten und Produzenten Pip Williams, der nicht nur Nightwish-Alben mit symphonischen Arrangements veredelte, sondern auch Indica bei „A Way Away“ unter die Arme griff – zum Beispiel bei der ersten Single „In Passing “, einer nachdenklichen Ballade mit extrem hohem Wiedererkennungswert. Co-Produziert wurde die Single von Roland Spremberg (Him, A/ha, Livingston uvm), gemixt von Marc Schettler (Farion Urlaub, Silbermond, Sportfreunde Stiller uvm.). Und jetzt: Schubladendenken über Bord werfen, CD einlegen, Augen schließen – und sich ein Leben lang verzaubern lassen.
JEFF CASCARO
Doch der Reihe nach: Jeff Cascaro begann seine Karriere bereits mit 18 Jahren als Gewinner von „Jugend jazzt“. Erfahrungen sammelte er unter anderem als Backgroundsänger und Gastmusiker mit der NDR Bigband, der Rias Big Band, mit Ute Lemper, den Fantastischen Vier, Sasha, Joe Semple von den Crusaders, Götz Alsmann, Klaus Doldinger’s Passport, den Guano Apes oder Paul Kuhn – um nur eine Auswahl zu nennen. Stehen sie doch für das genreübergreifende Musik-Verständnis des Mannes aus dem Ruhrpott, der so unüberhörbar das Herz auf dem rechten Soul-Fleck hat. Seit 2000 ist der vielseitige Praktiker noch dazu Professor für Jazz-Gesang an der Hochschule für Musik „Franz Liszt“ in Weimar. Sein CD-Debüt unter eigenem Namen bereitete Jeff Cascaro sorgfältig vor – und zeigte schließlich, was es heißt, die Soul Of A Singer zu haben.
Von der Seele eines Sängers erzählt auch Mother and Brother. Von seiner Liebe zur Musik, zum Leben überhaupt (‚Ella’ oder ‚I Feel Fine’) berichten Cascaros Songs, öffnen ganze Kapitel über seinen bisherigen Lebensweg, sein Lieben und Leiden (‚When She Sings To Me’ oder ‚The Sun Is Shining For Our Love’) oder fordern unaufdringlich zum Tanzen auf (‚Love Is In The Air’). Cascaro folgt dabei den Traditionen des klassischen Soul-Sängers, wie schon Stevie Wonder, Bill Withers oder Wilson Pickett vor ihm. Doch auch Traditionen müssen immer neu interpretiert werden, wie Cascaro weiß: „Ich habe natürlich irgendwie einen roten Faden, aber Du wirst bei keinem der Stücke eine zweite Strophe finden, die sich so wie die erste anhört. Es gibt immer etwas andere Töne, eine andere Melodieführung.“
Jeff Cascaro singt seine Songs nicht nur selbst, er schreibt und komponiert diese auch, was bereits seinen Erstling Soul of a Singer die Authentizität gab, die sich auf dem zweiten Album nun fortsetzt. Dass er selbst hinter den Reglern das Material arrangierte und auch ein wunderbar warmes Flügelhorn-Solo beisteuerte, ist nicht nur eine persönliche Zugabe, sondern das Fundament.
Bei Mother and Brother wurde Jeff wieder von seinen langjährigen Weggefährten Christian von Kaphengst unterstützt, der nicht nur als Produzent, sondern zugleich als Co-Autor und kreativer Mentor an seiner Seite aktiv war – wobei Cascaro selbst die eigentliche kreative Pferdestärke hinter dem erdigen, warmen Sound seines neuen Albums ist: „Du hast natürlich schon eine Idee davon, was Du machst“ versichert Jeff „Ich möchte es aber immer so halten, dass man auch spontan sein kann. Sonst entsteht schnell so ein Einheitsbrei, wie er häufig zu hören ist.“
Und so gleichen die 11 Songs eher einer Sommerfest-Gesellschaft unter freiem Himmel, treffen Soul, aber eben auch Pop, Jazz und Blues ganz selbstverständlich zusammen – zu einem Rendesvouz mit Cascaros so unwiderstehlich angerauter Stimme, die Mother and Brother ohne wenn und aber zu einem der großen musikalischen Highlights des laufenden Jahres macht.
Wie gute Freunde mischen sich auf Mother and Brother auch einige Coverversionen unter die Familie. Da ist John Paul Youngs unwiderstehlicher Disco-Klassiker ‚Love Is In The Air’, aber auch ‚Help The Poor’, B.B. Kings dringlicher Blues. Einen eigenen Zugang zu dem Genesis-Klassiker ‚Follow You, Follow Me’ zu finden, war eine große Herausforderung für Jeff Cascaro. Das Leben stellt uns Aufgaben, um an ihnen unsere Stärke zu zeigen. Jeff gelang eine Kerzenlicht-Ballade, in deren Hintergrund man geradezu den Kamin knistern hört: „Ich mochte das Stück zuerst nicht so sehr, es war schwierig, das in einen anderen Kontext zu bringen. Aber es wurde eines meiner Lieblingsstücke des Albums, weil es wirklich wahnsinnig gut geworden ist.“
Eine Einschätzung, die ohne Übertreibung auch für das gesamte Album gilt. Mehr noch: eigentlich ist Mother and Brother ein abendfüllender Film, der Jeff Cascaros Leben in der Vielfalt seiner Perspektiven zeigt und das Miteinander von Soul, Jazz und Pop in ein – in Deutschland bisher ungeahntes – Licht setzt. Mit seinen langsamen Slow Jams, den angenehm verzwickten, spielfreudigen Midtempos und schließlich hinreißend tanzbarem Material wird Mother and Brother besonders diejenigen in seinen Bann ziehen, die Musik sowieso als grenzenlose Sprache der Welt verstehen. Like Mother and Brother.
Wer könnte bessere Worte für diese Verbindung aus stimmlicher Melancholie, luftigen Pop-Nummern, warmherzigen Soul-Hymnen, sensiblen Jazz-Tunes und feurigen Discohymnen finden als Jeff Cascaro selbst, dieser unaufgeregte Soul-Star: „Ich will einfach ein normaler Typ sein, der seinen Soul macht!“
© Michael Ahrens (www.soultrainonline.de)
JOAN OSBORNE
She was featured in the 2002 documentary film, Standing in the Shadows of Motown, and toured with Motown sidemen the Funk Brothers. She and her band accompanied the Dixie Chicks for a national tour in the summer of 2003, during which time she also joined veteran San Francisco jam-rockers The Dead as a vocalist, and released her fourth album, titled How Sweet It Is, a collection of classic rock and soul covers.
During 2005 and 2006, Osborne performed on numerous occasions with Phil Lesh and Friends. In February 2007, she appeared on the Grand Ole Opry.
In May 2007, she issued Breakfast in Bed, a return to the soul music that she had covered on How Sweet It Is. Breakfast in Bed also featured the two songs ("Heatwave" and "What Becomes of the Brokenhearted") that she had covered for the film Standing in the Shadows of Motown.
She sang lead vocals on the cover of "Spoonful" on Vivian Campbell's solo album Two Sides Of If. She also provided some vocals for "Wayfaring Stranger" on Spearhead's 1997 album Chocolate Supa Highway. She covered Dolly Parton's "Do I Ever Cross Your Mind" on the 2003 tribute album Just Because I'm a Woman: Songs of Dolly Parton. She is featured on the Holmes Brothers 2007 collection State of Grace performing "Those Memories of You", an old Allan O'Bryant and Bill Monroe bluegrass tune.
Osborne's latest album, Little Wild One, was released in September 2008. Osborne performs as a guest vocalist on Sgt. Pepper Live, the 2009 album and DVD by Cheap Trick.
JOAN OSBORNE DRAWS ON WHITMAN AND GINSBERG FOR NEW ALBUM 'LITTLE WILD ONE,' DUE SEPT. 9th
In writing songs for her new album 'Little Wild One' (September 9th; Womanly Hips / Plum / Saguaro Road / Music Allies) Joan Osborne fell under the spell of two of New York's most beloved poets.
"The album's opening track, 'Hallelujah in the City', is a riff on the idea of the city as a spiritual place," says Osborne. "This idea comes up in Walt Whitman's and Alan Ginsberg's poetry, the concept that the shared bond of humanity of all the citizens, all their interactions, adds up to a unique environment of the soul.
The album marks the reunion Osborne with Rick Chertoff, Rob Hyman and Eric Bazilian, the writing producing team that worked with album on her debut, five-million selling breakthrough album 'Relish', which was nominated for six grammys.
Chertoff sets the scene, saying, "On album opener 'Hallelujah in the City,' Eric's mandola intro and Rob's hammond chord organ bring us immediately back into the modal world of 'Relish.' And Joan's vocal, from its very entrance, grabs you with a simple power and grace that speaks of faith and intimacy, where Brooklyn and Appalachia meet in earnest."
"Sweeter Than The Rest", the albums next track, actually takes a reference from the Whitman poem, "Crossing Brooklyn Ferry." Joan explains, "Sweeter was written about a man who no longer speaks to me but who continues to haunt my thoughts and dreams. The old Brooklyn ferry landing is now a park with a beautiful view of lower Manhattan, and this man and I went there one night after walking across the Brooklyn Bridge and climbing on its cables."
L'AME IMMORTELLE
Mit dem letzten Album, dem von John Rivers und Rhys Fulber (Paradise Lost, Delerium, Front Line Assembly) produzierten und im Herbst 2004 veröffentlichten „Gezeiten" (mit den Hit-Singles „5 Jahre", „Stumme Schreie" und „Fallen Angel"), schienen L'ÂME IMMORTELLE bereits die rockige Attitüde für sich als adäquates Ausdrucksmittel für die höchst expressiven Gefühlsausbrüche entdeckt zu haben, von denen die zutiefst emotional berührende Musik von L'ÂME IMMORTELLE immer gelebt hat. Das wurde noch leicht kokettierend bereits bei „Brennende Liebe" deutlich, der OOMPH!-Single, zu der Sonja den Gastgesang beisteuerte, aber auch erst kürzlich bei „Dein Herz", dem vor wenigen Wochen veröffentlichten Titelsong zum ambitionierten Edgar-Allan-Poe-Hörbuch-Projekt „Visionen".
Mit „Auf Deinen Schwingen" gehen Thomas und Sonja dennoch einen Schritt weiter.
Zwar rankt sich thematisch wieder alles um die Liebe, doch wird sie diesmal noch facettenreicher abgedeckt, flüstert Sehnsucht, seufzt Verlangen, wird zum Ventil für Enttäuschung, Verzweiflung und Wut (wunderbar bei „Du siehst mich nicht" auf den Punkt gebracht). Letztlich stoßen bei „Auf Deinen Schwingen" die emotionalen Gegensätze so stark aufeinander wie nie zuvor. Das ist vor allem dem ungemein komplexen Konzept zu verdanken, das sich während der Songwriting-Phase aus den gewohnt stark autobiographisch geprägten Texten von Thomas Rainer als eigenständige Geschichte entwickelte, die im weiteren Verlauf fast Romanform angenommen hat. Natürlich geht es wieder um einen Mann (dargestellt/gesungen von Thomas) und eine Frau (Sonjas Rolle). Um sich der schönen, aber verletzlichen Frau zu nähern, verfolgt der Mann das Objekt seiner Begierde, bis sie sich zunehmend bedrängt fühlt und sich die Situation immer mehr zuspitzt, je intensiver der Mann ihr nachstellt und an einer mathematischen Formel für ihr gemeinsames Glück bastelt. Wie das Drama in dem Stück „Der letzte Akt" endet, soll hier jedoch noch nicht verraten werden ...Für die optische Umsetzung der Geschichte von „Auf deinen Schwingen" zeigt sich einmal mehr Ingo Römling verantwortlich, der schon die Welten von „Gezeiten" auf eindrucksvolle Art und Weise zum Leben erweckte.
Um das breiter gefächerte Gefühlsspektrum entsprechend abwechslungsreich musikalisch umzusetzen, haben sich L'ÂME IMMORTELLE diesmal Hilfe von Johnny Lee Michaels (The 69 Eyes) geholt, der sich vorwiegend um die rockigen Elemente (Gitarren, Bass, Drums) gekümmert hat, während Thomas den elektronischen Part in Eigenregie realisierte, wie überhaupt die Band diesmal ungemein viel selbst in die Hand genommen hat und etliche Freunde ins eigene Studio in Wien einlud. Darüber hinaus sind die feinen wie aufwändigen Orchestrierungen in den Songs „Auf Deinen Schwingen", „Der Letzte Akt", „Sometimes Love Is Not Enough", „Last Will" und „Destiny" gemeinsam mit Paul Steinbauer, einem Wiener Komponisten und Arrangeur, entstanden. Produziert wurde „Auf Deinen Schwingen" in England und Finnland, größtenteils aber in Wien, wo es vom langjährigen Wegbegleiter und Live-Tontechniker der Band, Bernd Mazagg, auch gemischt wurde.
Der einfühlsame Titeltrack verführt mit schweren Streichern und Sonjas verzaubernder Stimme, bevor der Refrain im kraftvollen Duett mit Thomas und wuchtigen Rock-Gitarren gipfelt, während im Mittelteil sogar Platz für eine kleine Industrial-Kakophonie bleibt. Auch „Herzschlag" wird von Sonjas verträumten Vocals geprägt und kann sich souverän gegen die bald einsetzenden Gitarren-Riffs und akzentuiert krachenden Drums behaupten. Pochend elektronisch kommt schließlich „Du siehst mich nicht" daher, einer zwingenden Club-Nummer, bei der Thomas seinen Frust gegen mächtige Beats und satte E-Gitarren herausschreit. „Phönix" schließlich vereint einmal mehr die gesanglichen Gegensätze innerhalb des Duos ebenso wie die musikalischen Einflüsse aus Rock, Pop und Klassik zu einem extrem melodiösen Ohrwurm und dokumentiert dabei eindrucksvoll, dass Singles auch jenseits dieser Formatkonventionen ihre Berechtigung haben. Da Sonja und Thomas seit jeher aber zweisprachig gearbeitet haben, dürfen auf „Auf Deinen Schwingen" natürlich auch nicht ein paar englische Texte fehlen. Besonders eindrucksvoll ist dabei der mal von voluminösen, mal einsam zweifelnden Streichern getragene, etwas ruhigere Song „Sometimes Love Is Not Enough" gelungen, aber auch die eindringliche Rock-Nummer „Run Away", das sehr experimentell ausgefallene „Destiny" und vor allem die behutsam inszenierte, von Sonjas fast schon verzweifelt-verträumter Stimme getragene Ballade „Last Will" fügen sich wunderbar in das herrlich bunte Klangbild von „Auf Deinen Schwingen" ein, das tanzbare und stimmungsvolle Elektronik, organisch-warme Orchesterklänge und dynamisch-treibende Rock-Elemente gleichberechtigt nebeneinander stellt und die Songs auch abseits des detaillierten Konzepts für sich stehen lassen kann. „Wo komme ich her, wo gehe ich hin", fragen L'ÂME IMMORTELLE in dem elektronischen, fast balladesken Song „Wohin". Die Antwort kann nur lauten: Aus dem dunklen Gothic-Underground in populäre Chart-Regionen!
LARRY CARLTON
Larry Carlton's eigene musikalische Geschichte begann in Südkalifornien. Er holte sich seine erste Gitarre, wenn er nur sechs Jahre alt. Er wurde eingeführt, um Jazz in Junior High School nach Anhörung der Gerald Wilson Big Band Album Moment of Truth, mit Gitarrist Joe Pass. Larry dann interessierte sich Barney Kessel, Wes Montgornery und den legendären Blues-Gitarrist BB King. Saxophonist John Coltrane war auch einen großen Einfluss auf Carlton, beginnend mit Coltrane's 1962 klassische Balladen.
Im Jahre 1968 nahm er seine erste LP, With a Little Help from My Friends (UNI). Die begeisterte Reaktion der Industrie garnered ihm einen Platz unter den Jingle-Sänger Die Going Thing, Aufzeichnung der Kamera und Radio-Werbespots für Ford. Mid-Saison in seinem zweiten Jahr, er segued zu musikalischen Direktor für Frau Alphabet, eine Emmy-Nominierung für Kinder auf dem gleichen Netzwerk. Es war hier, dass Carlton zeigte seine Fähigkeiten handeln, darstellende wie die Show's Co-Star ", Larry Gitarre."
Fordert, begann zu erhöhen deutlich gewonnen Carlton als Auszeichnung für den unverwechselbaren und oft imitierten "süßen" Klang er mit seiner Gibson ES-335. Er brach auch neue Wege mit seiner neuen Marke Volumen Pedal Technik, beredt in seiner Leistung featured in Crusader Einer mit dem legendären Jazz / Rock-Gruppe die Kreuzfahrer im Jahr 1971. Joni Mitchell's Court and Spark Album, die erste Platte machte sie mit einer Rhythmusgruppe, zeigt seine unverwechselbare Technik - ein Stil Mitchell bezeichnet als "Fliegenfischen."
Während seiner Amtszeit mit The Crusaders (über 1976), Carlton, die in ihrer 13 Alben, die häufig einen Beitrag Material. In 1973, Carlton veröffentlicht sein zweites Solo-Projekt, SinginglPlaying, auf Blue Thumb Records treffend betitelt, da er nicht nur Gitarre spielte, sondern auch durch Gesang auf acht Spuren. Carlton's Nachfrage als Session-Player wurde jetzt in seinen Zenit war er ständig featured mit Stars aus allen nur denkbaren Genres, angefangen von Sammy Davis, Jr., und Herb Alpert zu Quincy Jones, Paul Anka, Michael Jackson, John Lennon, Jerry Garcia und Dolly Parton. Zur gleichen Zeit war er noch mehr Leistung als 50 Termine pro Jahr mit The Crusaders.
Bevor er Übergang zu einem vollständig Solo-Karriere, Carlton zu einem der größten Nachfrage-Studio-Musiker der vergangenen drei Jahrzehnte. Carlton's Katalog der Arbeiten umfasst Film-Soundtracks, Fernseh-Themen und die Arbeit auf mehr als 100 Gold-Alben.
Letztlich Carlton Skalierung zurück begann seine Sitzung Arbeit erheblich, während die weitere Durchführung und Aufzeichnung mit der Kreuzfahrer. Er verlagerte sein Gewicht auf die Herausforderungen der Vermittlung und der Erstellung, und baute sein eigenes Studio-Zimmer 335-in seinem Hause. Während dieser Zeit er arrangiert und produziert Projekte für Barbra Streisand, Joan Baez und Larry Gatlin, sowie die Produktion und Co-schriftlich das Thema der Hit Sitcom Who's The Boss und Co-schriftlich (mit Michel Columbier) und Vermittlung der gefeierte Film-Soundtrack für Odds gegen alle.
Als seine Zusammenarbeit mit der Kreuzritter begann zu ziehen, um eine enge, Carlton mit Warner Bros. Records im Jahr 1977. Zwischen'78 und'84, Larry aufgezeichnet sechs Solo-Alben für Warner Bros. Records: Mr. 335: Live In Japan, Freunde; achtmal Up; Sleep Walk; Strikes Twice; Larry Carlton. Letztere Selbst-Titel Album veröffentlicht wurde heiß auf den Fersen seines Debüt-Session mit Rock-Supergruppe Steely Dan. Rolling Stone Magazin Listen Carlton's leckere Aufstieg auf Steely Dan's Kid Charlemagne als einer der drei besten Gitarren-Licks in der Rockmusik.
Mit mehr als 3000 Studio-Sessions unter seiner Band durch den frühen 1980er Jahren, hatte Carlton Aufheben vier Grammy-Nominierungen. Zusätzlich zu gewinnen einen Grammy ( `81) für das Thema zu" Hill Street Blues "(eine Zusammenarbeit mit Mike Post), war er zudem habe NARAS" Most Valuable Player "für drei aufeinander folgende Jahre. NARAS dann ernannte ihn "Player Emeritus" und von ihm im Ruhestand Förderfähigkeit.
Im Jahr 1985 wurde er näherte sich von der neu formierten MCA Master Series zu erwägen ein akustisches Jazz-Album. Sein erstes Release für das neue Label war allein, aber nie allein, einen Konsens Nr. 1 Album auf den Radio & Records und Jazz-Billboard-Charts. Die zwölf Monate des Jahres 1987 brachte einige der größten Highlights in Carlton's Solo-Karriere. Neben der Gewinn des Grammy für "Minute by Minute," Carlton erhielt eine Grammy-Nominierung für "Best Jazz-Performance" für sein Live-Album Last Nite. Coming off der Erfolg von zwei akustischen Alben und ein Live-Album, Carlton war an einem heißen Streifen und in das Studio zu arbeiten in seinem nächsten Projekt, auf festem Boden. Das alles elektrisch Projekt wurde nominiert für einen Grammy in 1989. Die Freigabe auf festem Boden kamen fast ein Jahr nach Carlton war brutal erschossen in zufälliger Akt der Gewalt außerhalb seines Los Angeles-Studio.
