BLIND
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BLIND
>Wir versuchen nicht, amerikanisch zu klingen. Wir wollen nur vermeiden, typisch deutsch zu klingen.<
Dieses Statement von Gitarrist und Bandleader Fabian Zimmermann ist symptomatisch. Die 2002 in dieser Besetzung gegründete Band Blind verfolgt konsequent ihre Vision. Dabei geht die aus Koblenz stammende Band nicht immer den einfachsten Weg - sie geht ihren eigenen! Es war immer klar: Beim ersten Album muß alles stimmen, ohne Rücksicht auf Verluste, vielleicht bekommt man diese Chance nur einmal im Leben.
So lehnten BLIND immer wieder Vertragsangebote ab und wechselten bereits im Demo-Stadium mehrere Produzenten, weil diese nicht den nötigen Einsatz zeigten. „Wir haben einen geradezu sportlichen Ehrgeiz", lacht Fabian. „Warum sollen wir uns mit nur neunzig Prozent zufrieden geben? Höher, schneller, weiter!" Der Faktor Zeit war sekundär. Statt rasch mit einem Schnellschuss zu debütieren, nahm sich das Quartett bewusst viel Muße, um seine Identität zu entwickeln und an seinen Songs zu feilen. Diese Geduld wurde belohnt, denn über die Jahre hinweg entstand auf ganz natürliche Weise ein vielseitiger und eigenständiger Stil in der Schnittmenge von Power-Pop, Alternative-Rock und Modern-Metal. Dabei zählt jedes Detail. „Wir sind bessene Soundbastler und Songwriter" so Frontmann Steve, „wir probieren alles aus, experimentieren mit den verrücktesten Kombinationen unserer Instrumente, reissen alles auseinander und setzen es wieder neu zusammen. Das dauert, da bleibt viel auf der Strecke, aber was übrigbleibt, ist dann hundertprozent. Es ist ein bißchen so, wie wenn eine Autofirma einen neuen Prototypen testet: Mehrere Jahre Belastung werden in wenigen Tagen simuliert. Das Material, was das überlebt, kann dann raus auf die Strasse". Die „Testfahrten" für ihre Songs führten die Gruppe in den letzten Jahren einmal quer durch die Republik, „wo eine Steckdose war, haben wir unser Zeug aufgebaut und geschaut, dass wir die Leute mit unseren Songs gekriegt haben. Was gezündet hat, haben wir behalten. Der Rest: Weg. Nochmal machen". Fast nebenbei sind Blind in diesen Wanderjahren durch die Clubs zu einem Brocken von Liveband zusammengewachsen. Der explosive Ehrgeiz, den die vier Jungs beim Schreiben ihrer Musik an den Tag legen, detoniert live auf spektakuläre Weise. „Ich will den Leuten ins Gesicht springen. Mit meiner Musik und auch physisch" lacht Sänger Steve, dessen Hochleistungsperformace ein Eckpfeiler der Konzerte ist. „Wir wollen auf der Bühne abgehen, die Leute sollen sich live ebenso wie wir in der Musik verlieren".
Dieses aufwändige und ausdauernde Feintuning hat sich gelohnt, denn BLIND klingen sowohl auf der Bühne als auch auf CD schlicht umwerfend. Ihr selbstbetiteltes Albumdebut reflektiert die intensive Energie der Band und tönt kraftvoll bis zum Anschlag, ohne dabei unnatürlich aufgeblasen zu klingen.
Das ist nicht zuletzt auch ein Verdienst von Produzent Vincent Sorg, der die Herausforderung der Band annahm, ihre aussergewöhnliche musikalische Vision in eine passende Form zu gießen. Das Ergebnis spricht für sich. So erfüllen Hits wie die mitreißenden Hymnen „Today I Break Loose", „These Are the Days" und „You", der alternative Ohrwurm „People", der dynamische Vollgas-Rocker „Break Away" oder die herzergreifend gesungene Piano-Ballade „Every You, Every Me" locker den oft bemühten „internationalen Standard".
Wer ein Faible hat für gut gemachte Songs, auf kraftvolle, moderne Rockmusik und eine Live-Band steht, bei der die Fetzen fliegen, der kann sich freuen, dass mit BLIND eine Band in den Startlöchern steht, die in allen Bereichen Höchstleistungen abliefert.
DARIN
VÖ: 28. September 2007
Was ihm in Schweden 2005 gelang, setzt er nun in Deutschland fort. 2005 sorgte Darin mit der Auskopplung seiner Debütsingle „Money For Nothing" für einen Ausnahmezustand in seiner Heimat. Der damals 18jährige wurde über Nacht zum absoluten Superstar! Jetzt, im Spätsommer 2007 sorgte sein Deutschlanddebüt - die Singleauskopplung „Insanity" - dafür, dass auch hierzulande begeisterte Fans versuchen, die Bühne stürmen! Nach dem erfolgreichen Start gibt es seit dem 28. September 2007 endlich auch das Album „BREAK THE NEWS" des schwedischen Shootingstars in Deutschland. Das Album ist ein perfekter Mix aus Balladen und coolen, modernen Beats, die alle Darin's Handschrift tragen. „BREAK THE NEWS" steht für die Wandlungsfähigkeit des Künstlers. Jeder Track dieser unglaublichen Produktion zeigt eine andere Facette des Songwriters, Sängers und Performers.
„BREAK THE NEWS" - hier Darin's erstes Album - ist in Schweden bereits sein drittes. Dennoch fühlt es sich für Darin oft an, wie „das erste richtige!" Darin: „Es ist das Album, das ich immer machen wollte. Es ist das Album, das mich am meisten zeigt. Ich hatte richtig viel Zeit, dieses Album aufzunehmen. Ich konnte mein eigenes Zeug machen - ohne Einschränkungen. Ich konnte experimentieren, austauschen, ändern und verwerfen. Ich durfte mit Produzenten wie Max Martin, der mit all meinen Idolen gearbeitet hat, und Red One arbeiten. So konnte ich meinen eigenen Sound kreieren - ich wollte immer etwas Neues, Frisches kreieren. Dieses Album ist moderner Pop, es hat viele modernere Sounds und Beats und viel mehr Attitüde! Ich wollte, dass dies jeder hört, dass sich das rum spricht." Genau das verbirgt sich also hinter dem Albumtitel „BREAK THE NEWS": Schaut her! Das bin ich! Das ist mein Sound! Erzählt jedem davon!
Der Schwede spielt mit unterschiedlichen Musikstilen und Sounds, ohne dabei sein Genre zu verlassen. In Schweden erntete Darin dafür die Vergleiche mit Justin Timberlake und Michael Jackson. Seine Songs beschäftigen sich mit allem, was um ihn herum passiert. Kurz: Die gesamte Gefühlspalette: von Glück, Trauer, Wut, Coolness, Verzweiflung bis hin zur Partylaune - immer gehüllt in den passenden Klangmantel. So handelt die Ballade „Everything But The Girl" von jemandem der alles hat, nur die große Liebe nicht. „Homeless", ebenfalls eine Ballade, beschreibt die große Leere nach einer Trennung. Ein Song, den Darin besonders liebt, weil er so tief geht und er seiner Stimme alles abfordert. „Like No One" handelt von den Freunden, die einfach immer für einen da sind. Der coole und freche Track „Everything You're Not" ist all denen gewidmet, die vor Neid ersticken. „Desire", einer von Darin's Lieblingssongs, und „If You Wanna" sind Clubhits. Auf „BREAK THE NEWS" befinden sich aber auch zwei Songs von Darin's zweiten Album „DARIN". Sein „bisher größter Hit", wie er selbst sagt, „Step Up" (der übrigens von US 5 gecovert und als „In The Club" veröffentlich wurde) und „Who's That Girl".
Feedback beim Songschreiben holt sich Darin in der Familie - bei seinen Eltern. Vater und Mutter, selber Sänger, die allerdings nie die Chance hatten, ihre Leidenschaft zum Beruf zu machen, sind Darin's strengste Kritiker. Darin: „Wenn ich einen Song fertig habe, dann gehe ich zu ihnen und frage nach ihrer Meinung. Wenn er ihnen nicht gefällt, wird er überarbeitet. So war es zum Beispiel bei „Desire", da habe ich noch mal den Beat geändert und hatte nachher einen neuen Song." Ist ein Song aber erst mal im Kasten, dann wird nicht mehr dran gerüttelt: „Man muss mit dem zufrieden sein, was man getan hat. Man kann nicht ständig zurück schauen und sagen: Oh, das hätte ich besser nicht gemacht. Man muss nach Vorne blicken, darauf aufbauen, und immer dein Bestes geben. Es wäre zu hart, wenn du immer nur darüber nachdenkst, was du nicht gemacht hast."