Im Jahr 1990 erwarb GRP MCA Records und ihr Jazz-Künstler unter dem Pseudonym GRP. Unmittelbar, GRP ausgestellt Greatest Hits-Paket von Carlton Arbeiten MCA, genannt Collection. In 1991, Carlton eingegeben Studio die Aufzeichnung eines Blues-Album mit John Ferraro, Tastatur Mann Matt Rollings, Bassist Michael Rhodes und Harmonika-Spieler Terry McMillan. Unterbrochen von Etikett und dem Wunsch der Verbraucher nach einer anderen Jazz-Angebot, Carlton vorübergehend ad acta gelegt werden würde, was Renegade und Herren erfasst und freigegeben Samthandschuhen in'92. Ein Pop-orientierten Jazz Sammlung von lilting akustische Balladen und Beißen elektrische Workouts, das Album zum ersten Mal Carlton hatten sowohl akustische und elektrische Titel auf einer einzigen Solo-Projekt.
Zwischen Tourenwagen, Carlton wieder Arbeit auf dem bluesigen Renegade Herren. Angesichts der ursprünglich sechs Gleise auf Nashville (seine erste Mal, um in dieser Stadt), und Fügeverfahren wieder mit Michael Rhodes und Terry McMillan, plus Drummer Chris Layton (von Stevie Vaughan's Band Double Trouble) und Tastatur Assistenten Chuck Leavell, er vier Tracks, plus haben zusätzliche Produktion und das Mischen in der Blues-Rocker in der Zeit für eine Freilassung'93.
Carlton tourten ausgiebig in diesem Jahr und den nächsten mit Jazz superband Stanley Clark und Freunde (Stanley Clark, Larry Carlton, Billy Cobham, Deron Johnson und Najee). Das Quintett freigegeben Stanley Clark and Friends Live A t Die griechische in'94.
Larry & Lee, Carlton's 1995 Zusammenarbeit mit Gitarre große Lee Ritenour, garnered ihm seinen achten Grammy-Nominierung. Dies wurde gefolgt von dem Gift in'96 und Larry Carlton Collection Volume 2 in'97. Im selben Jahr, seine Virtuosität und den Ruf gesichert ihm einen Platz in der crumtopping preisgekrönten Warner Bros. Records' Gruppe Fourplay, als Mitglied Lee Ritenour links an der Spitze sein eigenes Label. Carlton verdoppelt den Spaß, indem Sie sich auf Wamer Jazz als Solo-Künstler in der gleichen Zeit. Seitdem hat er zwei Alben mit Fourplay: 4 in'98 und eine erfrischend andere Weihnachts-Album, Snowbound, im Oktober'99. 1999 brachte auch Larry Carlton seinem sehr eigenen Ort und Stelle in Hollywood's prestigeträchtigen Rockwalk. Am 3. Juni wurde er inducted zusammen mit Joe Satriani, Steve Vai und Jimmie Vaughn.
Das Jahr 2000 beginnt mit Carlton Putting seine hervorragende Fingerabdrücke einzeln in das neue Jahrtausend mit seinen star-studded Solo-Release auf Wamer Bros. Records, Fingerabdrücke. Absolut einzigartig, Larry Carlton hat einen Standard für das Künstlertum überspannt drei Jahrzehnte (und zwei Jahrhunderten) und er ist zweifellos die aus seiner Marke in Jazz, Blues, Pop und Rock für die absehbare Zukunft .....
Dies ist ein großer Bio geschrieben von Richard Skelly, All-Music Guide:
Larry war geboren am 2. März 1948 in Torance / Kalifornien!
Er zog aus LA zu Franklin / Tennessee vor ein paar Jahren und genießt das Leben in die Landschaft.
Wie so viele andere Los Angeles Studio-Musiker, Gitarrist und Komponist Larry Carlton war vor einer Wahl eine Reihe von Jahren zurück: ob zum Solo-und entwickeln Sie einen Namen für sich selbst unter seinem eigenen Namen oder die Fortsetzung der weniger riskant, mehr lukrative Existenz als eine Session-Gitarrist, was gutes Geld und Aufzeichnung mit prominenten Musikern. Zum Glück für die Fans dieser eklektischen Gitarrist, wählte er die ehemaligen und hat unter seinem eigenen Namen für Warner Bros., MCA Records und GRP Records seit 1978.
Carlton's Studio Gutschriften aus den 1970er Jahren und Anfang der 80er Jahre zählen Musiker und Gruppen wie Steely Dan, Joni Mitchell, Michael Jackson, Sammy Davis Jr., Herb Alpert, Quincy Jones, Bobby Bland, Dolly Parton, Linda Ronstadt und buchstäblich Dutzende von anderen. Zu seinen mehr bemerkenswerte Projekte als Session-Gitarrist waren Joni Mitchell's kritisch mit Beifall Court and Spark Album und Donald Fagen Nightfly's Album. Für einen Großteil der 1970er Jahre, Carlton aktiv war als Session-Gitarrist, Aufzeichnung auf bis zu 500 Alben pro Jahr. Obwohl er eine Reihe von LPs unter seinem eigenen Namen so früh wie 1968's mit ein wenig Hilfe von meinen Freunden (Uni), und 1973 ist Singen / Spielen, das er nicht ein großes Land-Label-Vertrag bis 1978, als er mit Warner Bros.
Carlton begann die Gitarre Unterricht, als er sechs war. Seine ersten professionellen Auftritt war an einem Supper Club in 1962. Nach Anhörung Joe Pass auf das Radio war er inspiriert zu spielen Jazz und Blues. Wes Montgomery und Barney Kessel wurden wichtige Einflüsse kurz nach entdeckte er die Jazz-Gitarre Stylings von Pass. BB King und anderen Blues-Gitarristen hatte einen Einfluss auf den Stil Carlton als gut. Er geschliffen seiner Gitarre-Spielen Fertigkeiten in den Clubs und Studios größerer Los Angeles. Er besuchte eine lokale Junior College und Long Beach State College für ein Jahr, bis der Vietnam-Krieg endete. Carlton tourte mit den Fifth Dimension im Jahr 1968 und begann tun Studio-Sessions im Jahr 1970. Seine frühen Arbeiten enthalten Session Studio Termine mit Pop-Musiker wie Vicki Carr, Andy Williams und der Partridge Family. Im Jahre 1971 wurde er gebeten, sich die Kreuzfahrer, kurz nachdem sie beschlossen hatte zu schrumpfen das Wort "Jazz''aus ihrem Namen, und er blieb mit der Gruppe bis 1976. Dazwischen Touren mit den Crusaders, er hat auch Studio-Session Arbeit für hunderte von Aufnahmen in jedem Genre. Aber es war, während er mit den Crusaders, dass er die hoch entwickelte rhythmische, oft bluesigen Stil hat er jetzt. Seine Credits umfassen, das auf mehr als 100 Gold-Alben. Sein Thema Musik Kredite für TV und Filmen zählen Against All Odds, Wer ist der Boss, und das Thema für Hill Street Blues. Letztere gewann einen Grammy Award in 1981 für die Beste Pop Instrumental Performance.
Carlton hat seine eigene, selbst titulierte Debüt für Warner Bros. im Jahre 1978, kurz nachdem er erkannt wurde für seine wegweisenden Gitarrenspiel auf Steely Dan's Royal Scam Album. (Carlton trugen die denkwürdige Gitarrensolo auf "Kid Charlemagne.'') Veröffentlichte er vier weitere Alben für Warner Bros., Streiks Zweimal (1980), Sleepwalk (1981), acht Mal Up (1982), und der Grammy-nominierte Friends ( 1983), bevor er ging von dem Etikett angegeben werden.
Er setzte Studio-Session Arbeit und tourt dazwischen, taucht im Jahr 1986 auf MCA Records mit einem All-Akustik-Album, Discovery, in dem sich ein Instrumental-Remake von Michael McDonald's Hit, "Minute von Minute." Die einzigen gewann einen Grammy Award für Best Pop Instrumental Performance in 1987. Carlton's Live-Album, Last Nite, erschienen im Jahr 1987, bekam er einen Grammy-Nominierung für die beste Jazz Instrumental Performance.
Während der Arbeit an seinem nächsten Album zu MCA, auf festem Boden, Carlton wurde das Opfer von Gewalt zufällige Pistole und wurde erschossen in der Kehle von Gun-Jugendlichen außerhalb ebenso großen Raum 335, seinem privaten Studio in der Nähe von Burbank, Kalifornien, USA. Die Kugel zerschmetterte seinen Gesangs-Kabel und verursacht erhebliche Nerv Trauma, sondern durch intensive Therapie und ein positives Bild des Geistes, Carlton abgeschlossen in Arbeit auf festem Boden im Jahr 1989. Carlton bildeten Innnocent Helping People (HIP), eine Non-Profit-Gruppe zur Hilfe für die Opfer von Gewalt zufällige Pistole.
Carlton's jüngsten Alben sind zwei Versionen im Jahr 1996 für GRP Records-, Schenkungs-und mit ein wenig Hilfe von meinen Freunden. Seine anderen Aufnahmen zählen 1990 die Erhebung, Verarbeitung und 1992 Kid's Handschuhe für das gleiche Label, Playing / Singing (1995, Edsel), Renegade und Gentleman, ein Release für 1993 GRP.
Trotz der Tragödie, wurde foisted auf ihn in den späten 80er Jahren, nachdem er erschossen wurde von Gun-ebenso großen Ungläubigen, ziehen ihn durch einen langen und dunklen Periode der Krankenhausaufenthalt und Rehabilitation, Carlton-Produktion im Laufe der Jahre wurde stetig durch den 1980er und 1990er Jahre. Carlton hat sich seine Tournee Zeitplan ein wenig, aber sicherlich nicht seine Aufnahme Zeitplan. Immer wieder gerne zu einem Treffen mit der Presse, Carlton hat einen süßen, friedlichen Persönlichkeit, und man kann sie hören, in seinem einzigartigen, rhythmische, warme Gitarre Akkorde und Klingeln Gitarre Töne.
- Richard Skelly, All-Music Guide
LIVINGSTON
Titel: „Sign Language“
VÖ: 25.09.2009
Mit ihren eigenwilligen, äußerst variablen und eindringlich intensiven Rocksongs gehört der Band Livingston die Zukunft des Alternative Rock. Und auch die Gegenwart, denn diverse Tourneen auf eigene Faust oder als Special Guest von so unterschiedlichen Künstlern wie The Duke Spirit, Revolverheld, Ich+Ich, Blind oder dem letzten DSDS-Abräumer Thomas Godoj haben dafür gesorgt, dass der Name Livingston unter deutschen Rockfans längst ein fester Begriff ist, der für Qualität, Kreativität und Emotionalität steht. Das alles geschah ganz ohne einen offiziell erhältlichen Tonträger der Band.
Was also ist so besonders an Livingston, die zielstrebig, unbeirrt, so ganz ohne Hype und Marketing-Millionen der Spitze entgegenstreben? Nun, diese Band ist echt und man spürt das Feuer, das in den Musikern brennt. Sie haben sich mit Haut und Haaren der Musik verschrieben, voll auf diese Karte gesetzt – und gewonnen. Der Einsatz war nicht gering, denn sie haben alles zurückgelassen und sind aus verschiedensten Richtungen in die Rock-Metropole London gepilgert, im Gepäck nur ihren großen Traum von der Musik. „Die Stadt ist ein musikalischer Schmelztiegel, sie pulsiert und vibriert, quasi überall liegt Musik in der Luft“, schwärmt Sänger Beukes Willemse.
Der so charismatische wie stimmgewaltige Sänger Beukes Willemse und der für Gitarre, Gesang und Keyboards zuständige Chris van Niekerk musizierten bereits in ihrer südafrikanischen Heimat zusammen. Chris ist in der Nähe von Pretoria aufgewachsen, während Beukes früher auf einer Farm außerhalb von Newcastle gelebt hat, etwa 250 Kilometer südöstlich von Pretoria. Mit der Gitarre durch die Bars zu tingeln, war auf Dauer nicht das, was sich die beiden unter einer Karriere als Musiker vorgestellt hatten, und so brach Beukes Ende der Neunziger nach London auf. Wenig später verscherbelte auch Chris sein Hab und Gut, sagte der Freundin Lebwohl und folgte seinem Soulbrother.
Nach diversen Jam-Sessions fanden die beiden im deutschen Gitarristen Jakob Nebel sowie dem italienischen Schlagzeuger Paolo Serafini zwei ähnlich musikbesessene Weggefährten. Im Gründungsjahr 2002 spielte der Däne Martin Arnoldi Bass, wurde 2005 aber vom Norweger Christoffer Borud ersetzt, der wiederum später den Platz für den Engländer Phil Magee räumte. Die perfekte Formation hatte sich gefunden, in jeder freien Minute wurde gejammt und „bei einer dieser Jam-Sessions hat es dann endgültig ‚klick’ gemacht“, wie Jakob erzählt. „Beukes und ich hatten danach Tränen in den Augen“. Das UK-Label Manta Ray Music nahm die Band im Oktober 2006 unter Vertrag und bald darauf sicherte sich in Deutschland Universal Music den ungeschliffenen Rock-Diamanten Livingston.
Mittlerweile wohnt nur noch Beukes in London, der Rest hat sich in den Berliner Bezirken Mitte und Prenzlauer Berg niedergelassen. Doch Wohnorte sind sekundär, Livingston sind überall dort zu Hause, wo die Sprache der Musik gesprochen wird. Untereinander verständigt man sich auf Englisch, aber für die wichtigen Dinge bedarf es keiner Worte. Symbole sind eine adäquatere Form des universellen Ausdrucks, was auch der Albumtitel „Sign Language“ (dt. „Zeichensprache“) verdeutlichen soll. „Die Sprache der Symbole begegnet uns im täglichen Leben überall“, erklärt Drummer Paolo. „Speziell für uns sind solche Symbole wichtig, da wir alle aus verschiedenen Kulturen kommen. Wir haben unterschiedliche Gedanken und Gefühle, wenn wir mit bestimmten Dingen konfrontiert werden.“
Der Name Livingston geht auf ein Buch zurück, wie Beukes erklärt. „Es ist von Richard Bach und heißt ‚Jonathan Livingston Seagull’“. In Deutschland besser bekannt unter dem Titel „Die Möwe Jonathan“. Beukes’ Vater hat ihm immer daraus vorgelesen, als er knapp sechs Jahre alt war, und seitdem begleitet ihn dieser Roman durchs Leben. „In dem Buch geht es darum, nicht wie jeder andere zu sein, sondern eine eigene Spur auf der Straße des Lebens zu hinterlassen. Keine Angst zu haben, wenn man sich dabei nicht an die allgemein gültigen Regeln hält. Den eigenen Traum zu leben.“
So vielfältig wie ihre Herkunftsländer sind auch die stilistischen Einflüsse, die jeder der fünf Musiker in den Bandsound mit einbringt, doch auf Bands wie Kings Of Leon, Coldplay, Muse oder die Foo Fighters können sie sich alle einigen. „Ich würde aus der Grunge-Ecke noch Pearl Jam und Live erwähnen“, ergänzt Jakob, um gleich darauf anzumerken, dass „es uns nie gekümmert hat, welche Band gerade angesagt ist, unser Sound hat sich ganz natürlich entwickelt. Die Einflüsse sind wieder eine Geschichte für sich, weil jeder von uns in seiner musikalischen Sozialisation einen anderen Weg gegangen ist. Das sind so viele Künstler, die da in unserem Schmelztiegel zusammenkommen.“
Das aus diesem Schmelztiegel geschöpfte Debütalbum der musikalischen Weltenbummler klingt schlichtweg atemberaubend. Da treffen große Gefühle auf mindestens genauso große Melodien, aus dem Kontrast von hell und dunkel entsteht eine ganz eigene musikalische Farbe. „In der Band ist die Balance recht ausgewogen, Glück und Traurigkeit haben gleichermaßen ihren Platz“, sagt Paolo. Die Musik ist sehr emotional, ohne jemals kitschig zu werden. „Tendenziell sind wir eher auf der traurigen Seite zu Hause“, räumt Beukes ein. „Ich würde es aber nicht traurig nennen, sondern tiefgehend.“ So verführerisch klang Melancholie jedenfalls selten.
„Disease“, eine recht harte, aber auch sonnige, beschwingt groovende Nummer, ist da ein leuchtendes Beispiel. Der Text ist ein nach innen gekehrter Blick auf sich selbst, wie Beukes erklärt. „In einem Menschen gibt es immer zwei Seiten, wobei die eine Seite nicht das gleiche will wie die andere. ‚I got this disease, it’s burning in me.’ Man muss sich dieses Konfliktes bewusst sein und die humane Seite nach Kräften unterstützen.“ Beukes, der alle Lyrics schreibt, betont, dass man bei ihm „keine vollkommen eindeutigen Aussagen“ finden wird. „Es ist nicht mein Ding, zu sagen, dies ist so und das ist so.“ Und so ist auch der Text bei der ersten Single „Broken“, einer ergreifenden, schwer melancholischen Hymne, absichtlich offen gehalten, „damit jeder eigene Verlust-Erfahrungen darin erkennen kann.“
„Go“, ein hymnischer Stampfer mit Hit-Potential, ist angelehnt an die Geschichte des Rattenfängers von Hameln. „Es ist eine Aufforderung, etwas mit seinem Leben anzufangen, nicht alles passiv geschehen zu lassen. Der Refrain thematisiert, wie wenig wir erst erreicht haben, was die Zukunftsgestaltung der menschlichen Rasse anbelangt.“ Auch die packende, eindringliche Nummer „Vula“ hat eine Botschaft. Hier singt Beukes in der Sprache Zulu, seit dem Ende der Apartheid eine der elf offiziellen Sprachen in Südafrika. „Ich bin auf einer Farm aufgewachsen“, erzählt Beukes. „Als kleiner Junge haben mir Kindermädchen Sprachunterricht gegeben. ‚Vula’, was „sich öffnen“ bedeutet, war das erste Wort, das ich gelernt habe. In Südafrika stehen die Berge als Metapher für die Barriere zwischen Arm und Reich. ‚Vula’ bedeutet, diese Trennung zu durchbrechen.“
Die musikalische Achterbahnfahrt „Silence“ bringt die Qualitäten von Livingston auf den Punkt. „Das ist einer unserer ältesten Songs“, erzählt Paolo. „Es ist eine Kombination der Elemente, die die einzelnen Musiker in unseren Sound einbringen.“ Das sieht auch Jakob so: „Bei ‚Silence’ ist das Konzept des kreativen Jammens erstmals so richtig aufgegangen, jeder hat Ideen eingebracht.“ Und da jeder die Elemente integriert, die ihm am Herzen liegen, findet man auf „Sign Language“ auch prägnante Tribal-Percussions afrikanischer Prägung, die mit den vielschichtigen Gitarrenriffs perfekt harmonieren. Im zuvor erwähnten „Disease“ und auch beim druckvollen „One Good Reason“ sind beispielsweise Dumbek oder Belly-Dance-Drums zu hören. „Wir sind absolut offen, was das Einbringen neuer Instrumente ins Studio oder auch in die Live-Situation anbetrifft“, bekräftigt Jakob. Den Livingston-Sound macht diese Offenheit noch origineller und unverwechselbarer.
Am Sound des Albums „Sign Language“ haben gleich sechs ungemein versierte Meister mitgewirkt. Bei drei Songs kümmerte sich das aus Ingo Politz und Bernd Wendlandt bestehende Team Valicon (u.a. Silbermond) in den Berliner Valicon Studios um den richtigen Klang. Roland Spremberg (A-Ha, Sugarplum Fairy u.v.m.) und Moritz Enders (Donots, Revolverheld) nahmen mit Livingston in den Hamburger Studios Clouds Hill and Boogie Park vier weitere Tracks auf. Clemens Matznick (Guano Apes, Donots) justierte bei zwei Stücken die Regler in Berlin (Hansa Studio und White Studio) auf die perfekte Position und der in den USA lebende Engländer Al Clay (u.a. Pink, Therapy?) produzierte drei Nummern im SteakHouse Studio in Los Angeles sowie in den Sonic Ranch Studios im texanischen El Paso. Für den knackigen Mix (Hansa Studio Berlin) zeichnete schließlich Michael Ilbert verantwortlich, der sein Können bereits für The Hives oder Beatsteaks unter Beweis gestellt hat.
Wie fantastisch das Resultat dieser Arbeit ausgefallen ist, wird die Welt ab dem 25.09.2009 erfahren, wenn das Livingston-Debütalbum „Sign Language“ erscheinen wird.
LOSTALONE
Der Würfel ist in der Luft und kann auf jede Seite fallen.
2000 Jahre später werden die Würfel wieder geworfen – dieses Mal für ein Trio aus Derby / UK, das mit „Say No To The World“ sehr viel wagt aber alles zu gewinnen scheint!