Fragt man den Vollblut-Künstler, der sich ebenso um das Skript für seine Musikvideos, um die Bühnenperformances wie auch um den Look seiner Tänzer kümmert, nach seinem Erfolgsrezept, antwortet er fast verlegen: „Nun, ich denke zum einen liegt es an der Musik und zum anderen versuche ich immer ich selbst zu sein. Darin: „Ich bin Musiker und liebe, was ich tue. Grundsätzlich bin ich glücklich und mag es, Spaß zu haben. Ich habe keine Angst mich zu verstecken. Ich finde es anstrengender, ständig in eine Rolle zu schlüpfen, als einfach ich selbst zu sein. Viele Leute versuchen ein Image darzustellen, immer cool zu sein. So bin ich nicht. Außerdem versuche ich jeden so zu behandeln, wie ich selbst behandelt werden möchte. Und gleichzeitig möchte ich allen vermitteln: habt Spaß!"
Dabei glauben manche Leute beobachtet zu haben, dass es mindestens zwei Darin's gibt: Den einen etwas ruhigeren, fast introvertierten Darin neben der Bühne und den anderen, wilden, explodierenden Darin auf der Bühne! „Das sagen mir immer alle", sagt er lachend, „Darin privat und Darin auf der Bühne scheinen zwei völlig unterschiedliche Persönlichkeiten zu sein, obwohl sich das für mich immer gleich anfühlt. Klar, bevor ich auf die Bühne gehe habe ich Schmetterlinge im Bauch, bin nervös, will nur noch da raus. Und sobald ich auf der Bühne bist, tauche ich in eine total andere Welt. Alles was in mir ist kannst ich einfach rauslassen! Ich lass dann einfach los und bin zu 100% Musiker!" Dass dies auch bei den deutschen Fans großartig ankommt, davon konnte sich Darin im September live überzeugen. Beim Dome in Hamburg, seinem Showcase in Köln und einem Auftritt in Flensburg herrschte bei den Fans pure Hysterie! „Das war wirklich toll. Ich liebe das und es zeigt mir, dass ich auf dem richtigen Weg bin", so Darin.
Im Herbst und Winter will er noch einige Male nach Deutschland kommen, eine Tour durch Deutschland wäre sein Traum. Seine Mission ist klar: „BREAK THE NEWS" - Deutschland ist bereit!
DARIN - FACTS
Geb. am: 2. Juni 1987
In: Vällingby /Stockholm
Größe: 1,75 m
Haare / Augen: braun
Geschwister: Schwester Rosa (drei Jahre älter)
Sprachen: Schwedisch, Englisch und Kurdiska (Sorain)
Darin's Geschichte beginnt, als er drei Jahre alt ist, damals fing er an, zu den Videos von Madonna und Michael Jackson zu singen und zu tanzen. Sie legten den Grundstein für die Musik, die Darin einmal machen wollte. Darin's Eltern, selbst musikalisch ambitioniert, erkannten das Talent ihres Sohnes und schickten in auf eine Musikschule. Hier lernte er Klavier und klassischen Gesang. Mit 16 schrieb Darin seinen ersten Song. Nach seinem großen Durchbruch 2005 brach Darin in der 12. Klasse die Schule ab - für seinen Abschluss fehlt ihm nur noch eine Prüfung - die in Musik!
Durchbruch 2005 mit „Money For Nothing"
2005 veröffentlicht Darin zwei Alben - sein Debüt „The Anthem" und „Darin"
seit 2005: Drei ausverkaufte Tourneen in Schweden
November 2006 „Break The News"
Deutschland
03. August 2007 „Insanity"
28. September 2007 „Break The News"
DELAIN
Lucidity heißt nun das eindrucksvolle Debüt Album von Delain. Martijn Westerholt verpflichtete hierfür einige extrem talentierte Musiker wie zum Beispiel der finnische Bassist Marko Hielata (Nightwish, Tarot), der Gitarrist Jan Yrlund (ex-Lacrimosa) und die norwegisch-deutsche Sängerin Liv Kristine (ex-Theater of Tragedy, Leaves` Eyes). Außerdem waren einige renommierte niederländische Musiker in das Projekt eingebunden: Sängerin Sharon den Adel (Within Temptation), Gitarist Ad Sluyter (Epica), Drummer Ariën van Weezenbeek (God Dethroned), sowie Sänger George Oosthoek und Gitarrist Guus Eikens (ex-Orphanage). Aber Delain gibt auch neuen Talenten eine Chance: die junge und relative unbekannte Sängerin Charlotte Wessels (ex-To Elysium) steuerte die meisten Vocals zum Album bei und bildet neben Martijn, der die meisten Songs schrieb, das Herzstück der Band. Ihre charakteristische Stimme verleiht Delain eine eigene Identität, da sie aus der Masse der hohen, opernartigen Stimmen, die so typisch für das Gothic-Genre sind, heraus sticht.
Delain ist aufgrund ihres projektartigen Charakters eine außergewöhnliche Band. Die vielen Musiker und Sänger auf Lucidity haben alle ihre musikalischen Spuren hinterlassen: „I wanted to encourage interaction between the different musicians," sagt Projektleiter Martijn. Aber trotz seiner leitenden Funktion ließ er reichlich Raum für persönliche Beiträge seiner Mitmusiker. „I think it's important to create a positive vibe in the studio. Although I had a final say with regard to the overall sound, I made sure my ego didn't get in the way of the best final result."
Lucidity beinhaltet auch einige interessante Duette: Liv Kristine ist zusammen mit Marko Hielata bei „Day For Ghosts" und mit Charlotte bei „See Me In Shadows" zu hören. Sharon den Adels unverwechselbare Stimme ist ein großartiger Gegenpart zu Markos starken Vocals bei „No Compliance", während die tiefe Stimme von George Oosthoek sehr gut mit Charlottes friedlicher Stimme harmoniert.
Trotz, oder vielleicht gerade wegen, der musikalischen und stimmlichen Mannigfaltigkeit des Albums bilden die Songs eine ansprechende Einheit. Musikalisch charakteristisch für Delain sind markante Keyboards, bombastische Chöre und Tempiwechsel, gepaart mit schweren Gitarren, ultra-tighten Drums und großartigen Melodien. „I love beautiful, melancholic and powerful, even euphoric, music. But most important for me is the vibe of a song," erklärt Martijn.
Im Juli 2005 unterschrieben Delain bereits einen Vertrag bei Roadrunner Records und kurz darauf startete die Produktion des Albums in Deutschland, Finnland, Schweden und den Niederlanden mit Oliver Phillips und Martijn selbst an den Reglern, während Stefan Helleblad (Opeth, Rammstein und Dark Funeral) das finale Mixing vornahm.
Lucidity wurde bereits im September 2006 in Benelux veröffentlicht und stieg in die niederländischen Album Top 100 auf Platz 43 ein, was außergewöhnlich für einen Metal-Act ist. Zusätzlich hagelte es großartige Reviews. Zur ersten Single „Frozen" drehte die Band ein wunderschönes Video in Deutschland. Dieses Lied vereinigt alle Bestandteile, die Delain ausmachen: einen eingängigen Refrain, schwere Riffs, ein Gitarrensolo und einen Chor, kombiniert mit heiteren und melodischen Breaks.
Mittlerweile hat sich das Projekt Delain zu einer soliden Band entwickelt. Bei den kommenden Live-Shows werden die Gründer Martijn und Charlotte auf der Bühne von Ronald Landa (Gitarren, Grunts/Vocals), Ray van Lente (Gitarren), Rob van der Loo (Bass) and Sander Zoer (Drums) unterstützt. Es ist auch geplant, das zweite Studioalbum mit diesem Line-Up zu komponieren und aufzunehmen. Martijn: „We'll continue to work with guest musicians, though, because it's refreshing to work with new people."
2007 verspricht ein hektisches und aufregendes Jahr für Delain zu werden: Im Frühjahr wird Lucidity in Deutschland und Frankreich veröffentlicht. Die Band wird eine ausgedehnte Clubtour spielen und in Deutschland auch einige Gigs im Vorprogramm von Within Temptation absolvieren; zusätzlich haben einige große Festivals Interesse an Delain gezeigt. Der Band wurde unlängst der Essent Award verliehen, ein großer Musikpreis in den Niederlanden, der ihnen viel öffentliche und finanzielle Zuwendung einbrachte. „Winning this award is not only a great compliment, it is a form of recognition and a major encouragement for us," sagt Martijn. "It's so cool to put this on our resume only six weeks after the album was released."
EISBRECHER
Obwohl Frontmann Alexx Wesselsky und Sound-Engineer Noel Pix eigentlich gerade noch dem dritten Silberling aus dem Hause Eisbrecher den letzten Feinschliff verpassen, stehen die Zeichen schon wieder auf Bühnen-Sturm. Die Planungen für die „Sünder Tour 2008“ im September sind abgeschlossen!