Ohne große Plattenfirma im Rücken erobern sie gleichermaßen Herzen von Fans und Medien auf der ganzen Welt... dank ihrer Promotionsingles „Blood Is Sharp“ und „Unleash The Sands Of All Time“ erhielten sie Einladungen zu Bruce Dickinsons Kultsendung auf BBC1, in Deutschland unterstützen MTV und Motor TV sowie zahlreiche Radiosender die Band.
LostAlone touren in ganz Europa, ob alleine oder im Package der „Taste of Chaos Tour“ oder auch im Rahmen von „Give it a name“. Territoriale und musikalische Grenzen werden ignoriert – das Debut der Combo „Say No To The World“ hat die Indie- / Alternative – Landschaft gehörig durchgeschüttelt, um dieses Genre mit weiteren Facetten zu schmücken.
LostAlone begeben sich auf große musikalische Reise in jedem einzelnen Track und schaffen eine beeindruckende Mischung zwischen britischen Hype Größen á la Franz Ferdinand, ohne übertriebene Selbstüberzeugung, Emo, ohne Pathos, und Punkrock, ohne zu simpel zu wirken. Im Gesamten ist es eine Songkonzeption, bei der man mitsingen, mitfühlen oder einfach nur mitrocken kann. Dieser Balanceakt lässt sie immer wieder an die Grenzen der Popmusik stoßen.
Auch wenn die drei Musiker als Underdogs in den konservativen Midlands sich im Alltag mit allerlei Widrigkeiten rumärgern müssen, verlieren sich die Texte (Thoughts go into my head and from here on they walk alone) nie in einer platten Outlaw Semantik, sondern versuchen auch die positiven Seiten des Lebens zu beleuchten. So entsprang auch der Bandname Stevens Idee vom Leben:
„Enjoy the intimate quiet of the day, beside all the chaotic atmosphere around you!“
Neben den Singles sollte auch das fantastische „Lost Alone“ sowie das epische „Standing on the ruins of a great empire“ Erwähnung finden – ein Song, der beweist, welchen Instinkt das Trio für große Emotionen und brachialen Rock hat.
Ungewohnt ist auch die Bescheidenheit, die die drei Briten an den Tag legen. Sänger, Songwriter und Vollblut-Performer Steven Batelle sagte kurz vor der ersten Deutschland-Tour in einem Interview zum Thema Erfolg:
„Wenn heute, auf unserer ersten Tour durch Deutschland, nur zwei Leute zu unserem Konzert kommen und es ihnen gefällt, bedeutet uns das schon verdammt viel!"
Nicht das Gegenteil, sondern viel größere Zustimmung war der Fall. Nicht zuletzt auch dadurch das My Chemical Romance LostAlone für sich entdeckt haben und bei ihrer Europa Tour im April 2007 bei einigen Dates dabei hatten. Die Reaktionen waren euphorisch.
Wie sich „Say No To The World“ live anhört zeigten LostAlone dieses Jahr auf allen wichtigen europäischen Festivals wie dem Rock am Ring und Rock im Park, Download Festival, T in the Park, dem Taubertal. dem Carling Festival in Leeds und Reading.
Weiter geht’s in Deutschland im Nov und Dez 2007 mit einer Clubtour!
LOVEX
LOVEX das ist: Rock, Gothic und auch eine Prise Metal. Wer die Einflüsse auf das 2001 gegründete Sextett aus Tampere liest, versteht die stilistische Bandbreite ihrer Musik. Von Alice Cooper, Mötley Crüe und den Backyard Babies über Metallica, Nirvana, System Of A Down und Incubus bis zu Sentenced, Nickelback und Nightwish. LOVEX interpretieren den Rock in seiner ganzen Vielfalt.
Ihr Debütalbum „Divine Insanity“ hat in Finnland Goldstatus erreicht und blieb dort für unglaubliche 19 Wochen in den offiziellen Album Charts. In Deutschland schafften es die smarten Finnen aus dem Stand in die Top 20 der Albumcharts. Ihre erste Single „Guardian Angel“ schaffte es auf Anhieb auf Platz 21 der deutschen Singlecharts.
Nun steht das neue Studioalbum „Pretend Or Surrender“ in den Startlöchern, das hierzulande am 2. Mai erscheint. Auch dieses Album ist melodisch und emotionsgeladen, aber heavier und aggressiver als der Vorgänger. Der Opener "Take A Shot" steckt voller frischer Energie und trägt die Züge der 80er in das neue Jahrtausend.
„Take A Shot“ wird auch die erste Single des Albums sein und am 25.04. in Deutschland erscheinen – passend dazu werden Lovex in Berlin im Rahmen der „Helsinki in Berlin“ Woche am 24.04. im Columbia Club ihre Livequalitäten einmal mehr unter Beweis stellen.
MOLLY HATCHET
Their self-titled debut album which included Danny Joe Brown, Dave Hlubek, Duane Roland, Steve Holland, Banner Thomas and Bruce Crump in the lineup was released on Epic records in 1978 and reached multi-platinum status as the band established their reputation of working hard, playing tough and living fast through intense touring with such bands as Aerosmith, Bob Seger, The Rolling Stones and many more. In 1979, Flirtin' With Disaster was released and history was in the making. The band continued touring on the road with an average of 250 live shows per year and like the first album it also achieved multi-platinum status. Lead singer, Danny Joe Brown left the band in 1980 and contacted Bobby Ingram, a Jacksonville based guitarist and friend, who gave brown his first singing gig in 1975 with a Jacksonville based band called Rum Creek. Brown and Ingram then put together with keyboardist John Galvin the Danny Joe Brown Band and continued touring until 1982. The album was produced by Glyn Johns at Compass Point Studios in the Bahamas as he has worked with legendary artist The Rolling Stones, The Beatles, The Who, The Eagles and many more.
During this time, Beatin' The Odds (1980) and Take No Prisoners (1981) was released with singer Jimmy Farrar. Brown returned to record No Guts ... No Glory (1983), The Deed Is Done (1984) and Double Trouble Live (1985).In the fall of 1985, Bobby Ingram of Jacksonville came into the band as lead guitar and songwriter and the band continued to tour over 200 dates a year and in 1989 record Lightning Strikes Twice for capitol records.
In 1990, while Ingram, Galvin and Brown continued the tradition as Molly Hatchet the tough touring schedule lead to the other members departure from the band. The Greatest Hits album was released in 1991 and certified gold. The band from 1990 until 1995 took a break from recording but continued to write new songs and tour in the United States, Canada and Europe. Devil's Canyon, the first studio album in 6 years was then recorded in Hamburg, Germany in 1996 under the care and guidance of Rainer Hansel, CBH Records. With producers Kalle Trapp and Bobby Ingram the album was voted the number one rock record in Europe for 1996. With a history of diabetes, brown was unable to fulfill studio and touring responsibilities and he brought in Phil McCormack to take over the lead vocal position. Long time member Bobby Ingram - lead guitar, Phil McCormack - lead vocals, John Galvin - keyboards, Bryan Bassett - lead guitar, Andy McKinney - bass, Mac Crawford - drums, make up the current lineup.
From the release of Devil's Cannon and the world wide touring coordinated by Steve Green, Artists International Management, the band has continued performing the classic hits such as "Flirtin' With Disaster, "Gator Country," "Whiskey Man" and "Dreams I'll Never Dee," as well as, the current hits in the true spirit and southern tradition of Molly Hatchet. The 1998 release of Silent Reign Of Heroes was recorded back in Hamburg, Germany with producer/guitarist Bobby Ingram and is kept in the same spirit and tradition as the past with new hit songs "Mississippi Moon Dog," "Saddle Tramp," "Miss Saturday Night" and the title track "Silent Reign Of Heroes". Included on the album is an acoustic version of the classic hit "Fall Of The Peacemakers". The band is currently on an extensive 18 month world tour in support of the new release "Kingdom of XII" where guest artist Charlie Daniels appeared on 2 tracks the album charted in Europe and had much success.
In 2003 the band is celebrating it's 25th anniversary of the first national or international release with first a double Live album "Locked and Loaded" recorded in Germany as they consider this their home away from home and it is the first time in 7 years that a Live album has made the European Charts and SPV GmbH is still there beloved record company with Rainer Hansel and Manfred Schutz. The band has plans on touring in support of the 25th anniversary and will release a new studio album of all of the classic songs re-recorded in this generation of the band with Artists International Management, Inc. as their agency. And Locked and Loaded a double CD that was recorded in Germany at the International Harley Davidson Festival in front of 80,000 Southern rockers that has now been captured on DVD and being released fall of 2005. After 4.5 years of touring and tracking outside of the studio on their own material it was time to release an album that in the bands tradition go back to the roots of straight forward southern rock and roll that's unequaled of anything the band has recorded before in the 25 year legacy. The album "Warriors of the Rainbow Bridge" recorded in the mountain tops of Bavaria was the perfect setting for such a comprehensive project. As we live day by day no one knew that Bobby Ingram would suffer the lose of his wife Stephanie during the tracking of the album and finish after a delay. Stephanie was the seventh member of Molly Hatchet and she did many things behind the scenes that no one ever saw and she was never the person that would ever want anything in return. The Southern Rock community has lost a great person that she gave all and loved Molly Hatchet and the friends she made along the way. If that was the first emotional heartbreak, Danny Joe Brown the singer for Molly Hatchet passed away from complications of diabetes he had suffered with for many years and he gave so much to the rock and roll industry and music around the world all of our heartfelt condolences and prayers go out to his family and children and he also will never be forgotten. In 2006, Duane Roland, guitarist of the band passed away and also left a legacy that will never be forgotten. We will all miss him and his music lives on. In 2005, Dave Hlubek, a founding member after playing in various bands around the United States has returned to Molly Hatchet after 20 years. Everyone was glad to see Dave having a good time and doing what he does best...the tradition lives on!!
So as we enter the next 25 years of music Molly Hatchet supports tradition that keeps developing the common bond and unity that keeps this style of music alive and well and rest assured Molly Hatchet is a band that after 28 years is always workin' hard, playin' tough, livin' fast, and still Flirtin' with Disaster!!!
MUSTASCH
Mustasch (VÖ: 8.1.)
Nuclear Blast (12 Songs / 43:41 Min.)
Ozzy, Iommi und die nachhaltigen Folgen: Als seinerzeit Black Sabbath in irgendeinem feuchten Kellerraum der englischen West Midlands erstmals ihre düsteren Botschaften in alle Welt hinausposaunten – man schrieb das Jahr 1969 – konnte wohl kaum jemand die fabelhaften Taten der schwedischen Band Mustasch im Januar 2010 vorausahnen: Satte vier Dekaden später hat sich nämlich eine völlig neue Generation passionierter Dunkelheitsanbeter dem Erbe von „Double O & Co.“ angenommen und dieses Genre zur Unsterblichkeit geführt. Nun mag Doom Metal generell zwar geschichtshistorisch und rein zahlenmäßig in die Jahre gekommen sein, doch sein Ruf, sein Ausdruck, die Attitüde sowie die Glaubwürdigkeit sind frischer, vitaler und hipper als jemals zuvor. Candlemass und Saint Vitus galten lange Zeit als wichtigste und legitime Nachlassverwalter – sofern man bei Black Sabbath überhaupt schon von Nachlass sprechen kann – Grand Magus posaunen ebenso ins gleiche Horn wie Count Raven oder Cathedral. Und eben auch die seit gut zehn Jahren regelmäßig hochgelobten Mustasch, die mit ihrem selbstbetitelten aktuellen Werk ihrer bisherigen Karriere die Krone aufsetzen. Und dies, obwohl das Album MUSTASCH sicherlich keine leichte Geburt war. Denn es hat kräftig gerappelt im Karton, hinter den Kulissen, sprich: im Lager der skandinavischen Band. Die Gründe? Kopf und Frontmann Ralf Gyllenhammar, durchaus bekannt als eigenwilliger Sturkopf, will fortan keine Kompromisse mehr machen – wer will das schon? – und nimmt dafür sogar in Kauf, dass zwei seiner Musiker die Gruppe verlassen haben. Zusammen mit Original-Bassist Mats Johansson hat er sein Gespann nun neu aufgezäumt und gibt sich auf dem aktuellen Album wild entschlossen. Ehrlich gesagt: Die ganz großen Veränderungen in puncto Konsequenz und Unbeugsamkeit kann man als Außenstehender nicht ausmachen, was aber sicherlich auch daran liegt, dass bereits ihre frühen Scheiben POWERHOUSE (2005), RATSAFARI (2003) und ABOVE ALL (2002) nicht von schlechten Eltern waren. MUSTASCH jedenfalls setzt konsequent auf die „Doom/Stoner Metal meets Hard Rock“-Karte, klingt manchmal wie Monster Magnet, dann wie Black Sabbath zu ‘Paranoid’-Zeiten und erfreut sich einer gleichbleibend hohen Dynamik. Die Songs der Scheibe sind allesamt dramatisch orchestriert, mit sakralen Orgelklängen und himmlischen Streichern unterlegt. Dazu kommen der pathetische Gesang und kompositorische Parameter, die dem legendären Doom-Klassiker ‘War Pigs’ erstaunlich nahe sind. Ob nun der neue Sologitarrist David Johannesson entwaffnend frische Impulse gibt, ob die Drums dank des aktuellen Trommlers Danne McKenzie noch energetischer daherkommen? Schwer zu sagen. Fakt ist: Es sind die fabelhaften Songs dieser Band, die zu begeistern wissen. Das war auf dem direkten Vorgänger LATEST VERSION OF THE TRUTH (2007) so und ist auf MUSTASCH nicht anders – diese Band rockt wie die Hölle! Warum also, so fragt sich der interessierte Bewunderer zu Recht, musste der ganze Budenzauber hinter den Kulissen überhaupt sein?
Matthias Mineur, #1 SOUNDCHECK METAL HAMMER (D)
Mustasch
Nuclear Blast/Warner - Stil: Hardrock
Nach einem kurzen Intro gehen MUSTASCH voll in ‘Hersey Blasphemy’ über. Ich glotze wie ein Ochs vorm Berg... Shit, was ist denn das? Heavy ja, aber auch nervig. Das sind nicht die MUSTASCH, die ich kenne. Moderne Tieftöner-Riffs, nerviger Takt... ups, wenn das so weitergeht, ist das ein Schuß ins Bein. Glücklicherweise nicht! Die weiteren Songs haben nicht viel mit dem ersten Stück gemeinsam. Die Jungs sind etwas zurück zu ihren Wurzeln gegangen und kommen nach dem mißlungenen Opener souverän in die Gänge. Fette Tieftöner-Riffs, mächtige Rhythmen und tolle Melodien ergänzen sich auf dem selbstbetitelten Album bestens. Und Stücke wie ‘Damn It’s Dark’ oder das wuchtige ‘The Man, The Miythm, The Wreck’ sind feinster Bangerstoff, ‘Deep In The Woods’ gar ein Monstertrack mit Hitpotential. Was für ein Groove! Ralf Gyllenhammar singt mächtig geil, ein wichtiger Aspekt im MUSTASCH-Sound. Die Jungs klingen auf ihrem neuen Album jedenfalls alles andere als einfallslos, was in diesem Genre ja schnell passieren kann. Ein gepflegtes Hardrock-Album mit diversen Stoner-Elementen und vielen mächtigen Riffs und satten Melodien. Äußerst gefällig.
Jürgen Tschamler (9 Punkte), Heavy (D)
Having been rocking hard in a haze of smoke since 1998, Mustasch have undergone some personnel changes and emerge stronger than ever on their new label Nuclear Blast. The heaviest album of the band`s career to date, this self-titled effort is a driving, powerful beast that sees vocalist and bandleader Ralf Gyllenhammar on fine form and taking Mustasch down a road that`s the border between hard rock and metal. With European tour dates planned for early 2010, fans of Gluecifer and Motörhead should get growing their top lip fuzz and prepare for the `Tasch to bring the noise.
John Damon / BIG CHEESE (UK), 4 out of 5 stars
"Mein erstes Top Ten-Album 2010 erscheint bereits im Januar!"
Matthias Weckmann / METAL HAMMER (D)
"Nach einem Besetzungswechsel hat Bandleader Ralf Gyllenhammar endlich die perfekte Konstellation für MUSTASCH gefunden, welche seiner diktatorischen Herrschaft nicht mehr im Wege steht."
9/10 Punkten, SLAM (A)
"Vollgas-Rock mit mächtigen Riffs der Tony-Iommi-Schule und großartigem Gesang, wie ihn Ian Astbury schon lange nicht mehr hinbekommt. Schwedens beste Rock-Band!"
Marcus Schleutermann / rockinvasion TV (D)
"Heavy stoner songs, that's what the gallery of the self titled Mustasch album has to offer. Still with catchy and groovy riffs, the recipe remains the same... and it works!"
L. Michelland / METALLIAN (F)
Still raw rockin’ , stompin’ and steaming, but this time with more melody and melancholy, from dragging and minimal, to bombastic and energetic, but above all with a keen eye for the arrangements of instruments and vocals. When you think they kind of reached the top in their musical street, they just broaden the musical view and get even better.
Cor / LORDS OF METAL (NL)
MY BABY WANTS TO EAT YOUR PUSSY
Neben ihrer neu entdeckten Leidenschaft umfangreiche Alben aufzunehmen, lassen BWTEYP ihre Konzerte weiterhin so gekonnt in großes Entertainment ausarten, dass nur die wenigsten Besucher ohne tiefgehend und bleibend positiven Eindruck nach Hause gehen. Die sechs Kreativlinge, die sich 2004 um die neue Mannheimer Pop-Schule gründeten, blickten nicht umsonst schon unüblicherweise vor offizieller lbumveröffentlichung von der Alternastage bei Rock Am Ring 2007 oder auf dem es Eurockéennes Festival in Frankreich in mehrere Tausend glückliche Gesichter. Das mag einerseits an der spektakulären und vielseitigen Musik und ihrer Art der Darbietung liegen. Hinzu kommen zudem die grotesk individuellen Figuren, die sie auf der Bühne darstellen. Diese prallen mit all ihrem Talent dermaßen konträr und ungebremst aufeinander, dass sie fusionieren und auf ihren Konzerten eine artistische Zeitgeist-Freakshow erfinden. Sie schaffen ein obskures und sonderbar charismatisches Gemälde, welches Humor und Tragik, Technik und Trash, Popkultur und Rock ‚n' Roll übermittelt!
Radikal romantisch bis kratzig rau, beatle-esk poppig bis glamrockig verzaubern MY BABY WANTS TO EAT YOUR PUSSY auf wahrlich unkonventionelle Art und Weise. Um ihr Genre kann man nur herumreden. Die Band nutzt alles was die Besetzung (voc-male, voc-fem, b, dr, g, keys) hergibt. Es scheint, als würde jeder Zuschauer und -hörer seine eigenen Assoziationen für sich herauslesen und entdecken. Die Meisten einigen sich auf Namen von musikgeschichtlichen Chamäleons wie David Bowie, Queen und Supertramp oder System Of A Down und die Red Hot Chili Peppers. MBWTEYP's Anhängerschaft ist in Alter und Szeneherkunft so breit gefächert wie das Publikum eines Musicals oder eines Zirkus. Eine Vorliebe für Kreativität und Individualität haben sie allerdings alle gemeinsam.
Wenn Bands auf ihren Webseiten von „Mediaworld" sprechen, erwartet man für gewöhnlich Hörbeispiele, Music-Clips oder ein paar Live-Videos. Wenn MBWTEYP von ihrer Pussy Media World sprechen, meinen sie damit eine zweite Website auf welcher mehrere Stunden Video-, Audio-, Text- und Bildmaterial in Form von TV- und Radiosendern und einem eigenen Magazin zu finden sind. Das besondere daran ist, dass von vorne bis hinten, jeder Radiojingle, jeder Videoschnitt und jede Hackfleischanimation eigenhändig von MBWTEYP produziert ist. Das ganze in einer Qualität, die das meiste, was sich momentan Online-TV oder -Radio nennt in den Schatten stellt. Remixe, Solosongs, Music-Clips für andere Bands, die verschiedensten Gäste, Kurzfilme, Hörspiele ... es erscheint wie ein unerschöpflicher Quell an Ideen. Eine Kreativfabrik und Kunstwerkstatt, die in seiner Gesamtheit (wie alles um MBWTEYP) irgendwo zwischen Pop und Avantgarde schwirrt und mehr als einen Blick wert ist!
Sie spielen ... sie täuschen ... sie verwirren ... sie geben viel, erlauben sich dafür aber auch eine Menge, was bei ihrem Namen anfängt. Von einem Act mit Ecken und Kanten kann man hier nicht mehr sprechen. Ihr Mut in allen möglichen Bereichen größenwahnsinnig, an- und ungreifbar zu sein, wirkt schon fast wie ein roter Faden.
Albumveröffentlichung
Ignorance & Vision
Mai 2008
(Ass Hammer Records)
NEGATIVE
“Won’t Let Go” is the first single from the new album, showcasing the band’s natural progress: there are fresh elements in the mix, but the song still sounds like Negative. The album was produced by Mikko Karmila who has previously worked with Finnish heavyweights Nightwish and Children Of Bodom. The album will be released in Europe on September 5th.
Before the studio sessions for Karma Killer started, Negative parted ways with its longtime guitar player, Sir Christus. Negative will continue as a five-piece with their friend Gary handling the duties of a live guitarist. “I’ve known the guys for about seven years, played at the same gigs with them with my own band etc., so when Negative was in need of a guitar player, Antti (NGT’s bass player) asked me to come up and try out with them, as they thought that I could fit into the band pretty nicely. Everything’s gone well so far, the mood inside the band is great and it just feel natural”, says Gary.
NIGHTWISH
"Das schlichtweg härteste und interessanteste Album, das sie je aufnahmen. Es bietet so viel mehr als das Gothic Metal Geträller, das Nightwish so oft unterstellt wird. Sie haben sich mit Leichtigkeit blitzschnell an die Spitze des kompletten Genres gesetzt." KERRANG UK - James Hoare
Als ein Mädchen in Lederhosen und vier Typen, die aussahen als kämen sie direkt von der High-School, bei der legendären Rock Venue Lepakko in Helsinki, Finnland spielten, konnte noch niemand davon ausgehen, dass sie eines Tages Mammuttourneen spielen und zur erfolgreichsten finnischen Band mit siebenstelligen Verkaufszahlen avancieren würden. Seit ihrem Debütalbum „Angels Fall First" wuchs Nightwish beständig und entwickelte sich immer weiter. Die jugendliche Bewunderung ihrer Lieblingsbands war bei den ersten Aufnahmen offensichtlich, aber mit den Jahren und mit steigender Reife bahnten sie sich einen unaufhaltsamen Weg, indem sie ihr eigenes Ding durchzogen und sich somit einen großen Namen machten.
Die letzten Fesseln der Kategorisierung sprengten sie mit ihrem vierten Album „Century Child", mit dem sie sich von den typischen melodischen Power Metal Charakteristika entfernten. Somit wurden sie zu einer viel versprechenden Band, die langsam ihren eigenen Sound zu finden schien und nun zu etwas ganz Großem heranwuchs. Der Einsatz von Orchestern und Chören war auf diesem Album ohne jeglichen Zweifel überwältigend und mehr als passend zu dem epischen Charakter, zu dem sich Nightwish stets hingezogen fühlte. Dies war aber lediglich der Anfang zu dem was folgen sollte:
„Once" von 2004 überzeugte auch die letzten Skeptiker und wurde am Tag der Veröffentlichung in Finnland, später auch in Deutschland, mit Platin ausgezeichnet. In Österreich, Schweden, Norwegen und in der Schweiz erreichten sie Goldstatus und man nahm die Hürde 1 Millionen Platten weltweit zu verkaufen. Nun kannte wirklich jeder die Band, sogar der finnische Premierminister bekannte sich offen als Nightwish-Fan!
Die erste "Ära" der Band ging mit einem offenen Brief zu Ende, in welchem die Bandmitglieder ihre fantastische Opernsängerin und Frontfrau Tarja Turunen feuerten. Sollte dies das Ende von Nightwish sein? Zu diesem Zeitpunkt wusste das niemand so genau. Man bezog Stellung und ein wahrer Medienrummel setzte sich in Gang. Unzählige Seiten in finnischen Magazinen widmeten sich ausschließlich diesem Thema, aber alles was gesagt werden sollte war bereits bekannt.
Allmählich verstummten die Unruhen und Tuomas zog sich zurück um an der Zukunft zu arbeiten. Und nun? Wasser ist das Element, das Gefühle repräsentiert. Also, zollen wir unseren Tribut indem wir auf düsteren Gewässern weitersegeln. Die Musik von „Dark Passion Play" beschwört, in Verbindung mit den Texten, eine in diesem Ausmaß noch nie da gewesene, nachdenkliche Atmosphäre herauf.
Fabeln und ihre Abbilder haben schon immer einen freieren Blick in die Gedanken ihres Schöpfers, in diesem Falle Tuomas Holopainen, zugelassen. Die vergangenen Jahre und die Zwischenfälle, die zum heutigen Tage geführt haben, beeinflussten dieses Album natürlich enorm, da sich Tuomas bekanntlich am besten durch seine Musik ausdrücken kann. Und eben diese Musik ist voller Emotionen, manchmal versteckter, ein anderes Mal erschreckend offen. Und ich wage zu sagen, dass genau dieser Umstand Nightwish zu einer solch populären Band macht. Ausgezeichnete Musik hört man nicht nur, man fühlt und erfährt sie. Gefühlvolle Musik für gefühlvolle Hörer, wenn man so will.
Dieses sechste Album stellt einen Scheideweg dar, der Vergangenes von Künftigem trennt. Und das tut es selbstbewusst. Man kann gar das Vertrauen seines Komponisten raushören, das Vertrauen in eine neue Ära, ohne dabei jemals zurück zu blicken, sondern unerschrocken dem Herz zu folgen. Und einmal mehr scheint kein Anzeichen des Kompromisses durch, die musikalische Unschuld ist in diesen Klängen stets präsent. Neben einer Fülle an Emotionen ist der Longplayer vielfältiger denn je, hat eine leicht ethnische Würze und ist so verdammt bombastisch wie nur möglich. Die himmlische Stimme von Anette Olzon zieht sich heiter und kraftvoll, sogar variantenreicher als die ihrer Vorgängerin, durch das Album. Nightwish's Musik hat ihre Stimme wirklich verdient.
Nebst der Tatsache, dass dieses leidenschaftliche Werk wirklich heavy ist und eine dunkle Atmosphäre schafft, schwingt dennoch ein optimistischer Unterton mit, der uns lehrt, dass es selbst in trostlosesten Zeiten immer Hoffnung gibt. Der Sound nach Nightwishs Wiedergeburt ist stärker und unbeugsamer denn je.
OK GO
produced by Dave Fridmann
bio by Ira Glass
Okay, let’s just get this part out of the way. Most people know OK Go from their videos, especially those treadmills. Any video that’s well enough known to be parodied on The Simpsons is a cultural force in itself and, checking the YouTube rating right before sitting down to write this, I was amazed to see that the number of views on the band’s YouTube page alone now stands at 47,788,229. That’s a lot. That many people and a brother who’s the Governor of Florida is pretty much enough to win you a presidential election. Add the zillions who've seen it elsewhere, and you might not even need the brother.
So if you’re reading these words, you’ve probably seen that video. I find even more endearing the video dance to “A Million Ways” that hundreds of amateur foursomes – kids and adults and church groups and school groups – have imitated in what certainly must be the world’s first international YouTube dance contest. If you haven't had the pleasure, Google it right now and prepare to lose two hours of your life.
But I am here to say that OK Go is more than those videos. The band’s frontman Damian Kulash sometimes makes big declarations like “We're trying to be a DIY band in a post-major label world” or “Our whole bag is having good ideas and making cool shit.”
I find that convincing.
Some of the other cool shit they’ve made lately: a record accompanied only by trombones, a play, an essay in the best-selling collection Things I’ve Learned From Women Who Dumped Me, op-eds in the New York Times and Huffington Post. They’ve testified before Congress and played in the Senate chambers. I repeat: they played music in the chambers of the United States Senate. They’ve been commentators on All Things Considered. They interviewed a member of N’Sync in the bathroom of Radio City Music Hall. They have a project where they walk the streets with fans handing out burritos to the homeless. They raised most of the money to buy a house for soul legend Al Johnson, so he could move home to New Orleans after Hurricane Katrina.
All these extracurriculars make a great story, and this is the story that gets the space in The Wall Street Journal and USA Today: OK Go is the polymath band who – with only five bucks and a camcorder – did what none of the giant record labels could, inventing a new way for a band to connect with fans and changing the way people think about music and the Internet. Great story, though it overlooks the most important thing about the band: its music. What makes OK Go great is that they write and perform great songs.
With this new record they seem determined not to let us forget it. Of the Blue Colour of the Sky is adventurously, emphatically musical – intricate, emotional, completely self-assured while it stakes out new musical territory. The ear-worm catchiness of their earlier records is still there, but the writing is more focused and sure-footed and the guitar sound broader and more dimensional.
The album’s named after an 1876 book about the healing power of blue light (is it necessary to point out here that blue light has no such power?) and the lyrics are mostly about brave attempts at hope in the face of hopeless situations, which makes it fantastically upbeat and also very sad. The album’s last line sums it up: “Every day is the same, we’re praying for rain.”
That said, it’s mostly a dance record. Way more Prince than Leonard Cohen. Apparently some really sad stuff is happening in the guys’ personal lives – perhaps fueled by their ridiculous 31-month stint on the road, away from loved ones – and the way they’re expressing it is with infectious melodies, a sense of rhythm I can only describe as much feelier than before, and lyrics that seem either cheerful or trying-desperately-to-be-cheerful, depending on your frame of mind. The rule of thumb in pop music that great records come after heartbreak seems to be at work here in spades. Damian sings mournfully in the barest moment on the album, “Can’t you love me?” and even the upbeat songs are about love collapsing. “I’ve been trying to get my head around what the fuck is happening?” goes one of the catchiest hooks. “I’m trying to make some sense out of what you’re doing with my head.”
I listened obsessively for a couple weeks, and my favorite song – the one that would stick in my brain – kept shifting, which says good things. Right now it’s “Back From Kathmandu.” I love how forcefully and confidently and slowly it goes about its business, with a yearning pop melody, scraggly loose guitars over a loud slow beat and that “is it cheerful or is it sad?” thing in spades. Dreamy verses lead to noisy, boisterous choruses about the power of love. What else could you want from a pop song?
This is supposed to be a bio, so here are some of the abc’s of OK Go: Damian Kulash (vocals, guitar) and Tim Nordwind (bass) met at summer camp when they were eleven and promptly formed a band called The Greased Ferrets that featured folding chairs played as drums. They claim not to remember any of the songs they wrote at the time. “Claim” would be the key word in that sentence. They met Dan Konopka (drums) in college, but somehow didn't form into OK Go until 1999, even though they all believed someday they'd have a band together. Figure. Andy Ross (guitar, keys) joined in 2005 after he met them through college pals.
A few years ago, OK Go performed at some live shows our radio program This American Life was doing onstage across the country. They were like human catnip. We had huge crowds and people of every age—high school sophomores to senior citizens—just LOVED them. The band simply overwhelmed the audience with this exuberant buzz of fun and happiness and youth and rock 'n roll. They were sexy in a way that had a kind of well-scrubbed pop innocence to it, but that also moved a friend to murmur backstage, "I want to fuck all four of them.”
Judging from the crowds at their shows these days, the reaction hasn’t changed much. They’ve been doing their thing – making cool shit – and thanks to the videos, that exuberant buzz has spilled across the globe. But don’t let that distract you, the best part of OK Go is still the music.
ONE FINE DAY
Scheitern ist keine Option
Diese Band hat noch Ziele: One Fine Day geben ihrer Zukunft ein Zuhause und setzen dabei alles auf eine Karte.
Neulich gelang es namhaften Wissenschaftlern, das Phänomen der sich anziehenden Gegensätze zu belegen. Wie? Sie verglichen die wesentlichen Charaktermerkmale der One Fine Day-Mitglieder mit den Songs auf deren brandneuen Album und stellten fest: Selten hat der gemeinsamer Nenner von so unterschiedlichen Typen so dermaßen harmonisch geklungen. Dass das Ding parallel noch jede Tanzlampe anklickt, sollte man der Vollständigkeit halber vielleicht erwähnen.
Nach vier gemeinsamen Jahren und hunderten Live-Shows in Deutschland, Europa, Japan und den USA haben One Fine Day aus Hamburg ihre bandinterne Chemie und ihren Sound gefunden. All die Tage im Tourbus und die Nächte auf den Böden irgendwelcher Jugendzentren, bei Fans oder deren Freundinnen haben die fünf von One Fine Day sehr genau auf dem Schirm, wie sie miteinander umgehen und wann sie einander lieber mal in Ruhe lassen. Wenn Marten, Roman, Hendrik, Marco und Erik an die Arbeit gehen, dann bleiben Befindlichkeiten und Egotrips draußen, denn dafür ist das hier zu wichtig. Schließlich geht es für die Jungs um nicht mehr als das Erfüllung des eigenen Lebenstraums.
One Fine Day haben sich seit 2004 in ihrer aktuellen Besetzung zu einer festen Größe im hiesigen Pop-Punk-Zirkus etabliert. Mit dem Debütalbum “Faster Than The World” (2004) und dem jüngsten Album “Damn Right“ (2006) haben sie die Basis für ihr neues, selbstbewusst-selbstbetiteltes Album „One Fine Day“ geschaffen. Aufgenommen über einen Zeitraum von gut einem Jahr entstanden die neuen Songs in mehreren konzentrierten Songwriting-Sessions zwischen dem bandeigenen Studio in Hamburg und unbeheizten Villen in Westfalen. In diesen unzähligen, euphorie- und diskussionsfreudigen Stunden schmolzen One Fine Day ihren Berg an Ideen auf die Essenz zusammen, warfen unnötigen Ballast über Bord und ersetzten den entstandenen Freiraum mit dem Mut zum Experiment. Grenzen? Fehlanzeige. Nachdem das Songwriting zwar “ohne Blutvergießen“ aber mit so manchem Abstechern „von A nach C zu D und zurück nach B“ erfolgreich über die Bühne geprügelt werden konnte, folgte der filigrane Feinschliff. Mit Vorliebe am Kamin.
Wie in einer kreativen Endlosschleife schmierten One Fine Day ihren ohnehin ziemlich kickenden Mix aus Rock, Pop und Punk mit Ausflügen in bisher unbeackertes Territorium. So verabschiedete sich Band-Musikus Roman in ruhigen Minuten mal ans Piano oder veredelte die im Rohbau befindlichen Songs mit ein paar Streichern, während sich Frontmann Marten geistig durch einstige Beziehungen und diverse Zeitgeist-Themen zappte, um den Stücken auch inhaltlich die nötige Seele einzuhauchen. Das in Kürze vorliegende Ergebnis verblüfft nicht nur den Hörer, sondern vor allem die Band selbst. Sie hätten sich wahrscheinlich selbst am wenigsten zugetraut, einmal ein so varianten- und trickreiches Album abzuliefern, das mit Tempi genauso elegant umgeht wie mit sphärischem Bombast, grooviger Theatralik oder gradlinigem Punkrock. Manege frei für großes Kopfkino, das auch international zünden dürfte.
Mit „One Fine Day“ und dem damit vollzogenen Wechsel zum Label ‘ferryhouse productions‘ haben die fünf Freunde erfolgreich das nächste Level auf dem Weg zum internationalen Durchbruch genommen. Eingebettet in ein professionelles und ehrliches Feedback funkendes Umfeld aus Label und Management stehen für One Fine Day sämtliche Signale auf Grün. Wenn jetzt noch was schiefgehen sollte, dann können One Fine Day weiterhin erhobenen Hauptes verkünden: „Wir haben alles gegeben.“ Daran besteht nun wirklich kein Zweifel.
Das Album – Track by Track
„Eat Your Lies“: Ein mit klassischer Instrumentierung eingeläuteter Uptempo-Song, irgendwo zwischen My Chemical Romance-Pathos und Queen-Bombast - Mosh-Part inklusive. „Eat Your Lies“ thematisiert „das Breitlatschen belangloser Themen“ und die stete Jagd nach der nächsten reißerischen Schlagzeile aus reiner Profitgier.
„Jimmy’s Day“: Sie gehen jeden Tag eher nicht so gern zur Arbeit? Dann nehmen Sie sich ein Beispiel an Ol’ Jimmy, schnappen sich einen Lebensabschnittspartner ihrer Wahl und dann ab durch die Mitte – so ein Leben ist kürzer als sie glauben... Das Ganze am besten im Cabrio mit dem Radio auf Anschlag.
„Miracle“: One Fine Day-Bassist Marco schätzt an diesem Stück den Reggae-Einschlag und den unwiderstehlichen, zum Tanzen einladenden Groove. Ein Pro-Individualismus-Song für Traumtänzer oder solche, die sich bei der Verwirklichung der eigenen Ziele auch gerne mal dem Spott der anderen aussetzen.
„Emily“: Die obligatorische aber in diesem Fall wirklich ans Herz gehende Ballade - Piano-Intro und mit Akustik-Gitarre unterlegte Singalongs inklusive. Ein Hommage an die Frau, die ihren Typen durch dick und weniger dick begleitet, selbst wenn er Musiker und „100 Tage auf Tour“ ist – und trotzdem kein Geld mit nach Hause bringt. Danke dafür, Ladies.
„The Shadow“: Für One Fine Day-Verhältnisse ungewöhnliches Stück aus Swing und Funk, das auch prima in ein Musical passen würde. Thematisch dreht sich mal wieder alles um die Frauen, oder wenigstens deren Schatten...
„Wake Up“: Ein zwischen den Zeilen geparkter Arschtritt für alle Eigenbrötler und Leute, die lieber Lass-mal-drüber-reden-Musik in der heimischen Stube anwerfen als mal wieder anständig durchzudrehen. Für letzteres ist diese Hymne übrigens der ideale Soundtrack.
„Sunset Drive“ (feat. Anne Kalstrup): Unsere globetrottenden Freunde von One Fine Day waren natürlich auch schon mal in Texas. Bei der nächtlichen Fahrt von Houston nach Austin hat den Herren die texanische Landluft so dermaßen das Hirn durchgepustet hat, dass sie zu diesem Song bereits das Video im Kopf hatten: Vier in ein Cabrio gepferchte Zombies, denen im Takt der Musik die Hautfetzen aus dem Gesicht fallen. Musikalisch der ungewöhnlichste Track der Platte: „Funky Cold Medina“ meets „Thriller“, gejagt von Bonnie & Clyde.
„Modern Messiah“: Ist das schon Black Music oder haben One Fine Day zu viel von Babyface produzierte Fall Out Boy durchgezogen? Fakt ist, dass man zum Refrain eine astreine Wall Of Death anstiften kann.
“Not Enough”: Ein Stück, das jedem Tarantino-Soundtrack ganz formidabel stehen würde. Lässig, lasziv und trotzdem catchy. Bengalische Feuer dürfen bei den Konzerten übrigens gerne gezündet werden.
„Memories“: Auf ihrer jüngsten Tour durch Japan wünschten sich die Jungs von One Fine Day, all die Eindrücke und Erlebnisse fotografisch und damit für immer in ihr Gehirn einbrennen zu können – „so wie ein Computer“. Eine Ode an die Macht der Erinnerung und ein Appell, jeden Moment wert zu schätzen. Das dürfte bei diesem rhythmischem Dampfhammer eigentlich kein Problem sein
„Showdown“: Die definitiv schnellste Nummer auf dem neuen Album. Ein Aufruf, sich weder alles bieten zu lassen, noch stumpf jeden Befehl abzunicken. Aufgerüttelt vom Phänomen des „Outsourcing“ und breitflächiger Ausbeutung seitens der Konzerne verfassten One Fine Day diesen Gift und Galle verspritzenden Punk-Smasher.
„Notoriuos”: Wer hat hier “Muse” gesagt? Gar keine so verkehrte Idee, diese druckvolle Ballade aus Liebe oder Liebe(r) doch nicht mit den englischen Königen des Pathos-Rock zu vergleichen. Die perfekte letzte Nummer mit Orchester, Streicherensembles und harmonisch integrierten Gitarren-Soli. Kommt gut nach Hause!
OOMPH!
>Wir haben uns ganz bewusst zurückgezogen und die nötige Muße gegönnt, denn gerade mit unserem Jubiläumsalbum wollen wir ein ausgereiftes Werk und keinen Schnellschuss abliefern<, erklärt Gitarrist Flux. Demnach widerstand die Band der Versuchung, wegen des TV-Auftritts beim diesjährigen Bundesvision Song Contest, schnell ins Studio zu gehen. >Der letztjährige Sieg war eine sehr schöne Sache für uns, und wir hätten bei Stefan Raab gerne schon unser neues Album präsentiert, aber weil wir auf die Produktion großen Wert legen, wäre die Eile zwangsläufig zu Lasten der Qualität gegangen – und das kam nicht in Frage!< betont Crap.