Das dritte Eisbrecher-Album „SÜNDE“ wird im August 2008 das Licht der Welt erblicken und Alexx und Noel versprechen ihren Fans für den Hochsommer einen düster-bunten Reigen dunkelrockender Eisperlen: Album III wird in jeder Hinsicht das mit Abstand härteste und finsterste Album der Band - getreu dem Motto: Filigran-brachial! Hart aber herzlich!
Ehe es im September mit dem Tourbus quer durch deutsche Lande, Österreich und die Schweiz geht, werden Eisbrecher noch einige der wichtigsten Szene-Festivals in Grund und Boden rocken: so z.B. das „Zitarock“ in Berlin, das „RockHarz-Festival“, das „Amphi“- und das „Mera-Luna-Festival“.
I. "Und es wurde kalt!"
Das Projekt Eisbrecher wurde in einer lauen Sommernacht im Jahre 2002 von Alexx Wesselsky (Text/Gesang) und Noel Pix (Komposition/Keybords, Gitarre, Programmierung) in Angriff genommen; beide waren schon vor Eisbrecher mit der Rock-Formation Megaherz sowohl im deutschsprachigen Raum, als auch im Ausland (v. a. in den USA) erfolgreich.
Die Lust auf etwas Neues, auf harte Musik jenseits gängiger Metal-Klischees, hatte Alex und Noel nach ihrer Megaherz-Kampfzeit wieder zusammengebracht. Der charismatische, impulsiv-querköpfige 2-Meter-Provokateur Alexx und das sensible, superdisziplinierte, charmant-freche Musik-Genie Noel Pix haben sich gegenseitig in alle Einzelteile zerlegt und wieder zusammengebaut, haben sich gefetzt, gemieden und vertragen. Das Ergebnis dieses Prozesses heißt Eisbrecher.
Die Musik von Eisbrecher ist moderner, elektronischer Rock: emotional, ehrlich und direkt! Die Elektronik bildet die Basis, von welcher aus Alex und Noel je nach Thematik härtere oder sanftere Töne anschlagen. Das Programming ist das Herzstück der Vision, die Eisbrecher von modernem Rock haben: interessante Songs, modern verpackt und tanzbar. Diesen Kurs behalten Eisbrecher auch mit ihrer dritten Scheibe im Jahr 2008 bei. In ihren Texten begeben sich Eisbrecher auf eine Reise durch individuelle und zwischenmenschliche Gefühlszustände in einer kälter werdenden Welt. Es geht um das Ich und Du als Wir im Hier und Jetzt und um das, was man daraus macht.
II. "Und es blieb kalt!"
Nach den beiden Club-Singles „Mein Blut“ und „Fanatica“ (beide 2003) erschien im Januar 2004 das erfolgreiche Debut-Album „Eisbrecher“ (Zyx Music), welches sich bis dato weltweit über 20.000 mal verkaufte. Für einige Furore sorgte die gewagte Aktion, dem verzweifelten und stigmatisierenden Kopierschutz-Trend der Tonträgerhersteller gegenzusteuern, indem der Erstauflage des Albums 2 bedruckte Rohlinge für die legale Privatkopie beigelegt wurden. Der Album-Track „Schwarze Witwe“ avancierte zu einem Club-Dauerbrenner und erfreut bis heute die Tanzherzen der Rocker und Gothen gleichermassen.
Im Frühjahr 2004 absolvierten Eisbrecher ihre erste Headliner-Tour in Deutschland und Österreich, gefolgt von diversen Festivalauftritten (u.a. „13. Wave Gotik Treffen“ in Leipzig, „Deep Impact Festival“ in München, „Campus Invasion Uni-Paderborn“, „Biker Festival Schleiz“) und einzelnen Support-Shows in 2005 (u.a. „In Extremo“, „Das Ich“).
III. "Eiskalt erwischt!"
Durch die Live-Vorbereitungen und Bühnenerlebnisse war aus dem 2-Mann-Projekt Eisbrecher die 6-köpfige Rockband Eisbrecher geworden. Schon mit dem zweiten Album „Antikörper“ im Oktober 2006 zollten Noel, Alexx und Live-Keyboarder Max (der seit 2003 auch als dritte Kraft ins Songwriting involviert ist) den Eindrücken und Erfahrungen aus den Live-Shows Tribut: mehr Gitarren, mehr Härte auf der einen Seite, mehr Pop und Melodie auf der anderen. Der Einsatz zahlte sich aus: „Antikörper“ schaffte in der ersten Woche den Sprung auf Platz 85 der Media-Control-Charts, die Titel „Vergissmeinnicht“ und „Leider“ wurden zu Tanzbodenfüllern und hielten sich lange Zeit in den DACs und im Dezember 2006 tourten Eisbrecher mit JBO erfolgreich durch deutsche Lande.
IV. "Zu neuen Ufern!"
Die „Antikörper“- Headlinertour 2007 in Deutschland und Österreich war ein voller Erfolg. Auch die Festival-Saison 2007 wurde eiskalt genutzt: Die sechs Live-Rocker überzeugten auf einschlägigen Festivals wie dem „15. Wave Gotik Treffen“ in Leipzig, dem „Amphi-Festival“ in Köln , dem „Dark-Dance-Festival“ in Lahr und dem „Summer Breeze“ in Dinkelsbühl.
Höhepunkt des Jahres 2007 war aber eindeutig eine Show in Russland: Im Juni 2007 folgten Eisbrecher einer Einladung in den legendären „Tochka“-Club in Moskau wo sie begeistert gefeiert wurden. An diese Live-Erfolge werden Eisbrecher natürlich auch mit der „Sünder-Tour“ im September 2008 anknüpfen. Mit bewährten Strukturen und einer neuen heißen Scheibe im Gepäck heißt es dann: „Zieht Euch warm an! Eine neue Eiszeit beginnt!“
In Deutschland sind Eisbrecher bei der Rock/Metal-Plattenfirma AFM Records und im Vertrieb von Soulfood zu hause. In den USA und Kanada liegt das eisbrecherische Schicksal in den Händen von Dancing Ferret Discs (u.a. Witt, Crüxshadows, Corvus Corax, Gothminister, Subway To Sally). In Übersee führte „Antikörper“ fast 2 Monate die Labelverkaufscharts an.
SÜNDE erscheint Ende August 2008.
Es wird kalt°!
GRAND AVENUE
Grand Avenue haben einen Namen gewählt, der für ihren Sound wahrlich angemessen scheint. Die dänische Band fährt auf ihrem nunmehr dritten Album richtig schwere Geschütze auf und verschafft sich von der ersten bis zur letzten Minute ihres vor Euphorie strotzenden Werks so viel Raum, als wäre das Quartett für all die Megahallen und Multifunktionsarenen, Waldbühnen und Wiesenfestivals dieser Welt geradezu prädestiniert. „The Outside" ist ganz großes Kino für den melodieverliebten Alternative-Fan. Breitwandgitarren? Klar doch. Prunk und Pathos? In gut ausgewogenen und delikaten Portionen. Mächtig prächtige Melodien? Definitiv en masse. Große Gesten und grandioser Gesang? Keine Frage. Leadsänger und Frontmann Rasmus Walter Hansen hat nicht nur die Looks, der Beau mit den buschigen Brauen hat auch das ausgesprochene Talent, mit seiner mächtigen Stimme aus jedem Lamento ein glücksverheißendes Versprechen zu machen. Dabei geben ihm Gitarrist Niels-Kristian Bærentzen, Bassist Marc Stebbing und Drummer Hjalte Thygesen mit einem wahren Bollwerk gleißend schöner Sounds die denkbar beste Rückendeckung. Grand Avenue sind bestens gewappnet, die große weite Welt im Sturm zu nehmen. „The Outside" ist denn auch ihr erstes Album, das international veröffentlicht wird.
Die Geschichte von Grand Avenue, die heute in Kopenhagen beheimatet sind (nur Rasmus Walter Hansen stammt ursprünglich aus Arhus, Dänemarks zweitgrößter Stadt), beginnt in gewisser Weise in London. Zehn Jahre ist es schon her, dass sich die vier Musiker an der London School of Music anfreundeten. Doch nur Rasmus Walter Hansen blieb länger als ein Jahr. Ihn hielt es vier Jahre in der britischen Metropole, wo er sich in diversen Bands als Gitarrist versuchte und den Spirit dieses kosmopolitischen Schmelztiegels genoss. 2001 nahm er schließlich wieder Kontakt zu seinen alten Freunden in Kopenhagen auf und Grand Avenue wurde ins Leben gerufen. Auch wenn sie anfangs noch nicht so großspurig klangen wie heute, stießen bereits frühe Demo-Aufnahmen auf äußerst positive Resonanz im dänischen Radio und setzten so Plattenfirmen unter Zugzwang. EMI roch am schnellsten Lunte und sicherte sich die Rechte an diesem Musterbeispiel einer Band mit dem Prädikat Danish Dynamite. Sowohl ihr Debütalbum „Grand Avenue" (2003) als auch das Folgewerk „She" (2005) punkteten bei dänischen Rockfans ungemein und wurden mit zwei Nominierungen bei den Danish Music Awards honoriert. Aber Grand Avenue, ambitioniert bis in die letzte Pore, wollten und wollen natürlich mehr.
Mit eiserner Disziplin, einem exzellenten Produzenten und vor allem mit einem klangästhetisch um jede Menge Druck und Dynamik verstärkten Sound machte man sich an die Studioaufnahmen in Kopenhagen und London. Für den irischen Toningenieur Richard Rainey, der für seine Arbeit an „All That You Can't Leave Behind" von U2 schon einen Grammy gewonnen hat, war es eine der ersten Regieaufgaben als federführender Produzent. Und die musikalischen Vorlieben von Grand Avenue dürften Richard Rainey durchaus geholfen haben, mit der Band ein Werk zu kreieren, das ohne Fehl und Tadel ist und mit jedem Song die internationalen Ambitionen der Band unterstreicht. Während ihre Sympathie für U2 so einhellig wie unüberhörbar ist, sind aber auch offensichtlich all jene Bands der güldenen Ära der Achtziger, die mit charismatischen und feist produzierten Songs ganze Stadien füllten, nicht spurlos an den vier Dänen vorbeigegangen, etwa Echo & The Bunnymen, Simple Minds, The Cult und New Order. Dass all jene Bands über eine Lichtgestalt als Frontmann verfügten, spielt dem auf „The Outside" grandios auftrumpfenden Rasmus Walter Hansen perfekt ins Blatt.
„The Outside" ist fürwahr eine einzige Demonstration an Selbstbewusstsein, Stärke und Souveränität. Ein wuchtiges Album, dessen gefühlsbeseelte Songs sich allesamt so eindringlich ins Gemüt fräsen, dass es schwer fällt, einzelne Filetstücke hervorzuheben. Richtig klasse sind sie alle, ganz gleich, ob der stürmisch mitreißende Opener „Give Myself Away", die das wilde Leben feiernde Euphoriedusche „London" oder „You Please Me", der erste Song, den Grand Avenue für ihr neues Opus vollendeten und der für „The Outside" zum Maß aller Dinge wurde. Mitten ins Herz treffen dürfte auch „Bullet", ein Juwel von einem perfekten Song, dessen dramaturgische Seelenverwandtschaft zu Kate Bushs „Running Up That Hill" den Glanz und den Glamour, den Grand Avenue verbreiten, nur noch verstärkt. Wie ausgewogen gut und überzeugend die vier Dänen schon auf ihren ersten beiden Alben agierten, kann man auf der hiesigen Ausgabe des neuen Albums nachhören: Neben den elf Songs von „The Outside" bietet die Edition unter dem Titel „The Inside" vier exzellente Songs aus den ersten beiden Alben, darunter den epischen Titelsong ihres zweiten Albums „She" und die berührende Akustikballade „This Is Not The End" aus dem Debütalbum „Grand Avenue". Auffallend ist die spielerische Finesse und das dramaturgische Geschick, mit der Grand Avenue von Beginn an aufwarteten.
Dabei macht vor allem Rasmus Walter Hansen mit seiner aufwühlenden Stimme, der den allesamt hoch emotionalen Songs stets den entscheidenden Kick verleiht, eine glänzende Figur. Der geborene Frontmann sorgte auch durch seine Liaison mit Top-Model Helena Christensen vor einigen Jahren in seiner Heimat für Schlagzeilen, zumal Christensen damals auch als Managerin der jungen Band auftrat und für zusätzliches Aufsehen sorgte. Ein gewisses Maß an Grandezza ist Grand Avenue also schon sehr früh zu Eigen gewesen. Kein Wunder, dass Rasmus Walter Hansen beim weiblichen Publikum damals wie heute ganz hoch im Kurs steht. Und dass Grand Avenue jüngst in Kopenhagen für George Michael aufspielten, ist ein weiteres Indiz, dass ihnen auf dem Weg zu internationalem Ruhm der wohlverdiente Rote Teppich nur allzu gerne ausgerollt wird.
Juli 2007
GRAND MAGUS
Drawing hefty influence from the hand-on-heart grandeur of the NWOBHM and the inspirational mythology of their forbears, Grand Magus are steeped in pre-Christian tales of triumph, vengeance, betrayal, romance and death.
The mandolin-led opening of ‘Like The Oar Strikes The Water’ does little to prepare the listener for the heads down double bass attack, which follows in its wake, heralding the arrival of new drummer Seb to the Grand Magus fold.
The departure of founding drummer Trisse has done little to slow the power trio’s primordial thunder with Seb’s furious tattoo setting a pace previously unseen in Grand Magus. Building their characteristic-rolling stomp into an all-out battle charge, this takes their epic sound to new levels of unshakeable might.
The pace continues to gather for the soaring epic Viking march of ‘Fear Is The Key’ before the atmospheric bass solo ‘Hövding’ brings us back down to earth for the triumphant title track ‘Iron Will’; a paean to the power of the mind and a refusal to conform.
Through the straight-up heavy metal of ‘Silver Into Steel’, ‘The Shadow Knows’ and ‘Beyond Good And Evil’, the crushing doom of ‘Self Deceiver’ and the bombastic, nine-minute epic outro of ‘I Am The North’, bandleader JB has infused each second of sound with his unmistakable sense of purpose, unrelenting riff and his bittersweet, soul-wrenching howl. Shored up by the powerful four-string rhythm section and backing vocals of mainstay Fox, this anthem cements Grand Magus as a product of that dark, fertile place where doom, rock and heavy metal meet to become something pure.
A nine-song essay in timeless, masculine majesty ‘Iron Will’ is the sound of a plastic sword being snapped, an idiot being kicked in the face and the rich heritage of true steel reclaimed.
H-BLOCKX
The Blockx Are Back!!!
Zehn Jahre ist es her, da veröffentlichten die Münsteraner unterstützt von George Glueck & seinem Team ihr erstes Album Time To Move. Das Debüt verkaufte sich weltweit über 750.000 mal, die Singles, u.a. Risin' High, Move und Little Girl, werden zu Dauerbrennern in den Clubs.
Zehn Jahre, vier erfolgreiche Alben und unzählige Konzerte später veröffentlicht die Band nun ihr fünftes Studio-Album, wieder mit George Glueck & seinem Team - der Kreis schließt sich!
Am 24. Mai erscheint die erste Single-Auskoppelung Leave Me Alone!, ein fulminanter Vorgeschmack auf das am 7. Juni folgende Album No Excuses. Der Song entsteht nach einer intensiven Partytour, Nachts im Hotelzimmer, als Henning und sein Kumpel Jan sich den Frust über diverse Leute von der Seele spielen. Das Klopfen & Hämmern der anderen Hotelgäste wird ignoriert - um 4.00 Uhr morgens ist die Idee zu Leave Me Alone! getaped. Das Problem - am nächsten Tag war alles vergessen!
Erst vier Monate später wird der Song zufällig auf einem Diktiergerät wieder entdeckt und sofort fertig gestellt, der Auftakt zum neuen Album ist geschaffen!
Die Band hat sich verändert. Musikalisch. Inhaltlich. Optisch. Und obwohl sich Henning Wehland (Gesang), Tim Humpe (Gitarre), Steffen Wilmking (Drums) und Fabio Trentini (Bass) erst im vergangenen Jahr entschlossen, gemeinsam als H-Blockx erneut anzugreifen, spürt die Band, dass sie angekommen sind und die ideale Besetzung gefunden ist. Dave Gappa komplettiert die Truppe als Ehrenmitglied und wird auch bei der diesjährigen Festivaltour mit dabei sein.
L'AME IMMORTELLE
Mit dem letzten Album, dem von John Rivers und Rhys Fulber (Paradise Lost, Delerium, Front Line Assembly) produzierten und im Herbst 2004 veröffentlichten „Gezeiten" (mit den Hit-Singles „5 Jahre", „Stumme Schreie" und „Fallen Angel"), schienen L'ÂME IMMORTELLE bereits die rockige Attitüde für sich als adäquates Ausdrucksmittel für die höchst expressiven Gefühlsausbrüche entdeckt zu haben, von denen die zutiefst emotional berührende Musik von L'ÂME IMMORTELLE immer gelebt hat. Das wurde noch leicht kokettierend bereits bei „Brennende Liebe" deutlich, der OOMPH!-Single, zu der Sonja den Gastgesang beisteuerte, aber auch erst kürzlich bei „Dein Herz", dem vor wenigen Wochen veröffentlichten Titelsong zum ambitionierten Edgar-Allan-Poe-Hörbuch-Projekt „Visionen".