Darum ging das Wolfsburger Trio ohne Zeitdruck in sich und filterte das Extrakt heraus, das den markanten OOMPH!–Sound im Spannungsfeld zwischen Rock und Elektro ausmacht. Zum einen greifen Dero, Crap und Flux ohne übertriebene Sentimentalität sämtliche relevanten Elemente der fast 20jährigen Bandgeschichte auf und schlagen u.a. bei „Revolution“ mit hämmernden EBM-Synthies eine Brücke zu ihrem Debüt von 1992. Zum anderen setzen sie beispielsweise mit dem originellen Rock-Tango „In deinen Hüften“ und der unter die Haut gehenden Piano-/Streicher-Ballade „Auf Kurs“ aber auch ganz neue Akzente. Zwischen diesen Extremen gibt es jede Menge Hits, bei denen OOMPH! in ihrer unnachahmlichen Art eingängige Refrains, mächtige Gitarren-Riffs, tanzbare Beats, clevere Elektro-Akzente, gefühlvolle Breaks mit Soundtrack-artigen Passagen und einen Schuß Pathos vereinen.
Besonders herausragend ist der tiefgründige Ohrwurm „Beim ersten Mal tut´s immer weh“, der die Täter-Opfer-Perspektive umdreht und mit seiner raffinierten Wendung zum Nachdenken angeregt. Überhaupt demonstriert Sänger Dero einmal mehr eindrucksvoll, dass hinter den oberflächlich als Provokation wahrgenommen Texten auf den zweiten Blick intelligente Gesellschaftskritik steckt. So setzt sich der charismatische Frontmann, der seinen Stimmbändern im Laufe der Jahre immer mehr Schattierungen entlockt, u.a. mit dem Schönheitswahn („Wer schön sein will muss leiden“) und der medial zwar in den Hintergrund gerückten, real aber immer noch aktuellen Aids-Gefahr („In deinen Hüften“) auseinander. Zudem beschäftigt er sich in „Labyrinth“, „6 Fuß tiefer“ und „Lass mich raus“ in fantasievollen Metaphern mit seinem Lieblingsthema: den Abgründen der Psyche.
Nicht nur deswegen ist der Albumtitel „Monster“ passend gewählt. >Er ist sehr vieldeutig. Zum einen bezieht er sich auf solche Unmenschen wie den Geiselnehmer von Natascha Kampbusch oder den Inzest-Vater von Amstetten, der seine Töchter jahrelang eingekerkert und missbraucht hat. Zum anderen kann er aber auch positiv besetzt sein<, erläutert Dero und nennt als Beispiel >“ein Monster von einem Album“<. So wie dieses!
PAIN
One of the most creative and innovative masterminds of the Metal scene strikes back – Peter Tägtgren, infamous studio wiz and head of mighty Death Metal veterans HYPOCRISY, serves us the latest slab of infectious Industrial Metal with PAIN´s "Cynic Paradise"!
Tägtgren, always striving for a different outlook on the music he loves, decided to go for a one-man-band in 1996 that would truly push boundaries outside of the realms of HYPOCRISY. He decided to not only play every instrument himself, but opted for a rather technoid approach after experimenting with beats on his computer. Thus PAIN and the self-titled debut album saw the light of day in 1997, released on Nuclear Blast. In 2000 "Rebirth" followed which features the fan favourite single 'End of the line' that went Gold in Sweden, marking the commercial breakthrough of PAIN. Album number three, "Nothing remains the same", saw the Metal / Industrial mixture develop to pure perfection in 2002 – the BEATLES coverversion 'Eleanor Rigby' was even recorded with a massive Swedish orchestra, and 'Shut your mouth' can be considered a classic tune today! The album entered the Swedish charts at # 6. "Dancing with the dead", released in 2005 and dealing with Peter`s near death experience, even outdid the previous record with going for a sensational # 3 in the Swedish album charts. Straight rock influences outweighed the electronic beats this time around, and the album easily is the darkest and gloomiest in the whole PAIN history. After the impressive live DVD set "Live is overrated" in 2006, Mr. Tägtgren unfolded the "Psalms of extinction" to his huge fanbase in 2007. Illustruous guests such as Anders Iwers (IN FLAMES), Alexi Laiho (CHILDREN OF BODOM) and Mikkey Dee (MOTÖRHEAD) starred on the album, and PAIN supported NIGHTWISH on their massive European tour in front of over 150.000 people in 18 countries.
2008 sees the return of PAIN to motherly folds: just like the debut, Peter Tägtgren will release "Cynic Paradise" on Nuclear Blast – fittingly on Halloween! This time around, Peter even let his live musicians help him a tiny bit with the studio work: drummer David Wallin can be heard on 'Don`t care', guitarist Michael Bohlin added some additional programming, and bass player Johan Husgavfel is playing on 'Live fast / Die young'. And to continue the guest star tradition, Anette Olzon of NIGHTWISH fame is singing on the ultra-catchy 'Follow me' and 'Feed us'! "Cynic Paradise" shows Peter Tägtgren from his most variable side, even including Western slide guitars and mixing it with monstruous riffs and tough beats. Check out this masterpiece – and step into the "Cynic Paradise"!
PAUL GILBERT
SILENCE FOLLOWED BY A DEAFENING ROAR – LINER NOTES
2007 was a great year for me.
As a musical experiment, I decided to confront my cynicism about instrumental guitar music by making a whole album of the stuff. I called this album “Get Out of My Yard” and posed as a cantankerous, territorial, old man on the cover.
By focusing on what I do best (guitar playing) and by being humorously truthful about my age and obstinate musical opinions, I managed to create more excitement and positive reaction to my music than I have experienced in a long time.
As I sometimes joke, “Now that I’ve stopped singing, my career has taken off!”
I didn’t want the excitement to end with the CD, so I started bothering my manager with constant e-mails and phone calls saying, “We’ve got to set up a tour! I want to go everywhere!”
And before I knew it, I was on the road. Six months of touring from Japan to Australia to America to Europe and finally to South America.
Life on the road is wonderfully focusing for a musician. You give up basic comforts, but you gain the daily adrenaline rush of walking onstage to play music. The GUITAR MUSIC from “Get Out of My Yard” gave me new ways to give my best performance to the audience. I was no longer tied to the microphone to sing every song, and for me playing guitar is often just EASIER than singing. So I could relax and “feel” the music more. Also, the long length of the tour allowed the band and me to achieve a level of power, tightness, and ease that I have never been able to reach on shorter tours.
Being a good musician is very important to me, and all this PLAYING made me feel a noticeable improvement in my abilities. That was truly satisfying.
Then I came home and didn’t play guitar for two months.
On my return home, I was planning to take a couple weeks to recover physically from living on a bus most of the year, and then get to work on a new album. But within the first week, I had to move from my house!
My wife Emi and I had been staying in a house in the Hollywood Hills that I loved because of the amazing view of Los Angeles and because of the wildlife that would often wander across our balcony; Raccoons, skunks, squirrels, lizards, birds, and coyote were common visitors, as well as beautiful, soaring hawks circling in the air. I felt fortunate to be able to experience these interesting creatures while living so close to the city. I’ll spare you the details of our move. Let’s just say it took some work.
And after two long months of packing, moving, and learning about the vast sciences of plumbing and electrical house wiring, I was very much looking forward to becoming a GUITARIST again. This CD is the result of that desire.
I suppose those two months without my guitar is the “Silence”. And the sound of me happily reuniting with my favorite musical instrument could be the “Deafening Roar”.
My first step was to start practicing some Bach.
I found a short, but challenging piano piece (Prelude No. 15 in G, BWV 860) that sounded like it would work well transposed to guitar. I found the sheet music and started to work out the fingerings and memorize the melodies. I love this kind of work because I can do it very methodically, and I can see steady progress as I practice. There is nothing to create, only notes to play, fingers to exercise, and music to enjoy.
But then the tougher work began. I started to create NEW music. This job demands that I sit with a guitar and tiny cassette player and try to compose music that will match the energy and sound of my full band at our tightest moment on tour. The atmosphere of being alone in my studio is very different from being onstage, under the lights, with my band, in front of 1000 excited people. It takes all my effort to transport myself mentally to that feeling onstage where the music flows.
And result of this effort?
Nearly all my ideas from the first week ended up directly in the garbage. This was not surprising to me, because I know I have to warm up my creativity just like I would warm up my fingers. But it’s always a bit unsettling to be working hard, and thinking, “No, not good enough. No not good enough.” over and over again.
So I kept trying, and kept practicing the Bach to achieve some sense of forward motion.
And finally the inspiration began to come.
“The Gargoyle” was the first song to be born. Having lived much of my musical life in the realm of heavy metal, I know I must include some metal music on every record. I enjoyed constructing a solid metal tune with double bass drum grooves, Iron Maiden-style chord progressions, percussive guitar rhythms, and super-fast guitar and bass solos. Added to all this, were some demonic melodies and even some “sweep” picking.
Having fulfilled my metal obligations, I could start to experiment with other styles.
The order that I wrote the other songs is a blur to me now. Mainly I remember being shocked that I was writing melodies.
I had set out to AVOID writing melodies. “Heavy riffs and flashy solos only!” is what I told myself. “Melodies are better sung by singers. Playing them on guitar is just a compromise of what a good vocalist could do.” These were my opinions at the outset of my writing.
Happily, I proved myself to be dead wrong, many of these melodies were actually composed with my singing voice.
I would record a rough backing track, then set up a vocal mic and spend the next 30 minutes humming into it, searching for melodies that I liked. Once I was satisfied with my hummed melody, I would record it for reference, then strap on my guitar and figure out how to play it.
Imitating my voice with a guitar became great fun for me. Almost everything I hummed required me to find new fingerings, invent new bending and sliding techniques, and search for different guitar tones than I would normally use. I loved that the melodies came directly from my inner melodic desire and weren’t influenced by my technical habits as a guitarist.
This was exactly what I wanted to do before I ever played guitar. As an 8 year-old kid, I had lots of musical ideas in my head, but no technique to play them. Now after many years of studying the fretboard, I have acquired some technique. And finally I remembered what I wanted to use it for!
Please enjoy this latest step in my journey of musical composition, guitar exploration, and ROCK. I hope to play these songs for you live soon!
Thank you,
Paul
PAULSREKORDER
Es ist weit mehr als ein Wetterleuchten, das da von Nordwesten aufzieht.
Paulsrekorder vertraten Anfang 2008 bei Stefan Raabs "Bundesvision Song Contest" würdig ihren Stadtstaat Bremen, aus dem sie stammen, oder in dem sie ihre Wahlheimat gefunden haben. Ihr Song "Anna" hatte natürlich gegen die etablierte Deutschpop-Großkonkurrenz keine Chance, dennoch bliesen die Bremer in nicht mal drei Minuten Millionen von Gehörgängen frei und galten für viele als Sieger der Herzen..
Entstanden ist der Name "Paulsrekorder" auf einer feuchtfröhlichen Party 2002, als sich zu fortgeschrittener Stunde plötzlich alle "Paul" nannten. "Rekorder" war ohnehin eines der Lieblingsworte der Musiker – da war der Weg nicht weit.
Paulsrekorder haben 2002 als Indie-Kapelle angefangen. Das sagt sich so dahin. Als was denn sonst? Fast jede Band, die im Proberaum abrockt, klingt erst mal nach Garage. Paulsrekorder entwickelten sich aber nicht zu einer Combo mit Indie-Attitüde. Dazu klang die Musik von Beginn an viel zu unterhaltsam, und die Texte hatten Hirn und Hintern, ohne verkrampft bedeutungsschwanger sein zu müssen. David würde nie Zeilen schreiben "für die man entweder ein Philosophiestudium braucht, oder die immer so klingen, als ob sie eine Menge sagen können wollten". Andererseits reimt sich bei Paulsrekorder nicht "Haus auf Maus", nichts klingt prollig oder wie bei so mancher Deutschpop-Konkurrenz derart peinlich, dass es einem die Schamesröte ins Gesicht treibt.
Paulsrekorder sind keine Fun-Rock-Band, geben sich aber auch nicht spaßfeindlich: "Wir nehmen uns selbst nicht allzu ernst, deshalb wird man bei uns auch immer kleine Seitenhiebe auf typische Rockstarposen finden. Vor allem unser Gitarrist Kai ¬ der ist der Poser überhaupt." Angetrieben von den Drums des gebürtigen Schwarzwälders Sebastian und dem Bass von Davids Bruder Jonas (der zusammen mit ihm auch immer wieder die markanten, scharfen 80er-Jahre-Synthies traktiert), ist die Musik von Paulsrekorder am Ende des Tages halt doch immer noch handgespielter, frenetischer Gitarrenrock – da dürfen die beide Saitenquäler Frederik und Kai auch mal die eine oder andere Pose aus der Dose kratzen.
Gemeinsam mit den Produzenten Michael Tibes (Nena) und Christian Neander (Pohlmann, Niels Frevert) brachten Paulsrekorder im Studio in aller Ruhe und Entscheidungsfreiheit ihren Sound auf den Punkt. "Vorbilder an sich haben wir eigentlich nicht. Wichtig ist, an sich zu glauben, nicht ständig die Fahne in den Wind zu halten."
Was Paulsrekorder aus der Musik von Selig und Spliff, von Ideal und Nationalgalerie, von den Talking Heads und Muse, von Niels Frevert und Nena, von Bloc Party und The Killers ziehen konnte, war "die spezielle, ganz eigene Atmosphäre, die sie schaffen. Wie sich ein Song melodisch und harmonisch bewegt, wie sich ein Refrain daraus entwickelt." Die Atmo bei Paulsrekorder ist denn auch eher eine Art lebensfroher Sturm und Drang, aber "nie böse oder düster". Ansonsten piekst bei vielen Paulsrekorder-Songs immer wieder ein kleiner Eighties-Stachel ins Ohr. Heiß geflirtet wird mit der Neuen Deutschen Welle (NDW).
Davids Texte basieren auf Geschichten, die er selbst erlebt hat. Und weil in seinem Leben auch immer sehr viel Spaß im Spiel ist, sind sie geprägt von positivem Lebensgefühl. Bei "Anna" singt David die Zeile "Komm wir leben das Gefühl, bevor es sich verliert" und will damit einen kleinen Anstoß geben, "doch mal nachzudenken über die Dinge, bei denen es sich lohnt, noch mal darüber nachzudenken."
Bei Paulsrekorder ist das Glas immer halb voll, auch wenn man den Rest schnell mal verschütten kann.
Die Single "Verschwende Meine Zeit" (VÖ: 05.09.08) und das Album "Hier und oben" (VÖ: 19.09.08) erscheinen bei ferryhouse productions im Vertrieb von Warner Music.
PINBOYS
Grindsted Highschool in the dark Jutland was the place where Jakob and Anders first met and started was would later become PINBOYS. Shortly after forming the band they started writing their own material but at the first concerts they also did covers of Foo Fighters, Weezer and Green Day who where their main sources of inspiration. The dream was to get their music out to the world.
Soon Grindsted became too small and the possibilities to perform to few and they moved to Aarhus. New guitarists, Simon and Bo, and a new female leadsinger, Anne, joined the band and soon after they released their first EP ”One in the Gutter”. The release generated some shows and a few reviews in Denmark but the real succes came through Garageband.com PINBOYS where the band got a recorddeal with and american label and arranged a 10 shows US tour shortly after. This contract, however, didn’t last long since the connection between talks and reality mismatched.
After ”the american adventure” the focus was centered on Europe and from the summer 2004 the band started touring heavily in Germany and Benelux. The effort gave them a solid base in especially northern Germany. The tours were arranged by the band themself – a DIY attitude that still remains central in the band. During the same period the band produced the EP’s ”No Control” (2004) and ”Somewhere in Between” (2005) where the succes on Garageband.com got even bigger. Especially the song ”Nothing left to Lose” claimed huge attention and topped the pop-punk chart for a long period and still remains second on the alltime chart. The song also received a notable amount of airplay on danish national radio and several radiostations across Europe.
With the EP’s in hand the band went searching for a recordlabel and after interest from especially german indielabels the band ended up with the danish indielabel Iceberg Records (Dúné & The Blue Van). The international focus from Iceberg was what attracted the band. The Iceberg boss Manfred Zähringer fought a blizzard to come see the band at a show in Herning and was convinced about the quality of the band in company with the other people in the audience who also defied the curfew.
After three EP’s time had come to record the first full-lenght cd. In company with the three producers Florian Nowak, Michel Ebers (5BUGS) and Jeff Collier (Donots) the band spent most of the summer 2006 on preproduction and recordings of the album in Berlin. The result of the effort was ”Teenage Wasteland” that was released during spring 2007 in Scandinavia, Germany and Japan. The release recieved good presscoverage and airplay on lots of radiostations across Europe and resulted in supportshows for among others Fall Out Boy and Billy Talent – the final breakthrough didn’t happen though. Japan was the country where the band earned the biggest succes and the adventure culminated with a succesful Japan tour.
Already during the summer 2007 the band started the preproduction of the latest album ”Simple Art” but the road to completion would be bumpier and longer than the band ever imagined. Already shortly after the recordings of the first album Bo left the band and in the winter 2008 Anders had to leave the band with a case of tinnitus. What now? The band found themselves in a crisis and many opportunities where talked about and choices of change where made. Auditions where held for at new drummer and believe it or not the drummer chosen was Emil the littlebrother to Anders. So it stayed in the family! With a new drummer also a new style. The focus remained on energy and catchy melodies but the sound of the new material had to be different and new genres had to be explored in the new songs to be made.
During the summer 2008 the band hid themselves far out in the country writing songs with the keen help of Hendrik Burkhard (One Fine Day) before heading for the studio. With a wish of a fresh sound the band hired Jakob Bredahl (Last Mile, Hatesphere) to produce the instruments and Dan Hougesen (Dúné, The Blue Van) to produce the vocals. It was an unholy alliance containing Jakobs roots in the metalgenre and Dans roots in the popmusic. To finish of, the record was mastered by Tue Madsen to give the final edge to the songs.
The result is PINBOYS’ suggestion for Modern Rock year 2009. It’s a mix of dirty rocking instruments topped by male and female vocals and then generously sprinkled with catchy melodies. The songs are simpler and more cut to the bone than previously and all superflous bridges, back-up vocals and guitarlicks are shaved away. Most songs are still in high tempo with banging energy but also acustic and more balladlike songs have found their way into the new material.
The dream is still to get the music out into the world and go on new adventures!
PINBOYS is:
Anne Kalstrup – Vocals
Jakob Thalund Møller – Vocals & Bass
Simon Kalmar Poulsen – Guitars
Emil Johnsen – Drums
PRESIDENTS OF THE USA
Simply put, THESE ARE THE GOOD TIMES PEOPLE delivers the goods with PUSA sounding as vital as ever. With the collective strengths of founding vocalist, basitar player and principal songwriter CHRIS BALLEW, original drummer JASON FINN and guitbass player ANDREW MCKEAG - who officially joins the band with this album--PUSA lend their joy and enthusiasm to any and all within an earshot.
Recorded by Northwest legends The Fastbacks' own Kurt Bloch (Robyn Hitchcock, Mudhoney, Les Thugs) and mixed by Martin Feveyear (Epoxies, Amber Pacific, Screaming Trees), the disc marks an alignment between the band and EMI via the new imprint Fugitive Recordings. Sharing the landscape with recent, acclaimed efforts by Ween and They Might Be Giants, PUSA-as masters (and progenitors) of "Joy-Pop" - dig deep and pull off their most diverse and accomplished record yet.
Case in point is the twangy, swing-informed exuberance of "Flame Is Love," which effortlessly shares the company of more recent numbers like the riff-tastic "Poor Turtle" or the light, countrified "Truckstop Butterfly." As for the aforementioned "Mixed Up SOB," it was originally penned in 1989 and first existed as "a slow, 12-string kind of thing," says Chris. "It wasn't until I decided to Cars-ify it that it came to life."
"Chris is very prolific and there's never a lack of new material," Finn explains. "he's also got stuff from the last ten years on his computers. And he's always sort of rifling through fragments of material from hard drives, cassettes, Dictaphones, wherever. And every time we do a new record, he goes through that stuff. And every time I think I've heard every song that he's ever written, he pulls out like eight great songs I've never heard, and I'm like, ‘Why the %$#@ didn't we do this one or that one?'"
And then there's the glistening, piano-touched pop winner "More Bad Times," which is brand new, sort of.
Replete with an a cappella break and a captivating acoustic shuffle, the song--which can't help but be one of the main focal points of THESE ARE THE GOOD TIMES PEOPLE - is essentially a hybrid of Presidents music and the lyrics to a song by an old, obscure group known as Ed's Redeeming Qualities. "I used to go see them when I moved to Boston in 1988. They had a ukulele, a violin and an old man shaking a can of rice," Chris chuckles. "And they had a song, "More Bad Times," that was very different musically. But I always loved it."
"So, we're goofing around with acoustic guitars," Ballew continues, "and Andrew started playing a new riff, and all of the sudden that other song came into my head, and I starting singing those lyrics over it and changed the rhyme scheme and it just fit. I wound up writing a final verse and discovered how much fun it is to take an existing song and turn it into something else. When we finished it I was like, man, this is the feel good hit of the summer."
"I was just playing this part on this Silvertone guitar that Chris had in his house and it was tuned an octave higher. And he was like, ‘Keep playing that! Keep playing that!'" Andrew laughs. "He started jumping up and down and got all excited."