Mit „Auf Deinen Schwingen" gehen Thomas und Sonja dennoch einen Schritt weiter.
Zwar rankt sich thematisch wieder alles um die Liebe, doch wird sie diesmal noch facettenreicher abgedeckt, flüstert Sehnsucht, seufzt Verlangen, wird zum Ventil für Enttäuschung, Verzweiflung und Wut (wunderbar bei „Du siehst mich nicht" auf den Punkt gebracht). Letztlich stoßen bei „Auf Deinen Schwingen" die emotionalen Gegensätze so stark aufeinander wie nie zuvor. Das ist vor allem dem ungemein komplexen Konzept zu verdanken, das sich während der Songwriting-Phase aus den gewohnt stark autobiographisch geprägten Texten von Thomas Rainer als eigenständige Geschichte entwickelte, die im weiteren Verlauf fast Romanform angenommen hat. Natürlich geht es wieder um einen Mann (dargestellt/gesungen von Thomas) und eine Frau (Sonjas Rolle). Um sich der schönen, aber verletzlichen Frau zu nähern, verfolgt der Mann das Objekt seiner Begierde, bis sie sich zunehmend bedrängt fühlt und sich die Situation immer mehr zuspitzt, je intensiver der Mann ihr nachstellt und an einer mathematischen Formel für ihr gemeinsames Glück bastelt. Wie das Drama in dem Stück „Der letzte Akt" endet, soll hier jedoch noch nicht verraten werden ...Für die optische Umsetzung der Geschichte von „Auf deinen Schwingen" zeigt sich einmal mehr Ingo Römling verantwortlich, der schon die Welten von „Gezeiten" auf eindrucksvolle Art und Weise zum Leben erweckte.
Um das breiter gefächerte Gefühlsspektrum entsprechend abwechslungsreich musikalisch umzusetzen, haben sich L'ÂME IMMORTELLE diesmal Hilfe von Johnny Lee Michaels (The 69 Eyes) geholt, der sich vorwiegend um die rockigen Elemente (Gitarren, Bass, Drums) gekümmert hat, während Thomas den elektronischen Part in Eigenregie realisierte, wie überhaupt die Band diesmal ungemein viel selbst in die Hand genommen hat und etliche Freunde ins eigene Studio in Wien einlud. Darüber hinaus sind die feinen wie aufwändigen Orchestrierungen in den Songs „Auf Deinen Schwingen", „Der Letzte Akt", „Sometimes Love Is Not Enough", „Last Will" und „Destiny" gemeinsam mit Paul Steinbauer, einem Wiener Komponisten und Arrangeur, entstanden. Produziert wurde „Auf Deinen Schwingen" in England und Finnland, größtenteils aber in Wien, wo es vom langjährigen Wegbegleiter und Live-Tontechniker der Band, Bernd Mazagg, auch gemischt wurde.
Der einfühlsame Titeltrack verführt mit schweren Streichern und Sonjas verzaubernder Stimme, bevor der Refrain im kraftvollen Duett mit Thomas und wuchtigen Rock-Gitarren gipfelt, während im Mittelteil sogar Platz für eine kleine Industrial-Kakophonie bleibt. Auch „Herzschlag" wird von Sonjas verträumten Vocals geprägt und kann sich souverän gegen die bald einsetzenden Gitarren-Riffs und akzentuiert krachenden Drums behaupten. Pochend elektronisch kommt schließlich „Du siehst mich nicht" daher, einer zwingenden Club-Nummer, bei der Thomas seinen Frust gegen mächtige Beats und satte E-Gitarren herausschreit. „Phönix" schließlich vereint einmal mehr die gesanglichen Gegensätze innerhalb des Duos ebenso wie die musikalischen Einflüsse aus Rock, Pop und Klassik zu einem extrem melodiösen Ohrwurm und dokumentiert dabei eindrucksvoll, dass Singles auch jenseits dieser Formatkonventionen ihre Berechtigung haben. Da Sonja und Thomas seit jeher aber zweisprachig gearbeitet haben, dürfen auf „Auf Deinen Schwingen" natürlich auch nicht ein paar englische Texte fehlen. Besonders eindrucksvoll ist dabei der mal von voluminösen, mal einsam zweifelnden Streichern getragene, etwas ruhigere Song „Sometimes Love Is Not Enough" gelungen, aber auch die eindringliche Rock-Nummer „Run Away", das sehr experimentell ausgefallene „Destiny" und vor allem die behutsam inszenierte, von Sonjas fast schon verzweifelt-verträumter Stimme getragene Ballade „Last Will" fügen sich wunderbar in das herrlich bunte Klangbild von „Auf Deinen Schwingen" ein, das tanzbare und stimmungsvolle Elektronik, organisch-warme Orchesterklänge und dynamisch-treibende Rock-Elemente gleichberechtigt nebeneinander stellt und die Songs auch abseits des detaillierten Konzepts für sich stehen lassen kann. „Wo komme ich her, wo gehe ich hin", fragen L'ÂME IMMORTELLE in dem elektronischen, fast balladesken Song „Wohin". Die Antwort kann nur lauten: Aus dem dunklen Gothic-Underground in populäre Chart-Regionen!
LARRY CARLTON
Larry Carlton's eigene musikalische Geschichte begann in Südkalifornien. Er holte sich seine erste Gitarre, wenn er nur sechs Jahre alt. Er wurde eingeführt, um Jazz in Junior High School nach Anhörung der Gerald Wilson Big Band Album Moment of Truth, mit Gitarrist Joe Pass. Larry dann interessierte sich Barney Kessel, Wes Montgornery und den legendären Blues-Gitarrist BB King. Saxophonist John Coltrane war auch einen großen Einfluss auf Carlton, beginnend mit Coltrane's 1962 klassische Balladen.
Im Jahre 1968 nahm er seine erste LP, With a Little Help from My Friends (UNI). Die begeisterte Reaktion der Industrie garnered ihm einen Platz unter den Jingle-Sänger Die Going Thing, Aufzeichnung der Kamera und Radio-Werbespots für Ford. Mid-Saison in seinem zweiten Jahr, er segued zu musikalischen Direktor für Frau Alphabet, eine Emmy-Nominierung für Kinder auf dem gleichen Netzwerk. Es war hier, dass Carlton zeigte seine Fähigkeiten handeln, darstellende wie die Show's Co-Star ", Larry Gitarre."
Fordert, begann zu erhöhen deutlich gewonnen Carlton als Auszeichnung für den unverwechselbaren und oft imitierten "süßen" Klang er mit seiner Gibson ES-335. Er brach auch neue Wege mit seiner neuen Marke Volumen Pedal Technik, beredt in seiner Leistung featured in Crusader Einer mit dem legendären Jazz / Rock-Gruppe die Kreuzfahrer im Jahr 1971. Joni Mitchell's Court and Spark Album, die erste Platte machte sie mit einer Rhythmusgruppe, zeigt seine unverwechselbare Technik - ein Stil Mitchell bezeichnet als "Fliegenfischen."
Während seiner Amtszeit mit The Crusaders (über 1976), Carlton, die in ihrer 13 Alben, die häufig einen Beitrag Material. In 1973, Carlton veröffentlicht sein zweites Solo-Projekt, SinginglPlaying, auf Blue Thumb Records treffend betitelt, da er nicht nur Gitarre spielte, sondern auch durch Gesang auf acht Spuren. Carlton's Nachfrage als Session-Player wurde jetzt in seinen Zenit war er ständig featured mit Stars aus allen nur denkbaren Genres, angefangen von Sammy Davis, Jr., und Herb Alpert zu Quincy Jones, Paul Anka, Michael Jackson, John Lennon, Jerry Garcia und Dolly Parton. Zur gleichen Zeit war er noch mehr Leistung als 50 Termine pro Jahr mit The Crusaders.
Bevor er Übergang zu einem vollständig Solo-Karriere, Carlton zu einem der größten Nachfrage-Studio-Musiker der vergangenen drei Jahrzehnte. Carlton's Katalog der Arbeiten umfasst Film-Soundtracks, Fernseh-Themen und die Arbeit auf mehr als 100 Gold-Alben.
Letztlich Carlton Skalierung zurück begann seine Sitzung Arbeit erheblich, während die weitere Durchführung und Aufzeichnung mit der Kreuzfahrer. Er verlagerte sein Gewicht auf die Herausforderungen der Vermittlung und der Erstellung, und baute sein eigenes Studio-Zimmer 335-in seinem Hause. Während dieser Zeit er arrangiert und produziert Projekte für Barbra Streisand, Joan Baez und Larry Gatlin, sowie die Produktion und Co-schriftlich das Thema der Hit Sitcom Who's The Boss und Co-schriftlich (mit Michel Columbier) und Vermittlung der gefeierte Film-Soundtrack für Odds gegen alle.
Als seine Zusammenarbeit mit der Kreuzritter begann zu ziehen, um eine enge, Carlton mit Warner Bros. Records im Jahr 1977. Zwischen'78 und'84, Larry aufgezeichnet sechs Solo-Alben für Warner Bros. Records: Mr. 335: Live In Japan, Freunde; achtmal Up; Sleep Walk; Strikes Twice; Larry Carlton. Letztere Selbst-Titel Album veröffentlicht wurde heiß auf den Fersen seines Debüt-Session mit Rock-Supergruppe Steely Dan. Rolling Stone Magazin Listen Carlton's leckere Aufstieg auf Steely Dan's Kid Charlemagne als einer der drei besten Gitarren-Licks in der Rockmusik.
Mit mehr als 3000 Studio-Sessions unter seiner Band durch den frühen 1980er Jahren, hatte Carlton Aufheben vier Grammy-Nominierungen. Zusätzlich zu gewinnen einen Grammy ( `81) für das Thema zu" Hill Street Blues "(eine Zusammenarbeit mit Mike Post), war er zudem habe NARAS" Most Valuable Player "für drei aufeinander folgende Jahre. NARAS dann ernannte ihn "Player Emeritus" und von ihm im Ruhestand Förderfähigkeit.
Im Jahr 1985 wurde er näherte sich von der neu formierten MCA Master Series zu erwägen ein akustisches Jazz-Album. Sein erstes Release für das neue Label war allein, aber nie allein, einen Konsens Nr. 1 Album auf den Radio & Records und Jazz-Billboard-Charts. Die zwölf Monate des Jahres 1987 brachte einige der größten Highlights in Carlton's Solo-Karriere. Neben der Gewinn des Grammy für "Minute by Minute," Carlton erhielt eine Grammy-Nominierung für "Best Jazz-Performance" für sein Live-Album Last Nite. Coming off der Erfolg von zwei akustischen Alben und ein Live-Album, Carlton war an einem heißen Streifen und in das Studio zu arbeiten in seinem nächsten Projekt, auf festem Boden. Das alles elektrisch Projekt wurde nominiert für einen Grammy in 1989. Die Freigabe auf festem Boden kamen fast ein Jahr nach Carlton war brutal erschossen in zufälliger Akt der Gewalt außerhalb seines Los Angeles-Studio.
Im Jahr 1990 erwarb GRP MCA Records und ihr Jazz-Künstler unter dem Pseudonym GRP. Unmittelbar, GRP ausgestellt Greatest Hits-Paket von Carlton Arbeiten MCA, genannt Collection. In 1991, Carlton eingegeben Studio die Aufzeichnung eines Blues-Album mit John Ferraro, Tastatur Mann Matt Rollings, Bassist Michael Rhodes und Harmonika-Spieler Terry McMillan. Unterbrochen von Etikett und dem Wunsch der Verbraucher nach einer anderen Jazz-Angebot, Carlton vorübergehend ad acta gelegt werden würde, was Renegade und Herren erfasst und freigegeben Samthandschuhen in'92. Ein Pop-orientierten Jazz Sammlung von lilting akustische Balladen und Beißen elektrische Workouts, das Album zum ersten Mal Carlton hatten sowohl akustische und elektrische Titel auf einer einzigen Solo-Projekt.
Zwischen Tourenwagen, Carlton wieder Arbeit auf dem bluesigen Renegade Herren. Angesichts der ursprünglich sechs Gleise auf Nashville (seine erste Mal, um in dieser Stadt), und Fügeverfahren wieder mit Michael Rhodes und Terry McMillan, plus Drummer Chris Layton (von Stevie Vaughan's Band Double Trouble) und Tastatur Assistenten Chuck Leavell, er vier Tracks, plus haben zusätzliche Produktion und das Mischen in der Blues-Rocker in der Zeit für eine Freilassung'93.
Carlton tourten ausgiebig in diesem Jahr und den nächsten mit Jazz superband Stanley Clark und Freunde (Stanley Clark, Larry Carlton, Billy Cobham, Deron Johnson und Najee). Das Quintett freigegeben Stanley Clark and Friends Live A t Die griechische in'94.
Larry & Lee, Carlton's 1995 Zusammenarbeit mit Gitarre große Lee Ritenour, garnered ihm seinen achten Grammy-Nominierung. Dies wurde gefolgt von dem Gift in'96 und Larry Carlton Collection Volume 2 in'97. Im selben Jahr, seine Virtuosität und den Ruf gesichert ihm einen Platz in der crumtopping preisgekrönten Warner Bros. Records' Gruppe Fourplay, als Mitglied Lee Ritenour links an der Spitze sein eigenes Label. Carlton verdoppelt den Spaß, indem Sie sich auf Wamer Jazz als Solo-Künstler in der gleichen Zeit. Seitdem hat er zwei Alben mit Fourplay: 4 in'98 und eine erfrischend andere Weihnachts-Album, Snowbound, im Oktober'99. 1999 brachte auch Larry Carlton seinem sehr eigenen Ort und Stelle in Hollywood's prestigeträchtigen Rockwalk. Am 3. Juni wurde er inducted zusammen mit Joe Satriani, Steve Vai und Jimmie Vaughn.
Das Jahr 2000 beginnt mit Carlton Putting seine hervorragende Fingerabdrücke einzeln in das neue Jahrtausend mit seinen star-studded Solo-Release auf Wamer Bros. Records, Fingerabdrücke. Absolut einzigartig, Larry Carlton hat einen Standard für das Künstlertum überspannt drei Jahrzehnte (und zwei Jahrhunderten) und er ist zweifellos die aus seiner Marke in Jazz, Blues, Pop und Rock für die absehbare Zukunft .....
Dies ist ein großer Bio geschrieben von Richard Skelly, All-Music Guide:
Larry war geboren am 2. März 1948 in Torance / Kalifornien!
Er zog aus LA zu Franklin / Tennessee vor ein paar Jahren und genießt das Leben in die Landschaft.
Wie so viele andere Los Angeles Studio-Musiker, Gitarrist und Komponist Larry Carlton war vor einer Wahl eine Reihe von Jahren zurück: ob zum Solo-und entwickeln Sie einen Namen für sich selbst unter seinem eigenen Namen oder die Fortsetzung der weniger riskant, mehr lukrative Existenz als eine Session-Gitarrist, was gutes Geld und Aufzeichnung mit prominenten Musikern. Zum Glück für die Fans dieser eklektischen Gitarrist, wählte er die ehemaligen und hat unter seinem eigenen Namen für Warner Bros., MCA Records und GRP Records seit 1978.
Carlton's Studio Gutschriften aus den 1970er Jahren und Anfang der 80er Jahre zählen Musiker und Gruppen wie Steely Dan, Joni Mitchell, Michael Jackson, Sammy Davis Jr., Herb Alpert, Quincy Jones, Bobby Bland, Dolly Parton, Linda Ronstadt und buchstäblich Dutzende von anderen. Zu seinen mehr bemerkenswerte Projekte als Session-Gitarrist waren Joni Mitchell's kritisch mit Beifall Court and Spark Album und Donald Fagen Nightfly's Album. Für einen Großteil der 1970er Jahre, Carlton aktiv war als Session-Gitarrist, Aufzeichnung auf bis zu 500 Alben pro Jahr. Obwohl er eine Reihe von LPs unter seinem eigenen Namen so früh wie 1968's mit ein wenig Hilfe von meinen Freunden (Uni), und 1973 ist Singen / Spielen, das er nicht ein großes Land-Label-Vertrag bis 1978, als er mit Warner Bros.