"It's certainly one of the high points and it's in a spot where we rarely go," Finn acknowledges. "We've gone a little bit further out toward the edges on this one, but in a totally focused way. Of course, people have always expected a ‘mixed grill' from us stylistically. Our earliest crowds in Seattle didn't know whether they were going to get loud, soft or all ska on a given night. That was part of the fun...as long as it wasn't ska very often."
Since the Seattle-based trio first burst into the public eye with its aforementioned debut - on the strength of radio smashes like "Lump" and "Peaches" - it has been plugging away in fits and spurts with remarkable success. Look no further than their twice Grammy- nominated debut The Presidents of the United States of America, which continues to thrive as an enduring modern rock disc since peaking at #6 on the Billboard Top 200. Enjoying the kind of longevity shared by eponymous classics of the genre like Violent Femmes and Weezer, it's found a new life on digital services like iTunes since its rights reverted back to the band in 2003.
1996's II rocked just as hard, giving birth to the full throttle, Top 10 single, "Mach Five," which fostered PUSA's most imaginative and infamous music video. Meanwhile, accelerated fan favorites like "Lunatic to Love" and "Tiki God" left their imprint on then-up and-comers The Hives.
In advance of a much-deserved hiatus, two well-chosen covers helped leave a substantial cultural mark. First, a boisterous take on The Buggles' "Video Killed The Radio Star" musically defined the smash Adam Sandler flick "The Wedding Singer." Next, "The Drew Carey Show" adopted the Presidents' rendering of Ian Hunter's "Cleveland Rocks" as its theme, bringing the trio into millions and millions of living rooms across the fruited plain. "Ohio!" indeed.
In 2000, Chris, Dave and Jason reconvened for the vibrant studio-only effort Freaked Out and Small, which boasted the airwave favorite "Tiny Explosions." Giving PUSA a chance to record songs that Chris had crafted outside of the band's unconventional 2-string, 3-string format, the project included the riotous track "Jupiter" and live in-studio performances on the accompanying DVD. "We weren't officially working again at that point, Jason explains. This Musicblitz company appeared out of the ether and offered us a chance to make a record with no touring obligation. Sounds like a hoot, says us, and we had a blast recording it for 10 days, then didn't give it another thought. Neither did Musicblitz, who went out of business a couple of weeks after putting it out."
A full reformation followed a series of reunion gigs for 2004's Love Everybody, and while critics were handing out four star reviews and "Some Postman" was a radio favorite, the band ultimately realized that operating as a touring band and maintaining its own PUSA record label was a huge undertaking. As Finn puts it, "Being our own label was interesting, but ultimately the day-to-day realities of managing a retail operation were taking too much of our rocking time. Plus, during our frequent Diva tantrums it was less fun calling and screaming at ourselves!"
With Love Everybody, Dave stepped away from the band for touring purposes and ultimately passed the guitbass to McKeag, a Seattle music vet and longtime friend of the band who was initially introduced to the group by Dederer years ago and who first served as a roadie for The Fastbacks when they opened for PUSA on their June 1996 U.S. tour.
"After 200 shows in the band, I've finally earned my stripes. Woo-hoo!" Andrew laughs. To which, Finn adds, "Andrew is a huge, huge guitar player. He takes the rock & roll of the band and capitalizes the ‘R's'." It's a notion upheld by the punchy, rollicking "French Girl," the quirky and undeniably sharp "Fangs"--which boasts Jason's finest harmony vocals to date--and the blistering, forceful anchor track "Ghosts Are Everywhere."
Then there's "Deleter," a bona fide funk song with horns that the band built from a beat that Finn had been playing at soundchecks for years. "One day at practice we put it together but I couldn't make any lyrics fit," Chris explains. "Then I remembered an email I had from Robyn Hitchcock--who I've been friends with and whose records I've been playing on for a while--and he asked, ‘Do you still have that horn part you did?' So I wrote back, ‘No man. If I know you're not going to use it, I delete it. I'm a deleter.' And he replied, ‘She's a deleter.' So we started riffing back and forth. That banter became the chorus. I wrote the verses and we finished it." Soul singer Fysah Thomas rounds out the song with the first ever guest vocal appearance on a Presidents album.
With a cover image of a hand with a pin coming in to pop a balloon, Ballew says the track "Loose Balloon" fostered the album art. It was also the first song he wrote for THESE ARE THE GOOD TIMES PEOPLE. Written on Christmas Day 2005, the first he spent alone after his marriage dissolved and his kids were off with their mom, Ballew says, "The split was a positive one but that day I was really bummed. My whole life was changing. And that song came out as therapy."
When it's suggested that although it came from a dark place, it still translates as a song of strength, Chris is quick to explain. "When you write a song and you play it live you have to live it," he says. "If you tell a sad story, you have to live it over and over again each night. So my version of musical therapy isn't to wallow in the sadness but find that little bright spot and turn up the volume on it."
That sentiment lends itself to the title of the record: "Whenever we were on tour over the last couple years and things were sucking and we're sitting backstage somewhere, cold and eating whipped turkey in some strange third world country, everyone would be quiet and I would say, ‘These are the good times, people.' Like, this is it! This is what we signed up for! And it sort of mutated into the record title, when I thought that without the sarcasm, it could be used as a positive statement. "
Perhaps that outlook also explains why PUSA have persevered and remain able to make inspiring music on their own terms long after so many of their ‘90s alt-rock peers have gone by the wayside. With an average age of show-goers at around 20, the band's high energy shows continue to pack venues all over the world, selling out shows in London, Amsterdam, New York, Sydney and Seattle on its last world trek.
With THESE ARE THE GOOD TIMES PEOPLE, new and old fans alike should find little problem joining the party with PUSA circa 2008. "I know this stands up strong against our entire catalog. And I hope our fans agree. We've finally gotten to the point where we can let the vibe come to us and then we jump out at it and reel it in. I think we've really brought our ‘A' game to this album. I feel like we've given as much as we ever have on this record."
Forgoing the director role he has assumed in the past, Ballew says a democratic dynamic steered the project and greatly improved the energy of the band. Playing to their strengths on THESE ARE THE GOOD TIMES PEOPLE, Chris concedes, "I've just kind of learned over time that it's a lot of stress for me and I don't necessarily end up with something better. I just decided to lay back and not care while caring deeply, letting the cream rise to the top."
SAMSAS TRAUM
Die Musik von SAMSAS TRAUM lässt sich schwer in Grenzen einordnen, von Album zu Album sind wiederholt stilistische Veränderungen aufgetreten - trotzdem weisen alle Veröffentlichungen einen roten Faden, ein fortlaufendes Konzept auf, welches sich durch die Texte und die Musik zieht. Größter gemeinsamer Nenner aller Alben ist Kaschte selbst, der von seinen Fans wegen seiner ungewöhnlichen Blickwinkel, seiner sich in den Stücken äußernden hohen Emotionalität und seinem antagonistischen Auftreten geschätzt wird.
SAMSAS TRAUM haben in ihrer Laufbahn mit unzähligen Gastmusikern gearbeitet. Das Album „Tineoidea" kann als Zusammentreffen einer beachtlichen Anzahl von Szenegrößen bezeichnet werden, auf dem furiosen „Heiliges Herz" - dem ersten Media Control Chart-Einstieg der Band - waren u.a. Adrian Erlandsson (Ex-Cradle Of Filth, Ex-At The Gates, jetzt bei Paradise Lost) und Gudze von den Hblockx zu hören. Live wird die Band, die seit 2000 neben eigenen Headliner-Touren auch Konzerte für OOMPH!, PAIN, ATROCITY, und L‘AME IMMORTELLE eröffnen durfte, von David Pybus (Ex-Anathema) am Bass unterstützt.
Anlässlich ihres 13. Jubeltages - die Band lehnt das Feiern gerader Zahlen ab und sieht im 13. Lebensjahr den Beginn des Teenager-Alters und damit den Anfang aller Ungezogenheiten - begeben sich SAMSAS TRAUM auf große Geburtstags-Tour, die ganz im Sinne ihrer Fans gestaltet werden soll. Neben Material ihres neuen Studio-Albums und Stücken der extra für diesen Anlass komponierten Veröffentlichung „13 Jahre lang dagegen - Anti bis zum Tod" dürfen die Fans die Setlist mitbestimmen und aus einer Fülle von Klassikern ihre Lieblingstitel auswählen, die Kaschte und seine Bande in ausgewählten Städten energiegeladen zum besten geben werden.
SANDRA NASIC
Nach ihrem Ausstieg nahm sich Sandra zunächst viel Zeit, bevor sie mit dem Songwriting für ihr geplantes Soloalbum startete. „Ich wollte ohne Ablenkung alleine arbeiten und begann nach einer einjährigen Pause, fernab vom Plattenbusiness und irgendwelchen Erwartungen, in Ruhe zu komponieren." Ein Start, der bei aller Aufbruchstimmung auch die üblichen Tücken eines Neuanfangs mit sich brachte. „Die größte Schwierigkeit war, Rockmusik ohne Band im Proberaum zu schreiben", erklärt sie. „Ich musste erst einmal mein Bass- und Gitarrenspiel verbessern. Am Anfang habe ich mir sehr viel Zeit gelassen und eine Menge Dinge ausprobiert." Konkrete Vorgaben gab es keine. Sandra schrieb einfach drauflos, nutzte ihre Freiheit und interessierte sich gezielt auch für bislang ungewohnte Stilrichtungen. „Auf eine ganz unbefangene Art habe ich dabei die Musik für mich völlig neu entdeckt."
Bewusst wählte sie unterschiedliche Formen des Songschreibens. Tabus gab es keine, ebenso wenig unnötige Berührungsängste mit anderen Komponisten. „Einerseits wollte ich alleine schreiben, um meine eigene Musik zu finden. Andererseits suchte ich auch die Zusammenarbeit mit anderen Künstlern, um Inspirationen von außen zu bekommen." Eine Arbeitsmethode, die sich unüberhörbar ausgezahlt hat. The Signal strotzt geradezu vor Ideenvielfalt und Facettereichtum, ist dabei aber gleichzeitig pur und authentisch. Sandra Nasic arbeitete in Berlin, London und Stockholm, ihr zur Seite standen so namhafte Songschreiber und Toningenieure wie Christian Neander, Steve Lironi (Fun Lovin Criminals, Happy Mondays, Bon Jovi), Pelle Gunnerfeldt (Refused, The Hives, The International Noise Conspiracy) oder der junge schwedische Produzent Patrik Berger. „Der Wechsel zwischen Rückzug und Sturz in fremde Städte hat für mich immer etwas Inspirierendes", sagt sie. „Schräge Situationen, Freaks, Idealisten, verpeilte Künstler, aber auch Neues und Fremdes, das ich beobachten beziehungsweise erleben darf. Genau in diesen Situationen fühle ich mich wohl, und hier entstehen auch meine Geschichten."
Persönliche Geschichten über ihre Leidenschaft, über ihr Universum der Musik und über Science Fiction-Storys, verpackt in eine musikalische Intensität, die sich durch griffige Melodien und eine geradezu berstende Dynamik auszeichnet. Wie etwa ´Fever`, die erste Radiosingle, die eine interessante Metamorphose durchlebte. „Ursprünglich entstand ´Fever` als Electro-Popsong", blickt Sandra in die frühe Entstehungsgeschichte des Stückes zurück. „Ich besaß anfangs noch nicht allzu viel Equipment und spielte deshalb die meisten Instrumente direkt in meinen Rechner. Als ich später mit Patrik Berger daran arbeitete, entwickelte sich ´Fever` zu einem Rocksong. Die Drums wurden in London aufgenommen, die Gitarren abwechselnd von Patrik und mir eingespielt. Ich wollte meine Spielweise mit seinem Gitarren-Knowhow verbinden." Auch der Track ´Name Of My Baby` blickt auf eine ähnlich lange Entwicklung zurück. „Die Nummer habe ich eigentlich schon vor zwei Jahren komponiert und zum ersten Mal die Gitarren auch selbst im Studio eingespielt. Es ist eine Hommage an das Wichtigste in meinem Leben, die Musik. Für diesen Song schrieb ich fast 20 verschiedene Strophen. Meine Plattenfirma wäre deshalb fast verrückt geworden und wollte mir schon gewaltsam die Festplatte wegnehmen", schmunzelt sie augenzwinkernd.
Und noch eine Nummer, die aufgrund ihrer atemberaubenden Intensität aus einem grandiosen Album und dessen 13 heißen Tracks herausragt: ´Mecasanova (Yamyam)`, ein Song wie eine Dampframme. „Eines meiner Lieblingsstücke", gesteht Sandra. „Es rollt, ist roh, düster und sexy. ´Mecasanova` entstand in einer langen Nachtsession mit Patrik Berger, nach viel Bier und einer Bowlingpartie. Ein gelungener Mix aus Gitarren und Elektrosounds. Niemals zuvor war Sandra Nasic so groß wie anno 2007, niemals so stark und gleichzeitig persönlich wie auf ihrem Solodebüt The Signal.
Bleibt noch die Frage nach den atemberaubenden Bühnenqualitäten, die Sandra Nasic schon zu Zeiten der Guano Apes ausgezeichnet haben. „Ich bin gerade dabei, eine Band zusammenzustellen", stellt sie schon jetzt schweißtreibende Konzerte in Aussicht. Denn eines ist mal klar: Diese Songs funktionieren ebenso im Radio wie in verrauchten Clubs. Und sie verkünden den furiosen Beginn einer Solokarriere, zu dem Sandra ihr Bestes beigesteuert hat: ein Signal!!
SCOOTER
Mit 20 Top Ten-Hits sind Scooter erfolgreichster deutscher Chartact seit Einführung der Singlecharts! Mit ihrem aktuellen Top 5-Hit „The Question Is What Is The Question?“ erreichten die Jungs um Frontmann H.P. Baxxter ihren zwanzigsten Top 10 Hit in den Media Control Single-Charts! Dies ist bisher keinem deutschen Künstler seit Einführung der Chartsermittlung im Jahr 1956 gelungen. Die weiteren Podiumsplätze teilen sich jeweils mit 13 Top Ten-Hits Xavier Naidoo und Modern Talking. Auch internationale Größen wie The Bee Gees, Michael Jackson, The Rolling Stones, Pet Shop Boys, Robbie Williams und Britney Spears haben gegenüber Scooter das Nachsehen und weisen weniger Top Ten-Hits auf!
Scooter gehören zu den wenigen Bands und Künstlern deutscher Herkunft, die es geschafft haben, die musikalische Landschaft über eine Zeitspanne von mehr als einem Jahrzehnt nachhaltig zu prägen, ohne dabei an Frische und Energie einzubüßen. Scooter polarisieren - geliebt wie geächtet, steht ihr Style doch unbestritten für das Gegenteil von Langeweile. Weit über 14 Millionen verkaufte Tonträger, über 80 Gold- und Platin-Schallplatten aus aller Welt, sowie eine Sammlung hochkarätiger Musikpreise sprechen eine klare Sprache.
Zeit für eine nähere Betrachtung dieses Phänomens:
Wir schreiben das Jahr 1994, im Underground tobt die weltumspannede Partynation sich auf unzähligen Raves und in neu entstehenden Techno-Clubs aus, während die Charts noch von eher platten Euro-Dance Produktionen und Mainstram beherrscht werden. Mit der für damalige Verhältnisse eigentlich unkommerziellen Produktion “Hyper Hyper“, stürmen Scooter scheinbar aus dem Nichts in die Charts und machen Techno über Nacht salonfähig. Acht harte Lehrjahre unter dem Namen "Celebrate The Nun", flankiert von diversen Projekten und Remixen, sollten sich jetzt auszahlen. Mit Songs wie “Move Your Ass!”, "Friends", "Endless Summer" und "Back In The UK" widerlegen sie den Eindruck, es handele sich bei Scooter nur um ein weiteres One-Hit-Wonder der frühen neunziger Jahre. “How Much Is The Fish?”, “Maria (I Like It Loud)”, “Nessaja”, “One (Always Hardcore)” und “Hello! (Good To Be Back)“, um nur einige zu nennen, markieren in den folgenden Jahren exemplarisch den Karriereweg dieser ungewöhnlichen Formation. Und so steht anerkennendes Erstaunen über die fortdauernde Bandgeschichte nicht selten am Beginn eines Interviews, gepaart mit der Frage nach dem Rezept dieses Erfolges.
"Find out, what you cannot do and then go and do it!", zitiert H.P. lapidar einen seiner Lieblingssätze, der offenkundig zum Leitmotiv der Band geworden ist. "Wenn du dir deine Neugier nicht erhalten kannst, gepaart mit einem gesunden Quantum forschender Naivität, dann kannst du eigenlich gleich aufhören, dann macht das Ganze keinen Spaß und somit auch keinen Sinn mehr. Außerdem sollte man glaubwürdig sein. Wir machen im Studio alles selbst, das honorieren die Fans." Nicht selten ist es auch Baxxters unaufhaltsamer Drang nach unkonventionellen Ansätzen, der seine Kollegen mitunter in den Wahnsinn zu treiben scheint. "Der Mann kommt manchmal mit den kaputtesten Ideen um die Ecke, und wir können dann sehen, wie man gemeinsam daraus ein Stück Musik macht", so Rick J. Jordan augenzwinkernd auf die Frage nach der Zusammenarbeit. "Aber dafür liebe ich ihn; es inspiriert ungemein, und man kann sich fest darauf verlassen, auf Substanz zu stoßen, wenn man sich nur lange genug mit seinen Einfällen auseinander setzt." Auch wenn sich seine Texte vor allem mit dem Anfeuern des Partyvolkes, siegreichen Battles mit imaginägen MC-Rivalen und dem "Scooter-Ding" als solchem auseinandersetzen, so liebt es H.P. zuweilen mit diebischer Freude, Plattitüden witternde Zeitgenossen mit literarischen Zitaten und hinter vermeintlich trivialer Wortwahl versteckten Botschaften zu verwirren („Respect to the men in the icecream van“ - eine Hommage an The KLF). Letztlich ist Baxxter das Infant Terrible, als auch der audiovisuelle Fixpunkt der Band, der Scooter in den letzten 13 Jahren unverwechselbar geprägt hat.
Keyboarder und Audio-Engineer Rick J. Jordan hingegen ist eher der ruhende Pol des Teams: "Ich versuche, das im Produktionsprozess entstehende kreative Chaos einzufangen, zu sortieren und mit eigenen Ideen darauf aufzubauen.", so Jordan über den Produktionsalltag bei Scooter. Neben den Bereichen Sounddesign und Tontechnik ist er der "Musiker" im Team. Mit über 30 jähriger Klaviererfahrung und klassisch geprägtem Musiktheorie-Wissen erweckt er auch schon mal ein virtuelles Sinfonieorchester im Rechner zum Leben und inszeniert mit Leidenschaft viele der Scooter-typischen Ausflüge in genrefremde Musikstile wie Rock, Klassik oder irisch-keltische Folklore. Als drittes, meist unsichtbares, Gründungsmitglied der Band hält Jens Thele dem Team businessmäßig Kopf und Rücken frei. Als Mastermind und Geschäftführer von KONTOR Records knüpft er international die Kontakte für Scooter und gibt in Marketingfragen visionär den Ton an. "Außerdem ist es oft unverzichtbar, wenn Jens in der Endphase einer Produktion ins Studio kommt und das vorhandene Resultat aus der Sicht des A&R-Mannes und langjährigen DJ´s beurteilt. Er ist dann wie ein Joker, der manchmal mit wirklich überraschenden Ideen und Verbesserungsvorschlägen aufwartet. Man merkt einfach, dass er sich schon sehr lange mit Musik beschäftigt", erzählt Michael Simon, der Neuzugang im Team.
Er ersetzt den Mitte 2006 ausgestiegenen Jay Frog auf der Bühne und im Studio. Michael, einer der angesagtesten House-DJ´s in Hamburg, ist für die Band und langjährige Fans kein Unbekannter: Schon 1997 tourte er mit dem Projekt "Shahin und Simon" als Support-Act mit den Jungs, er hat Remixe für Scooter gemacht und Produktionen bei Kontor Records veröffentlicht. Durch seine vielfältige musikalische Vergangenheit, die neben House, Techno und Hardtrance auch Hip Hop und R´n´B umfasst, fand Michael sich schnell ins Team ein und entwickelt sich unter anderem zur Geheimwaffe bei der Beat-Programmierung. Ausserdem treibt ihn ein unbändiges Verlangen nach den neusten Club-Releases an, das ihn mehr und mehr zum Trend-Scout der Band macht.
Live and Direct
Außer einer klar synergetisch geprägten Arbeitsweise mit druckvollem Ergebnis definieren sich Scooter vor allem über ihre Konzerte. In kaum einem anderen Bereich setzt die Band sich so konsequent über gängige Dance-Klischees hinweg, wie bei ihren Bühnenshows, einer Mischung aus Punk, Rock´n´Roll und von demonstrativem Größenwahn geprägter Selbstdarstellung. "Wir stehen einfach auf Inszenierung, auf das große Kino. Ich glaube ohne die Pyrotechnik und das ganze Blitzgewitter drumherum würde mir echt was fehlen", bekennt Jordan, "schon das Warm-Up im Backstagebereich ist zu einer festen Institution für uns geworden, das möchte ich nicht mehr missen." Mit cirka 3000 Watt aus ihrem "Ghettoblaster", einer imposanten PA-Anlage im Backstage Raum, diversen Trance- und House-Mixes und ein, zwei Longdrinks, machen sich Scooter vor jeder Show eine Stunde lang fit. Die gesamte Energie der Gruppe konzentriert sich während der Tournee auf diesen Zeitpunkt des Tages: "Meistens habe ich am Nachmittag vor einer Show ein Gefühl, als könnte ich nie im Leben wieder auf eine Bühne steigen, so k.o., fast lethargisch bin ich. Zehn Minuten vor Showbeginn renne ich dann Kreise in den Boden vor Nervosität - schliesslich weiß man nie, ob alles funktioniert - aber sobald es losgeht, gibt man einfach nur noch Vollgas. Ich hab da meinen ganz eigenen Rhythmus", erzählt der bekennende Nachtmensch Baxxter, für den jeder Promotiontermin vor 12 Uhr mittags quasi "mitten in der Nacht" stattfindet. "Das ist es, was mir an unserer Situation so gefällt: der Nervenkitzel, die Mischung aus Studioarbeit und Liveshow. Es wird einfach nie langweilig."
36 Singles, 17 Alben und kein Ende
Nur zu gerne werden Scooter mit der Frage konfrontiert, wie man es denn schafft, nach so vielen Jahren und Single- bzw. Albumreleases noch neue Ideen zu entwickeln und sich kreativ zu regenerieren. Die Antwort ist recht einfach: Arbeit, harte Arbeit! "Wir standen in der Endphase der Albumproduktion oft mehr als 12 Stunden täglich im Studio, aber ein Song braucht Zeit und viele Ideen, um zu reifen", betont Michael, der schnell gelernt hat, dass Festivals oder Promotiontermine nicht selten dem kreativen Flow im Studio entgegen stehen. "Wenn man eine zeitlang nicht im Studio gestanden hat, wegen Tour, Promo oder einfach nur Urlaub, dann überkommt einen oft das Gefühl, alles verlernt zu haben. Man fängt manchmal quasi bei Null an.", so H.P. Baxxter über die immer wieder kehrenden Hürden zu Beginn einer Produktionsphase. "Aber die Chance besteht natürlich darin, sich dadurch künstlerisch zu entwickeln, neue Wege zu beschreiten." Dass dies gelegentlich auch über Zitate aus anderen oft stilfremden Musikstücken erreicht wird, trifft nicht immer auf ungeteiltets Echo. Was im Hip Hop immer schon als Selbstverständlichkeit galt – das Samplen oder Zitieren und Integrieren von fremden Songfragmenten – Hip Hop sich sogar daraus selbst definiert, wird Bands im Techno- und Dancebereich von einigen Unverbesserlichen immer wieder vorgeworfen. Dabei hat sich die Band jederzeit zu ihrer Arbeitsweise bekannt und nie einen Hehl daraus gemacht, sich angesagter Stile und Strömungen bewußt anzunehmen, um ihre eigenen Songs damit entsprechend zu veredeln. "Streng genommen haben sich sogar klassische Koryphäen wie Karajan, Callas und Pavarotti nahezu ausschliesslich mit Interpretationen vorhandener Werke hervorgetan, was ihrer Genialität und Einzigartigkeit sicher nicht im Wege stand", erläutert Rick mit ironischem Unterton. "Oft besteht in unseren Songs ja gerade der Reiz darin, Altes mit Neuem verschmelzen zu lassen."
Jumping All Over The World
Nach dem phänomenalen Erfolg der Jumpstyle-Hymne “The Question Is What Is The Question?”, welche der Band den sagenhaften 20. Top Ten Hit ihrer Karriere bescherte, erscheint im November der mittlerweile 18. Longplayer „Jumping All Over The World“ der Hamburger Jungs. Da ein solcher Charterfolg alles andere als alltäglich ist, hat die Band sich dazu entschieden, zusätzlich eine Limited Edition zu veröffentlichen, deren Bonus CD alle Top Ten Hits enthält. Von „Hyper, Hyper“ über „How Much Is The Fish?“ bis hin zur einer bis dato unveröffentlichten Version von „The Question Is What Is The Question?“ ist auf dieser CD alles enthalten, was das Scooter Fan-Herz höher schlagen lässt. Wie es der Titel „Jumping All Over The World“ schon verrät, transportiert dieses Album den in den Benelux Ländern geprägten Jumpstyle Sound, welchen die Band nun über die gesamte Welt verbreitet. Passend hierzu reisen Scooter Mitte November zum ersten Mal Down Under, wo sie mit ihren neusten Tracks im Gepäck sicherlich nicht nur die australischen Nationaltiere zum „Jumpen“ bringen werden.
Die Band um Frontmann H.P. Baxxter überraschen eben immer wieder, was sich auch an der brandneuen, auf dem Album enthaltenden Single, „And No Matches“ erkennen lässt. Neue frische Sounds, polarisierende und literarisch einzigartige Shouts von H.P. Baxxter sowie der unverkennbare Jumpstyle Beat, machen „And No Matches“ wieder zu einer einzigartigen und unverwechselbaren Scooter Hymne. Somit wird die Band weiter Geschichte schreiben und weitere Chart-Rekorde brechen, auch wenn es nur ihre eigenen sind.
SELIG
***Festival- und Eventbooking in Kooperation mit der Marek Lieberberg Konzertagentur***
2009 verzeichnet eine veritable musikalische Sensation: Selig, eine der wichtigsten deutschsprachigen Rockbands der neunziger Jahre haben wieder zueinander gefunden! Natürlich in Originalbesetzung, denn Selig haben noch nie halbe Sachen gemacht. Mit ihrer neuen CD „Und Endlich Unendlich“ (VÖ 20. März) ist ihnen ein glückseliges, kompromissloses Album von großem, unerschrockenem und leuchtendem Moment gelungen. Das Selig-Comeback wird durch eine Tournee und ausgewählte Festivalauftritte vervollständigt. Erstmals nach ihrem Rückzug vor 10 Jahren spielt die Hamburger Band vom 18. bis 26. März wieder live in Dresden, Berlin, Hamburg, München, Köln, Wien und Zürich.
Die legendäre Formation hatte die Grunge-Ära mit Klassikern wie „Sie hat geschrien“, „Ohne dich“ und „Ist es wichtig“ bereichert. Ein Jahrzehnt Auszeit hatte den Wunsch genährt, es noch einmal auszuprobieren. Und sofort gerieten die Protagonisten in einen kreativen Rausch, den keiner so für möglich gehalten hätte. In der Tat knisterte es in ihren Venen! Und so klingen Seligs neue Lieder kraftvoller denn je. Die virtuosen Musiker nahmen Erfahrungen, die sie beim Jammen machten, in den Endsound auf. Deshalb wirkt ihre einfühlsame, fast erhabene Musik, die ihre Wurzeln im Blues- und Prog-Rock der 70er hat, so unglaublich energetisch. Ihr Credo: “Es liegt eine starke Wahrheit in dem Moment, in dem man die Erfindung macht“. Also hat man die Basics des Albums auch live eingespielt. Ganz im Sinne des Band-Mantras: „Lass uns jetzt und hier leben“ oder wie Sänger und Texter Jan Plewka es formulierte: „Die Kraft des Augenblicks zu fühlen, ist das Schönste im Leben.“
Das neue Album präsentiert Selig als hellsichtige Wanderer der Nacht; auf einer Erkundungsreise durch den Tag. Der Zuhörer soll spüren, dass sich die Wirklichkeit bewegt, wenn man sie anstößt. Die Freiräume, die sie mit ihrem „Hippie-Metal“ (Selig über Selig) beschreiten, sind nötiger denn je! Und so entwickeln die zwölf Kompositionen einen fast meditativen Sog.
Sänger Jan Plewka ist mit seinem Timbre, das an Rio Reiser und Eddie Vedder erinnert, wahrlich kein gewöhnlicher Vokalist. Er ist ein beseelter Emotionsdarsteller, der genau weiß, in welchen Farben er die Töne ausmalen muss, um Wirkung zu erzeugen. Christian Neander, der Jimi Hendrix und John Frusciante in den Fingern zu haben scheint, folgt auf der Gitarre seiner eigenen Virtuosität. So sensibilisieren Selig den Betrachter für die Magie des Augenblicks. Für Jan Plewka, Christian Neander, Leo Schmidthals (Bass), Malte Neumann (Keyboard) und Stephan „Stoppel“ Eggert (Schlagzeug) fühlt es sich so an, „als würden wir zum zweiten Mal heiraten.“ Neander: „Wie das mit Selig funktioniert, das ist einfach ein Geschenk, das man annehmen muss.“ Und Eggert: „In dieser Band ist jeder wie geschaffen für sein Instrument.“ Plewka ergänzt: „Und plötzlich war unser spezieller Sound wieder da. Und da hab ich kapiert, warum die Leute damals so ausgeflippt sind.“
Selig sind weit entfernt von weinerlichem Gejammer einerseits und Zwangsoptimismus andererseits. Nach drei erfolgreichen Alben („Selig“, 1994, „Hier“, 1995 und „Blender“, 1997) hatten sie sich aufgelöst, weil sie nicht mehr bereit waren, „dem sinnlichkeitsverschlingenden Hochgeschwindigkeitsdruck des Erfolgs nachzugeben“. Heute haben sie sich und dem Publikum mehr denn je zu sagen. Und sei es nur „um zu verstehen, dass das Leben an sich, manche Wunde aufbricht.“
STUDIO 84
Sagen wir es, wie es ist: Es gibt Paare, die versuchen ihre Beziehung mit Nachwuchs zu kitten. Andere flüchten sich in ausweglose Alkohol-Exzesse. Und es gibt solche, die versuchen mit regelmäßigen Besuchen beim Therapeuten die Lage in den Griff zu bekommen.
Alexis Crystal Clear Heffner und Michael George Heffner – das sexy Front-Couple von STUDIO 84 – verfolgen einen anderen Plan:
Nach Jahren des Streits und der Versöhnung…
Nach Jahren der Tränen und der Freude…
Nach Jahren von Liebe und Hass…
…gründeten sie ihre erste gemeinsame Band… …STUDIO 84 !
Seitdem singen sie zusammen. Nur so können es die beiden hoffnungslosen Exzentriker friedlich miteinander aushalten, wenn auch Alexis auf der Bühne gerne mal die Hand ausrutscht, wenn Michael George einer jungen Frau im Publikum zu unverhohlen Avancen macht. Hinter der Bühne mögen ihre Anwälte warten, die in jahrelangen Streitereien um Tantiemen und Alimente selbst steinreich geworden sind: auf der Bühne entfliehen die beiden dem Stress ihrer glamourösen Blitzlichtehe und versetzen sich und ihre Zuhörer zurück in die großen 80er Jahre, in denen sie sich kennen und lieben lernten. Als Reminiszenz an ihre wilde Jugend zwischen Schulterpolstern, Nietengürteln und Stu-stu-studioline haben sich Alexis, Michael George und ihre Band voll und ganz den großen Songs der 80er Jahre verschrieben. Gemeinsam mit ihrem begeisterten Publikum erleben und zelebrieren sie mit Songs wie „Dreams are my reality“, „When the rain begins to fall“ oder „Maniac“ den Soundtrack ihrer Liebe.
Egal wo das Quintett auftaucht, ihr Ziel verfolgen sie kompromißlos. Dabei treffen sie ihr Publikum mitten ins Herz - und zwar schnell, laut und verzerrt. Unterstützt durch ihre 3-köpfige Begleitband – Howie (Gitarre), Tony (Bass) und Nik (Schlagzeug) – verleiht das glamouröse Gesangs-Duo den über 20 Jahre alten Songs neues Feuer. Und so weichen die in den 80ern so beliebten Keyboard-Plastik-Sounds einer erstklassigen ROCK-Performance, die ihresgleichen sucht. Ob auf den großen Festivals der Republik, im Club oder auf einer Betriebsfeier - STUDIO 84 neben Bühne und Herzen im Sturm.
Gemäß dem Motto: „Zurück in die Zukunft – die 80er auf 180“ sprühen sie es für alle smalltownboys und -girls an jede Wand: Schickt eure Söhne und Töchter früh ins Bett, holt den alten Lederschlips und den Haarspray raus, denn wenn der lila Regen fällt, stehen STUDIO 84 vor den Toren unserer Stadt!
SUNRISE AVENUE
“Alle sagen, das zweite Album ist das schwierigste und ich hoffe wirklich, dass sie Recht haben. Die Aufnahmen vom ersten Album waren einfach, weil wir machen konnten, was wir wollten, ganz frei von jeglichen Einflüssen. Jetzt ist das anders. Da sind Erwartungen – vom Publikum, von der Plattenfirma, von den Fans, von uns selbst“, erklärt Frontmann Samu Haber und fügt hinzu: „Es ist ein Wunder, dass wir so weit gekommen sind. Ich bin mehr als glücklich über das Ergebnis und es scheint, als ob es gut war, dass wir am Ende länger für das Album gebraucht haben, als zunächst geplant.“ Nachdem Sunrise Avenue im Jahr 2008 noch rastlos getourt sind und sich erst für die zweite Hälfte des Jahres ins Studio zurückgezogen haben, um an neuen Songs zu arbeiten, konzentrierten sie sich zunächst darauf, keine Wiederholungen in ihrem Sound zuzulassen. „Es ging uns darum, diese echte Sunrise Avenue Power und den Geist im neuen Album auf ein neues Level zu heben, ohne jedoch das erste Album zu kopieren und uns zu wiederholen“, beschreibt Samu den Ansatz bei den neuen Songs von „Popgasm“. Zusammen mit dem Produzenten des Debüts, dem Finnen Jukka Backlund und dem schwedischen Macho Psycho Team (Pink, Sting, Natalie Imbruglia) schafften es Sunrise Avenue, die Herausforderungen des zweiten Albums zu meistern… und zu perfektionieren. „Es ist fantastisch, wie uns die Produzenten dabei geholfen haben, unseren Style und unsere Stärke zu bewahren, aber auf der anderen Seite neue Wege zu gehen und den Hörer mit frischen Sounds zu überraschen.“ Mit „Popgasm“ setzten Sunrise Avenue zum nächsten Erfolgszug an – und man darf zu Recht fragen: Wer soll diese Finnen schon aufhalten?
Seit ihrer Bandgründung vor knapp sieben Jahren haben Sunrise Avenue stets viel Wert darauf gelegt, vor allem auf der Bühne zu überzeugen. Sie traten zunächst in allen möglichen Bars und Clubs Finnlands auf. Das hat nicht nur die Band zusammengeschweißt, sondern auch felsenfest von der Formation überzeugte Fans motiviert – wie jenem, der sein Haus verkaufte, um gemeinsam mit ihnen eine Produktionsfirma zu gründen. Das gehört ebenso zu den unverzichtbaren Anekdoten in der Bandbiographie wie ihr berühmter Marathon durch die Musikwelt, bei dem Sunrise Avenue mit ihren ersten Demoaufnahmen über 100 Mal verschiedene Plattenfirmen und Produzenten besuchten. EMI Music Germany, die sich die europaweiten Rechte außerhalb Skandinaviens sicherte, hatte den richtigen Riecher.
Samu Haber und seine Mannen haben sich mit dem Debütalbum einen lang gehegten Traum erfüllt. Ziel erreicht, jetzt geht’s weiter. Was Sunrise Avenue alles mit „Popgasm“ im Mai auf das Publikum loslassen werden, kann dezent formuliert nur als ein weiteres Glanzstück skandinavischer Pop-Rock-Schmiedekunst bezeichnet werden: Humorvoll, emotionsgeladen, melodisch brillant, voller Energie und geradezu einladend, sich der Sunrise Avenue-Sucht mit Haut und Haaren zu ergeben… Kein Fake, sondern ein echter „Popgasm“ eben.
SUPERSUCKERS
You’ve heard our name, you’ve seen our records, our t-shirts and our stickers. We’re probably the favorite band of someone you know and yet we’re still a mystery to you. Well my friend, that’s okay, I’m here to fill you in and help you to get to know the greatest rock-n-roll band in the world, The Supersuckers.
Our story is almost impossible to believe. This band is literally a human cartoon. We all grew up among the dead-ends and cactus needles of Tucson, Arizona and have known each other since grade school. We graduated from the same high school together at the same time (a school immortalized in our song “Santa Rita High”) and we chose to play in a band together because we liked to hang out together, not because we were great musicians or anything. I truly believe that a band is defined by their limitations, that what they can’t (or won’t) do is just as important as what they can do. I guess that, in this era of pre-fabricated, put-together-to-have-a-hit bands, we’re kind of an aberration and I gotta tell ya that that makes us smile a little every day.
We formed the band in 1988 and we were initially a five piece called The Black Supersuckers (a name found in some quality “adult literature” we had laying around in our impeccably clean band house), with me on bass, Dan “Thunder” Bolton and Rontrose Heathman on guitars, Dancing Eagle on drums and a lead singer by the name of Eric Martin. After firmly proving ourselves to be the best band in town we decided it was time to get out of Tucson and try our luck somewhere else. So we tossed a coin with heads as New Orleans and tails as Seattle. Tails it was and in May of ‘89 we packed up and went north.
We had no idea that Seattle was about to become “Rock Mecca USA” we just wanted to go somewhere where we could wear our leather jackets a little more often. It was exciting and encouraging to see all of the great bands there, doing their own thing and making some kick-ass, aggressive rock-n-roll that we could relate to, so we started recording immediately. After some classic “creative differences” with our lead singer, we decided to try it as a four piece with yours truly as the singer (I was the only one who knew all the words) and The Supersuckers, as you may or may not know them today, were born.
Our first recordings as a four-piece wound up on various singles for small labels and then were compiled for a C.D. called The Songs All Sound The Same. (For the full story on these recordings I highly recommend picking up the re-issued version on our own label, Mid-Fi Recordings). But it was our live shows that caught the eyes of the good people at Sub-Pop Records and, after a particularly scorching show one night, they offered to put out our records. We said, “Buy us some beer and you got a deal!” And our long and enduring rock-n-roll ride was officially under way.
Starting with 1992,s “The Smoke Of Hell”, we released a total of three rock records for Sub-Pop as well as a country record (Must’ve Been High), split singles with Steve Earle and The Rev. Horton Heat, countless singles and a “best-of” double album. Then we ventured out into the muddy and troubled waters of the major labels where we were signed and dropped by Interscope Records before finally (crash) landing at Koch who (barely) put out another Supersuckers masterpiece, “The Evil Powers Of Rock-n-Roll” in late 1999. We’ve always toured our asses off all over the world and that has never stopped. We hit the road with bands like Mudhoney, Social Distortion, Bad Religion, The Ramones, Motorhead, The Toadies, The Butthole Surfers, The Reverend Horton Heat, The Dwarves, White Zombie and Pearl Jam. We’ve played a few Farm Aid shows and backed Willie Nelson on The Tonight Show. Our music has appeared in T.V. shows (Beverly Hills 90210, Viva La Bam, Simple Life, Road Rules Challenge, Real World, all that crap), Movies (Baseketball, Hype) and commercials (Mountain Dew) as well as countless snow and skateboarding video compilations.
Throughout this entire time, our sole mission has been to create and perform timeless, quality music and get as many people as possible to hear it. That goal has never changed. The pursuit of that perfectly imperfect rock-n-roll moment is all we’ve ever been after. We’ve been doing this for well over a decade now and we’re just getting started.
2001 found us starting our own label; Mid-Fi Recordings. We’ve finally decided to take control of all of our affairs and have become a lean, mean, self managed, totally independent rock-n-roll machine. We’ve got the greatest fans in the world and no one cares more about them and our music than we do. Having our own label gives us the freedom to make more of our music available to them without the hassles of “the middle-man” worrying about things like “marketing” or “demographics”. Hell, these are just hard words. All we want to do is get some kick-ass music out to the people and with Mid-Fi we have been able to do just that. Our first release was a live country record entitled “Must’ve Been Live”, that came out in March, 2002. Since then, we have dug into our “private reserves” and released several singles of some our finest outtake stock (a habit we intend to keep), and we’ve also managed to pull off a couple of “split” singles with fellow under-appreciated rockers, the Hangmen, Throwrag and Zeke.