Carlton begann die Gitarre Unterricht, als er sechs war. Seine ersten professionellen Auftritt war an einem Supper Club in 1962. Nach Anhörung Joe Pass auf das Radio war er inspiriert zu spielen Jazz und Blues. Wes Montgomery und Barney Kessel wurden wichtige Einflüsse kurz nach entdeckte er die Jazz-Gitarre Stylings von Pass. BB King und anderen Blues-Gitarristen hatte einen Einfluss auf den Stil Carlton als gut. Er geschliffen seiner Gitarre-Spielen Fertigkeiten in den Clubs und Studios größerer Los Angeles. Er besuchte eine lokale Junior College und Long Beach State College für ein Jahr, bis der Vietnam-Krieg endete. Carlton tourte mit den Fifth Dimension im Jahr 1968 und begann tun Studio-Sessions im Jahr 1970. Seine frühen Arbeiten enthalten Session Studio Termine mit Pop-Musiker wie Vicki Carr, Andy Williams und der Partridge Family. Im Jahre 1971 wurde er gebeten, sich die Kreuzfahrer, kurz nachdem sie beschlossen hatte zu schrumpfen das Wort "Jazz''aus ihrem Namen, und er blieb mit der Gruppe bis 1976. Dazwischen Touren mit den Crusaders, er hat auch Studio-Session Arbeit für hunderte von Aufnahmen in jedem Genre. Aber es war, während er mit den Crusaders, dass er die hoch entwickelte rhythmische, oft bluesigen Stil hat er jetzt. Seine Credits umfassen, das auf mehr als 100 Gold-Alben. Sein Thema Musik Kredite für TV und Filmen zählen Against All Odds, Wer ist der Boss, und das Thema für Hill Street Blues. Letztere gewann einen Grammy Award in 1981 für die Beste Pop Instrumental Performance.
Carlton hat seine eigene, selbst titulierte Debüt für Warner Bros. im Jahre 1978, kurz nachdem er erkannt wurde für seine wegweisenden Gitarrenspiel auf Steely Dan's Royal Scam Album. (Carlton trugen die denkwürdige Gitarrensolo auf "Kid Charlemagne.'') Veröffentlichte er vier weitere Alben für Warner Bros., Streiks Zweimal (1980), Sleepwalk (1981), acht Mal Up (1982), und der Grammy-nominierte Friends ( 1983), bevor er ging von dem Etikett angegeben werden.
Er setzte Studio-Session Arbeit und tourt dazwischen, taucht im Jahr 1986 auf MCA Records mit einem All-Akustik-Album, Discovery, in dem sich ein Instrumental-Remake von Michael McDonald's Hit, "Minute von Minute." Die einzigen gewann einen Grammy Award für Best Pop Instrumental Performance in 1987. Carlton's Live-Album, Last Nite, erschienen im Jahr 1987, bekam er einen Grammy-Nominierung für die beste Jazz Instrumental Performance.
Während der Arbeit an seinem nächsten Album zu MCA, auf festem Boden, Carlton wurde das Opfer von Gewalt zufällige Pistole und wurde erschossen in der Kehle von Gun-Jugendlichen außerhalb ebenso großen Raum 335, seinem privaten Studio in der Nähe von Burbank, Kalifornien, USA. Die Kugel zerschmetterte seinen Gesangs-Kabel und verursacht erhebliche Nerv Trauma, sondern durch intensive Therapie und ein positives Bild des Geistes, Carlton abgeschlossen in Arbeit auf festem Boden im Jahr 1989. Carlton bildeten Innnocent Helping People (HIP), eine Non-Profit-Gruppe zur Hilfe für die Opfer von Gewalt zufällige Pistole.
Carlton's jüngsten Alben sind zwei Versionen im Jahr 1996 für GRP Records-, Schenkungs-und mit ein wenig Hilfe von meinen Freunden. Seine anderen Aufnahmen zählen 1990 die Erhebung, Verarbeitung und 1992 Kid's Handschuhe für das gleiche Label, Playing / Singing (1995, Edsel), Renegade und Gentleman, ein Release für 1993 GRP.
Trotz der Tragödie, wurde foisted auf ihn in den späten 80er Jahren, nachdem er erschossen wurde von Gun-ebenso großen Ungläubigen, ziehen ihn durch einen langen und dunklen Periode der Krankenhausaufenthalt und Rehabilitation, Carlton-Produktion im Laufe der Jahre wurde stetig durch den 1980er und 1990er Jahre. Carlton hat sich seine Tournee Zeitplan ein wenig, aber sicherlich nicht seine Aufnahme Zeitplan. Immer wieder gerne zu einem Treffen mit der Presse, Carlton hat einen süßen, friedlichen Persönlichkeit, und man kann sie hören, in seinem einzigartigen, rhythmische, warme Gitarre Akkorde und Klingeln Gitarre Töne.
- Richard Skelly, All-Music Guide
LOSTALONE
Innerhalb von zwei Monaten hat die Band eine Tour mit den verrückten Japanern Electric Eel Shock absolviert, wurde für ein Showcase nach Deutschland geflogen und hat die limitierte Light The Waves EP aufgenommen, welche während der genannten Tour ausverkauft wurde.
Vervollständigt durch den Bass-Illusionisten Tom Kitchen hat die Band anschließend daran gearbeitet, die aus Battelle's schmerzendem Kopf strömenden Melodien zu hohnen(?) und zu definieren. Als die Melodie-Alpträume regelmäßiger vorkamen, wurde das Ergebnis lauter und grausamer, und ein interessanter Songmix begann den Klang der Band zu formen.
Ohne Zeit für eine Verschnaufpause kam die Band wieder nach Europa, dieses mal auf der Hauptbühne beim Bochum Total Festival zu spielen. Die Band war genau in ihrem Element, und der echte Darsteller Steven Battelle trat hervor wie es nur wenige Andere können.
Aufgrund der Unfähigkeit sich zurück zu lehnen und zu entspannen ging die Band die Aufnahme ihrer Debut-Single an. Die offensichtliche Wahl war die von den Fans geliebte Nummer "Blood Is Sharp" - sie verbrachten zwei Tage mit dem Produzenten Matt Ellis um den Song fertig zu stellen.
Ein lauter Schlag Popmelodien auf der makabren Durstrecke der Hoffnungslosigkeit, mit einem Hauch von Licht am Ende des Tunnels, so beschreibt der Autor die Single - wer kann da schon widersprechen?
Das Video wurde von Dan Cadan und Rupert Murray vor einer hysterischen Menge gefilmt. Die direkte Interaktion und der Respekt zwischen Band und Fans war bewundernswert. Am zweiten Tag konnte die Band selbst performen, und alle drei genossen die vor ihnen liegende Aussicht und Möglichkeiten.
Am dritten April 2006, ein Jahr nach Bandgründung, hat Blood Is Sharp ein Warnzeichen gesetzt, dass in England und auch darüber hinaus etwas Besonderes entfesselt wurde. Die Tour durch England mit Rocklegende SKIN (Skunk Anansie) begeisterte das Publikum und hinterließ MTV, Radio One und XFM kopfschüttelnd, aber ohne die Möglichkeit Lost Alone zu ignorieren.
Die Band ging im Mai ins Studio zurück, wo sie gerade ihr Debutalbum fertig aufgenommen haben. Eine zweite Single wird im August 2006 veröffentlicht, gefolgt von einer ausgedehnten Tour.
LOVEX
LOVEX das ist: Rock, Gothic und auch eine Prise Metal. Wer die Einflüsse auf das 2001 gegründete Sextett aus Tampere liest, versteht die stilistische Bandbreite ihrer Musik. Von Alice Cooper, Mötley Crüe und den Backyard Babies über Metallica, Nirvana, System Of A Down und Incubus bis zu Sentenced, Nickelback und Nightwish. LOVEX interpretieren den Rock in seiner ganzen Vielfalt.
Ihr Debütalbum „Divine Insanity“ hat in Finnland Goldstatus erreicht und blieb dort für unglaubliche 19 Wochen in den offiziellen Album Charts. In Deutschland schafften es die smarten Finnen aus dem Stand in die Top 20 der Albumcharts. Ihre erste Single „Guardian Angel“ schaffte es auf Anhieb auf Platz 21 der deutschen Singlecharts.
Nun steht das neue Studioalbum „Pretend Or Surrender“ in den Startlöchern, das hierzulande am 2. Mai erscheint. Auch dieses Album ist melodisch und emotionsgeladen, aber heavier und aggressiver als der Vorgänger. Der Opener "Take A Shot" steckt voller frischer Energie und trägt die Züge der 80er in das neue Jahrtausend.
„Take A Shot“ wird auch die erste Single des Albums sein und am 25.04. in Deutschland erscheinen – passend dazu werden Lovex in Berlin im Rahmen der „Helsinki in Berlin“ Woche am 24.04. im Columbia Club ihre Livequalitäten einmal mehr unter Beweis stellen.
MOLLY HATCHET
Their self-titled debut album which included Danny Joe Brown, Dave Hlubek, Duane Roland, Steve Holland, Banner Thomas and Bruce Crump in the lineup was released on Epic records in 1978 and reached multi-platinum status as the band established their reputation of working hard, playing tough and living fast through intense touring with such bands as Aerosmith, Bob Seger, The Rolling Stones and many more. In 1979, Flirtin' With Disaster was released and history was in the making. The band continued touring on the road with an average of 250 live shows per year and like the first album it also achieved multi-platinum status. Lead singer, Danny Joe Brown left the band in 1980 and contacted Bobby Ingram, a Jacksonville based guitarist and friend, who gave brown his first singing gig in 1975 with a Jacksonville based band called Rum Creek. Brown and Ingram then put together with keyboardist John Galvin the Danny Joe Brown Band and continued touring until 1982. The album was produced by Glyn Johns at Compass Point Studios in the Bahamas as he has worked with legendary artist The Rolling Stones, The Beatles, The Who, The Eagles and many more.
During this time, Beatin' The Odds (1980) and Take No Prisoners (1981) was released with singer Jimmy Farrar. Brown returned to record No Guts ... No Glory (1983), The Deed Is Done (1984) and Double Trouble Live (1985).In the fall of 1985, Bobby Ingram of Jacksonville came into the band as lead guitar and songwriter and the band continued to tour over 200 dates a year and in 1989 record Lightning Strikes Twice for capitol records.
In 1990, while Ingram, Galvin and Brown continued the tradition as Molly Hatchet the tough touring schedule lead to the other members departure from the band. The Greatest Hits album was released in 1991 and certified gold. The band from 1990 until 1995 took a break from recording but continued to write new songs and tour in the United States, Canada and Europe. Devil's Canyon, the first studio album in 6 years was then recorded in Hamburg, Germany in 1996 under the care and guidance of Rainer Hansel, CBH Records. With producers Kalle Trapp and Bobby Ingram the album was voted the number one rock record in Europe for 1996. With a history of diabetes, brown was unable to fulfill studio and touring responsibilities and he brought in Phil McCormack to take over the lead vocal position. Long time member Bobby Ingram - lead guitar, Phil McCormack - lead vocals, John Galvin - keyboards, Bryan Bassett - lead guitar, Andy McKinney - bass, Mac Crawford - drums, make up the current lineup.
From the release of Devil's Cannon and the world wide touring coordinated by Steve Green, Artists International Management, the band has continued performing the classic hits such as "Flirtin' With Disaster, "Gator Country," "Whiskey Man" and "Dreams I'll Never Dee," as well as, the current hits in the true spirit and southern tradition of Molly Hatchet. The 1998 release of Silent Reign Of Heroes was recorded back in Hamburg, Germany with producer/guitarist Bobby Ingram and is kept in the same spirit and tradition as the past with new hit songs "Mississippi Moon Dog," "Saddle Tramp," "Miss Saturday Night" and the title track "Silent Reign Of Heroes". Included on the album is an acoustic version of the classic hit "Fall Of The Peacemakers". The band is currently on an extensive 18 month world tour in support of the new release "Kingdom of XII" where guest artist Charlie Daniels appeared on 2 tracks the album charted in Europe and had much success.
In 2003 the band is celebrating it's 25th anniversary of the first national or international release with first a double Live album "Locked and Loaded" recorded in Germany as they consider this their home away from home and it is the first time in 7 years that a Live album has made the European Charts and SPV GmbH is still there beloved record company with Rainer Hansel and Manfred Schutz. The band has plans on touring in support of the 25th anniversary and will release a new studio album of all of the classic songs re-recorded in this generation of the band with Artists International Management, Inc. as their agency. And Locked and Loaded a double CD that was recorded in Germany at the International Harley Davidson Festival in front of 80,000 Southern rockers that has now been captured on DVD and being released fall of 2005. After 4.5 years of touring and tracking outside of the studio on their own material it was time to release an album that in the bands tradition go back to the roots of straight forward southern rock and roll that's unequaled of anything the band has recorded before in the 25 year legacy. The album "Warriors of the Rainbow Bridge" recorded in the mountain tops of Bavaria was the perfect setting for such a comprehensive project. As we live day by day no one knew that Bobby Ingram would suffer the lose of his wife Stephanie during the tracking of the album and finish after a delay. Stephanie was the seventh member of Molly Hatchet and she did many things behind the scenes that no one ever saw and she was never the person that would ever want anything in return. The Southern Rock community has lost a great person that she gave all and loved Molly Hatchet and the friends she made along the way. If that was the first emotional heartbreak, Danny Joe Brown the singer for Molly Hatchet passed away from complications of diabetes he had suffered with for many years and he gave so much to the rock and roll industry and music around the world all of our heartfelt condolences and prayers go out to his family and children and he also will never be forgotten. In 2006, Duane Roland, guitarist of the band passed away and also left a legacy that will never be forgotten. We will all miss him and his music lives on. In 2005, Dave Hlubek, a founding member after playing in various bands around the United States has returned to Molly Hatchet after 20 years. Everyone was glad to see Dave having a good time and doing what he does best...the tradition lives on!!
So as we enter the next 25 years of music Molly Hatchet supports tradition that keeps developing the common bond and unity that keeps this style of music alive and well and rest assured Molly Hatchet is a band that after 28 years is always workin' hard, playin' tough, livin' fast, and still Flirtin' with Disaster!!!
MY BABY WANTS TO EAT YOUR PUSSY
Neben ihrer neu entdeckten Leidenschaft umfangreiche Alben aufzunehmen, lassen BWTEYP ihre Konzerte weiterhin so gekonnt in großes Entertainment ausarten, dass nur die wenigsten Besucher ohne tiefgehend und bleibend positiven Eindruck nach Hause gehen. Die sechs Kreativlinge, die sich 2004 um die neue Mannheimer Pop-Schule gründeten, blickten nicht umsonst schon unüblicherweise vor offizieller lbumveröffentlichung von der Alternastage bei Rock Am Ring 2007 oder auf dem es Eurockéennes Festival in Frankreich in mehrere Tausend glückliche Gesichter. Das mag einerseits an der spektakulären und vielseitigen Musik und ihrer Art der Darbietung liegen. Hinzu kommen zudem die grotesk individuellen Figuren, die sie auf der Bühne darstellen. Diese prallen mit all ihrem Talent dermaßen konträr und ungebremst aufeinander, dass sie fusionieren und auf ihren Konzerten eine artistische Zeitgeist-Freakshow erfinden. Sie schaffen ein obskures und sonderbar charismatisches Gemälde, welches Humor und Tragik, Technik und Trash, Popkultur und Rock ‚n' Roll übermittelt!
Radikal romantisch bis kratzig rau, beatle-esk poppig bis glamrockig verzaubern MY BABY WANTS TO EAT YOUR PUSSY auf wahrlich unkonventionelle Art und Weise. Um ihr Genre kann man nur herumreden. Die Band nutzt alles was die Besetzung (voc-male, voc-fem, b, dr, g, keys) hergibt. Es scheint, als würde jeder Zuschauer und -hörer seine eigenen Assoziationen für sich herauslesen und entdecken. Die Meisten einigen sich auf Namen von musikgeschichtlichen Chamäleons wie David Bowie, Queen und Supertramp oder System Of A Down und die Red Hot Chili Peppers. MBWTEYP's Anhängerschaft ist in Alter und Szeneherkunft so breit gefächert wie das Publikum eines Musicals oder eines Zirkus. Eine Vorliebe für Kreativität und Individualität haben sie allerdings alle gemeinsam.
Wenn Bands auf ihren Webseiten von „Mediaworld" sprechen, erwartet man für gewöhnlich Hörbeispiele, Music-Clips oder ein paar Live-Videos. Wenn MBWTEYP von ihrer Pussy Media World sprechen, meinen sie damit eine zweite Website auf welcher mehrere Stunden Video-, Audio-, Text- und Bildmaterial in Form von TV- und Radiosendern und einem eigenen Magazin zu finden sind. Das besondere daran ist, dass von vorne bis hinten, jeder Radiojingle, jeder Videoschnitt und jede Hackfleischanimation eigenhändig von MBWTEYP produziert ist. Das ganze in einer Qualität, die das meiste, was sich momentan Online-TV oder -Radio nennt in den Schatten stellt. Remixe, Solosongs, Music-Clips für andere Bands, die verschiedensten Gäste, Kurzfilme, Hörspiele ... es erscheint wie ein unerschöpflicher Quell an Ideen. Eine Kreativfabrik und Kunstwerkstatt, die in seiner Gesamtheit (wie alles um MBWTEYP) irgendwo zwischen Pop und Avantgarde schwirrt und mehr als einen Blick wert ist!
Sie spielen ... sie täuschen ... sie verwirren ... sie geben viel, erlauben sich dafür aber auch eine Menge, was bei ihrem Namen anfängt. Von einem Act mit Ecken und Kanten kann man hier nicht mehr sprechen. Ihr Mut in allen möglichen Bereichen größenwahnsinnig, an- und ungreifbar zu sein, wirkt schon fast wie ein roter Faden.
Albumveröffentlichung
Ignorance & Vision
Mai 2008
(Ass Hammer Records)