In 2003 we unleashed the impeccably titled, Motherfuckers Be Trippin’, (April 22nd, 2003) on the world. It was the perfect follow up to The Evil Powers Of Rock N Roll, it spent a couple weeks on the Billboard Independent Charts and songs from it have been featured on MTV’s Real World and Viva La Bam shows as well as countless ski and snowboard videos. We even managed to work a single (Rock N Records Ain’t Selling this Year) to radio where it was #1 on the RnR Specialty Charts for 4 weeks in a row (whatever that is). We have since been able to keep the releases coming at a rate that could never be achieved with any other label. In addition to MFBT, we've released my first solo album, The Sauce, as well as a second version titled Extra Sauce which features the incredible Mickey Raphael from Willie Nelson’s band playing harmonica all over it and my second solo record, Old No. 2 in October of 2005. We've also established the Mid-Fi Field Recordings series which has seen the release of three live Supersuckers records and two live DVDs and will hopefully be the vehicle for our first release by an artist other than the Supersuckers. (Perpetually on the menu is Mid-Fi Field Recordings, Vol.? which will feature one of the last performances by the criminally under-appreciated Zen Guerrilla on New Years Eve 2002. I dare say this is perhaps the greatest live recording of all time!) In the works is a remix version of Old No. 2, as well, which will blow some minds for sure!
Then in 2006 we had the release of what was planned to be a series of Supersuckers E.Ps. with “Paid”, which was by far the best we had ever sounded up to that point. We planned on releasing it as an E.P. so that we could keep the music coming in steady bursts. We were tired of seeing these artists release full length albums with two good songs on ‘em and we wanted to be the trendsetters (once again) and show everyone a new way to get the good stuff to the peoples! We thought we'd be cranking out a few of these E.P.s and, if we had to, then we’d slap together a full length from ‘em with a few new ones thrown in as well. That’s the way they did it in the Fifties and Sixties and we thought that, with the way people are buying their music these days, it’d be the way to go again. Well, we were a little off in that thinking and that leads us to "Get It Together".
"Get It Together" is the brand-spanking new, FULL LENGTH record from the Supersuckers and it is far and away the most awesome thing we've ever recorded. Once again teaming up with the man who brought "Paid" to life, the incomparable Mr. Billy Joe Bowers, the band has never sounded so good. Faced with the somewhat anemic response to the E.P. format, the band decided to forego the idea of putting out several of them and went ahead and recorded enough songs for a full length. (Our first since 2003's, Motherfuckers Be Trippin'. Wow, has it really been that long?!?) Still including some of the "hits" from the Paid E.P., "Get It Together" features 12 solid new slabs of the hard hitting Supersuckers sound you've come to know and love as well as some new looks into our collective psyche. One of the biggest reasons the band has never sounded so good is the recent addition of Scott Churilla as the newest member of the Supersuckers family on the drums. You may or may not be aware that, since the 2004 departure of our original drummer, we’ve had a rotating cast of characters behind the drums for us. It was all very “Spinal Tap” and fun for a while but we’re so happy to have it all behind us and be able to call ourselves a first class, four-piece rock and roll band once again. You may know Scott from his 10+ years as the drummer for The Reverend Horton Heat. He’s absolutely incredible and we are way better than ever with him back there. And his skills are up front and center for all the world to hear on "Get It Together", available at the end of October, 2008!
WHEW! That’s a lot to take in and it barely scratches the surface of all that we’ve done and plan to do. So, the next time you see The Supersuckers name, whether it’s in the record store or on the marquee at your local nightclub, know that there’s some quality, honest, ass-kicking, hard working individuals in there, trying to make your life a little better through the “Evil Powers Of Rock-n-Roll” (and the occasional detour into the country of course) and we’d love nothing better than to have you there with us as we "Get It Together"! Just remember to wear you clean underwear, because we’re gonna rock your pants right off of you.
Rawkously Yours,
Eddie Spaghetti.
TAKIDA
“Bury The Lies” (Album VÖ: 04.09.09)
“Losing” (Single VÖ: 31.07.09)
“Curly Sue (head over heels) (Single VÖ: 26.02.10)
Line Up:
Robert Pettersson - vocals
Mattias Larsson - guitar
Tomas Wallin - guitar
Fredrik Pålsson - bass
Kristoffer Söderström - drums
cheesy {adj} [coll.]:
schlecht, gekünstelt, kitschig, geschmacklos, billig
Wo genau verläuft die Grenze, die die Linie zwischen coolem Hardrock und käsigen Hairbands zur Achse des Blöden macht? Wie viel musikalischer Spielraum befindet sich wirklich in dem Dreieck zwischen Nickelback, HIM und Reamonn? Seien wir ehrlich: es sind keine Welten, die sich dazwischen auftun.
Der Käsefaktor auf dem Planeten Rock wird abseits der Bühne bestimmt. Nur dort entscheidet sich, ob chorale Hooks, eingängige Melodien und treibende Grooves bei dem normalen Fan von der Straße ankommen oder auf den Konten verkokster Egomanen. Glaubwürdiger Rock gedeiht nahe am Leben, Leiden und Feiern derer, die ihn hören.
Vielleicht sind das subtile Erklärungen dafür, warum tAKIDA in ihrer Heimat Schweden innerhalb kürzester Zeit zu absoluten Shootingsstars aufsteigen konnten - ohne dass millionenschwere Budgets den Weg in die Charts breit walzen mussten. Hier sind fünf Jungs am Werk, die all ihre Aufmerksamkeit in das Schreiben guter Songs investieren statt auf Zielgruppen-optimierte Images.
Ihr erstes Demo nahmen tAKIDA kurz nach ihrer Gründung im Jahr 2000 auf, die 500er Auflage mit einer Handvoll Songs war binnen kürzester Zeit vergriffen. Der Bandname leitet sich aus dem in Schweden sehr beliebten japanischen Manga „Silver Fang“ ab, der in den frühen Achtzigern dort jedem Kind bekannt war.
Ihre Erfolge haben tAKIDA seitdem eingefahren wie ein Bauer, nicht wie ein Börsenspekulant: mit verschwitzten Händen auf dem Acker schwedischer Rockclubs. Weitere vier EPs folgten, schließlich ein eigenfinanziertes Album, das in 10.000er Auflage ebenfalls schnellstens vergriffen war.
“Wir sind wohl eine Hardrockband mit gewissen Pop-Einflüssen”, meint der Gitarrist Tomas Wallin. “Dieses breit definierte Genre kann völlig peinliche Bands hervorbringen, aber eben auch Acts wie Judas Priest und Iron Maiden, mit denen die meisten von uns aufgewachsen sind”.
tAKIDAs Single "Losing" enterte die schwedischen Charts 2006 direkt auf Platz zwei und hielt sich wochenlang in den nationalen Top Ten. Das dazugehörige Album „Make You Breathe“ wurde ein riesiger Erfolg und schließlich das am meisten verkaufte Rock-Album des Jahres 2006 in Schweden.
2007 folgt „Bury The Lies“, dessen Songmaterial unter ungeheurem Erfolgsdruck in nur zwei Wochen geschrieben wird. „Wir haben damals zwei wichtige Dinge gelernt“, erinnert sich Tomas „Erstens dass wir auch unter diesen Umständen sehr gut arbeiten können. Und zweitens, dass wir selbst in stressigen Zeiten nicht die Nerven verlieren und normal miteinander umgehen können.“
“Bury The Lies” inzwischen mit Platin ausgezeichnet setzt sogar noch einen drauf, denn sowohl das Album als auch die Single „Curly Sue“ schossen auf Platz eins der schwedischen Charts. Die Single hielt sich zudem zehn Wochen an der Spitze der nationalen Radio-Charts und war 2008 der meistgespielte Radiosong - kein Wunder, dass die Band für zwei Grammys nominiert wurde.
„Ganz sicher sind es die Songs wie ‚Losing’ oder die Ballade ‚Curly Sue’, die uns anfangs die Türen öffnen. Viele Leute sind dann aber überrascht, wenn sie das ganze Album hören. Insgesamt betrachtet klingen wir viel härter“, meint Tomas.
Das spiegele sich auch bei den zahlreichen Liveshows, die die Skandinavier europaweit spielen: „Da stehen dann junge Girls, die uns aus dem Radio kennen neben Meshuggah-Fans und Altrockern, die wohl schon seit den Sechzigern dabei sind. Wir scheinen wirklich alle Altersstufen anzusprechen“, so der Gitarrist nicht ohne Stolz.
Mit etwas Verspätung überollt „Bury The Lies“ nun auch Deutschland mit hitverdächtigem, solidem Rock, der in vielen Momenten an die Trademarks von Veteranen wie Iron Maiden, Judas Priest oder Queen erinnert.
„Wir sind bodenständige Typen und hatten vor dem Erfolg mit tAKIDA ganz normale Jobs als Bauhelfer, Bürosklaven oder Dauerstudenten. Äußerlich werden wir uns da auch kaum ändern, egal wie viele Verkäufe oder Paparazzi zukünftig unseren Weg kreuzen“, lacht Tomas.
Zero cheese eben.
THUNDER
Thunder will enter their 20th anniversary year with a new album. “Bang!” their 9th studio LP is released on the 3rd of November on their own STC Recordings label (distributed via Universal). The band will tour the UK in November to support the new release, and Europe and Japan will follow in 2009. In a never ending quest for new recording experiences, the band decided not to return to Spain, where they recorded their last LP (Robert Johnson’s Tombstone), instead opting for a seriously old castle in the west of England. Like you do… Danny Bowes says “We’ve known Marge the owner for years, and always felt her castle would make a great studio, but it was only last year that we decided to see if we were right. She loved the idea, so we dipped a toe in the water by shipping our recording kit down there for a few days, just to try it out with some guitar overdubs and percussion. It was perfect, with 2 foot thick stone walls, and loads of different rooms to choose from, everything sounded brilliant. It was a no brainer, we had do the whole album there, so we invaded the place, recorded 20 + songs, and stayed for 3 months. Marge loved it, and she got on the record too!” Luke Morley says “We’ve always made our best albums in a rural, English setting so Walton Castle was the perfect location for us. We had cables and wires running everywhere but it was definitely worth it, as it’s the best sounding album we’ve ever made. I knew we had a great batch of songs so it was a question of giving ourselves the best possible circumstances to bring them all to fruition, and we definitely function better when we’re having fun. We moved in, set up our studio, frightened the local wildlife and befriended the local landlords (who were inconsolable when we moved out), as were the better looking sheep in the neighbouring field, well that’s what Harry said anyway...” The resulting record is a great collection of songs, assembled and delivered in the way only Thunder know how. Several are surely destined to become future Thunder classics.
Formed at the turn of 1989, Thunder have enjoyed an eventful 20 year career that has thankfully witnessed more highs than lows. The release of “Bang!” finds the quintet on a very remarkable high, and still very much masters of their own destiny. Having met in 1971 when they were 11, Danny and Luke have been playing in bands together since they were 15, so they knew exactly what they were going for in 1988 when they began working with Andy Taylor (Duran Duran) as producer. Harry James occupied the drum stool, and despite being the engineer on the early sessions, Ben Matthews swiftly joined to play guitar and keyboards. Showcases were done, Mark “Snake” Luckhurst was recruited to play bass, and a record deal was inked with EMI. The first show was in front of a mere 35 punters at a gig in Southend in July 1989. They did a further 6 shows before the band entered the studio with Taylor and engineer Mike Fraser (Bryan Adams, Aerosmith etc) to cut their first magnificent offering in the shapely form of debut album 'Backstreet Symphony'. Curiously, at least 500 people have subsequently claimed to have been at that first gig in Southend.. More touring followed, including two dates at the NEC in Birmingham opening for Aerosmith, and the band's fondness for the road would only increase their popularity. Luke “In our previous band Terraplane, we never got any support from radio and TV, so with Thunder we just assumed the worst. We just decided to get out there and play. We knew our ability to play live would make us friends, and if we only played to ten people we felt confident that those ten people would tell their mates and another ten would be along to the next gig. We grafted, and we enjoyed it, and it worked! We went from a pub in Shepherd's Bush to headlining three sold out nights at Hammersmith Odeon within fifteen months. I’m very proud of that” Thunder would play bigger venues than Hammersmith on the back of their debut album. Following European dates opening for Heart earlier that year, Thunder, not for the last time in their career, would play the 'Monsters Of Rock' event at Donington Park in August 1990. 'Kerrang', 'Raw' and 'Metal Hammer', the three leading UK rock magazines at the time, deservedly voted them the best new band of the year. “Big outdoor shows suit us,” opines Morley. “Whether it’s Donington or Wembley Stadium with Bon Jovi in 1995, we do these kinds of shows very well. We're a very natural, festival band. Perhaps that's because we encourage people to enjoy themselves?” Thunder's fondness for hard graft and a good laugh into the bargain turned them into one of the most visible and popular British rock acts of the 90s. By the time the Taylor/Morley produced second album, 'Laughing On Judgement Day' was released in August 1992 (held off the Number One spot in the UK's album chart only by a Kylie Minogue greatest hits package) the quintet had worked extremely hard out on the road. Not only had they made inroads into Scandinavia, and South America, they had also appeared at the Milton Keynes Bowl alongside ZZ Top, experienced the delights of New Year's Eve in Tokyo on a bill with Metallica, Europe and Tesla and, to perhaps top it all, made a triumphant return to the Donington stage as guests of Iron Maiden. However, the tour to support 'Laughing On Judgement Day' (which included headlining dates in the UK and a European tour supporting Extreme) proved a step too far for bassist Snake. He quit after the Japanese tour at the end of 1992. Snake's immediate replacement was ex Great King Rat man Mikael Höglund, and with the Swede in tow Thunder toured Canada in early 1993, before returning to Europe for more headlining shows and an appearance on the bill at Don Valley Stadium in Sheffield headlined by Def Leppard. Third album 'Behind Closed Doors' was recorded in the US with Mike Fraser producing, and was released in January 1995, after another year-end UK tour. Thunder spent the summer touring throughout the UK and Europe playing on bills with Bon Jovi and Van Halen, including gigs at Cardiff Arms Park, Wembley Stadium and Feyenoord Stadium in Rotterdam. They also headlined the Bulldog Bash that year before venturing to Japan once more. However, the album was released during a particularly grim period for bands like Thunder. Grunge had hit in a big way. Staring at your shoes was in. Singing songs about dirty love was not…. Luke “I don't think we were particularly affected by Grunge in terms of musical influence. Although there was some great music that came out of that period - Alice In Chains and Soundgarden spring to mind - the problem was that America, in particular, was sold on Grunge to the detriment of everything else. It definitely hurt us, but not just us of course” Thunder gritted their teeth and carried on. Despite the departure of Mikael Höglund due to family pressures, they recorded and released 'The Thrill Of It All' through new label Castle in February 1997. By this time, former Then Jericho bassist Chris Childs had been added to the ranks. That year found them playing throughout Europe and also putting in an appearance at Finsbury Park in London on a bill headlined by Kiss. Surprisingly, eight months after the release of the next studio album, 'Giving The Game Away', in 1998, Thunder announced a split due to “outside business forces”, going out in typical style with a series of farewell shows, climaxing with two gigs at Dingwalls in Camden on May 4 and 5 2000. Danny “We’d been at it solidly for eleven years, we were still doing great touring business and we were solid as a unit, but we felt frustrated. There didn't seem to be any chance for us to connect with new punters. Our label seemed content to sell reasonable numbers of records then shut up shop and count the money. We felt a bit like hamsters in the wheel. We weren't going forwards. In the end I told the band I wanted to stop, and I suggested they get another singer. They didn’t want to continue without me, so, with heavy hearts, we announced the split” We thought it was all over….. Not so. Like the proverbial bad penny, Thunder returned in 2002. While Danny pursued other activities within the music business or, as he describes it, a “varying portfolio of interests” (i.e. managing a band, record label consultant and video and tour production), Luke recorded a solo album ('El Gringo Retro'). Meanwhile, Ben got back into his earlier role as a recording engineer, Harry joined Magnum, and Chris returned to session work. Having been offered a deal to make a different kind of record, it wasn't long before Luke and Danny teamed up again in Bowes & Morley, a musical vehicle that has so far produced two albums.
So, why reform? Let Danny explain…. “I had the idea to put 'Monsters Of Rock' into arenas and make it a tour. I took the concept to Live Nation. I convinced them it was a workable thing to do, thinking that my role would be behind the scenes, and just walking around telling people what to do! They had other ideas, and felt Thunder should reform and be on the bill. I wasn't sure, but I took it back to the guys, who basically bit my arm off! Luke wanted to do a record straight away, but I knew it would get out of hand, and I wasn’t ready to jump straight back into the fire, so we compromised with an EP to start with. When the news got out, we were offered record deals, but the internet had arrived in abig way, and we felt we knew enough about the record business to form and run our own label. I also felt we needed to get a proper distribution deal before doing a full blown LP. I wasn't really interested in sitting at home licking labels, though for a while I did...” Luke “The thing is, we never fell out, we’d all remained good friends. When the offer for the 'Monsters Of Rock' tour came in, we went for it. We felt that at the very least we'd have a laugh and enjoy ourselves. After that we’d have to see if there was any goodwill out there for us. We seriously underestimated the goodwill.. The records and DVDs we’ve released since then have sold really well, so it appears we made the right move, and the best bit is we’re doing it all on our own terms.” 2nd September 2008
Sharon Chevin @ The Publicity Connection Tel: (020) 8450 8882 Fax: (020) 8208 4219
e-mail: sharon@thepublicityconnection.com
website: www.thepublicityconnection.com www.thunderonline.com
VONDA SHEPARD
TAKES A SOULFUL JOURNEY
FROM THE SUN
HER FIRST NEW STUDIO ALBUM IN FIVE YEARS
AVAILABLE November 14th
On PanShot Records
Los Angeles, CA/Hamburg, Germany (October, 2008) --- On her first studio album in five years, singer/songwriter Vonda Shepard creates a modern-day sould gem with From the Sun. Due in stores on September 16th, the album basks in Shepard’s warm and intoxicating vocals, reflecting Entertainment Weekly’s proclamation that „The singer/songwriter genre doesn’t get any better than this.“ The Hollywood Reporter marveled, „her soul-baring confessionals are tempered by flashes of wit and whimsy along with a hook or two and often bittersweet underpinnings.“ Produced by Mitchell Froom (Elvis Costello, Randy Newman, Bonnie Raitt), From The Sun features guitarist James Ralston (Tina Turner, The Del Fuegos), bassist Jim Hanson (Johnny Cash, Rodney Crowell, Bruce Springsteen), and drummer Matt Chamberlain (David Bowie, Tori Amos, John Mayer), as well as mixer/engineer David Boucher (Daniel Powter, Indigo Girls, Andrew Bird).
In a Hollywood moment that was years in the making, Vonda caught the ear of television producer David E. Kelley one night during a performance, who became such a fan that he placed her in his hit television show, Ally McBeal. A rare opportunity for a singer/songwriter, Vonda won a pair of Emmy Awards for her smoldering musical performances as the resident chanteuse at the lead character’s favorite watering hole. An added bonus was the partnership that the show had with music. One of the first television shows to make music an important part of the storyline, Vonda became a household name overnight, selling 12 million albums along the way. She also picked up two Golden Globes, two Screen Actor’ Guild awards, and a Billboard award for selling the most TV soundtrack records in history.
Shepard began her career by playing Los Angeles-area clubs when only 14, touring with Rickie Lee Jones and Al Jarreau in her early 20s and landing in the Top 10 with the single „Can’t We Try“ when only 25. She has released six studio albums, a live album, concert DVD and four soundtracks for Ally McBeal. In addition to her performances on the show, Shepard was music producer and has continued to work with Ally creator David E. Kelley on his other productions. Most recently, Shepard released Live: A Retrospective in 2004. The concert CD/DVD set included live performances and interviews with Jackson Browne, the Indigo Girls, Al Jarreau and others.
WE ARE WOLVES
"...Another reason [to like We Are Wolves] is that music isn't as one-trick retro as it might seem at first. While a certain archness is built into any new analog electropop, We Are Wolves makes it not just a joke, but a good sweaty joke. "
- The New York Times by Jon Pareles
"Their sophomore album, Total Magique, is rife with sinister, buzzing keyboards, vicious guitars and stomping, danceable rhythms. And though they have an obvious kraut-punk sensibility, they tear down everything measured and precise about the genre, playing with thrilling, brutal abandon."
- CMJ.com by Rebecca Raber
"...At Once wild ad rigid, the group comes off like a revolved Devo or a maniacal, testosterone-juiced Le Tigre"
- Time Out New York by Cristina Black
"This Montreal band mixes skin-grafting noise riffs and scuzzy electro beats (...) somewhat amusing Suicide-meets-Stooges"
- Spin Magazine
"... They proved they're more than just a gimmick. Musically and visually, they represent one of the best live products Montreal has to offer"
- Chart Attack by Erik Leijon
"Digital punk from Canada's most exiting band."
-NME
www.wearewolves.net
www.myspace.com/wearewolvesnoussommesloups
www.daretocarerecords.com
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