ALEX MAX BAND

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ALEX MAX BAND

Am Anfang waren die großen Gefühle – Sehnsucht und Liebe. Und die Gewissheit,
den Gefühlen einen Ausdruck, eine Form geben zu können - Musik. Inzwischen ist Alex Max Band nicht mehr nur noch der Meinung, dass es kein besseres Vehikel zum Transportieren großer Gefühle als die Musik gibt. Er weiß es nach elf Jahren Profikarriere als Songwriter, Sänger, Bandleader und Gitarrist einfach. Weil er 2001 mit dem Song „Wherever You Will Go“ und seiner Band The Calling einen Hit ablieferte, der Ende 2009 vom renommierten amerikanischen Billboard-Magazin wegen seiner beindruckenden Verkaufszahlen und Radioeinsätze zur Nummer Eins der „40 erfolgreichsten Adult Popsongs des Jahrzehnts“ gewählt worden war. „Natürlich schmeichelt mir die Erfolgsbilanz des Songs“, erzählt Alex Max Band. „Es ist schon ein Wahnsinnsgefühl, wenn du erfährst, dass dein Song weltweit die Nummer Eins der Charts belegt. Aber was mich viel mehr beeindruckt als der Blick auf Zahlen, sind die Kommentare der Leute aus allen Teilen der Erde, die von meinem Song berührt wurden. Manchen hat der Song den entscheidenden Kick zu einer gravierenden Lebensveränderung gegeben. Andere sahen im Text des Songs ihre eigenen Gefühle bestätigt und einige nutzten ihn zur Untermalung der ganz großen Momente im Leben – Geburt, Hochzeit, Abschied.“ Die Follow-ups „Adrienne“ und „Could It Be Any Harder” jagten um die Welt und bereiteten den Weg für den Sieg in der Königsdisziplin: Das Debütalbum „Camino Palermo“ schnellt wieder weltweit in die Charts, The Calling spielt, angeführt von ihrem charismatischen, leidenschaftlichen Frontmann auf den großen Festivalbühnen rund um den Globus und schließlich wird die Band mehrfach mit Platin belohnt. Die Folgen solch atemberaubenden Triumphs sind bei Alex Band und seinen Kollegen nicht der Verlust der Bodenhaftung, sondern der Wunsch neue Songs zu schreiben, die nach den Terrorattacken auf Amerika im September 2001 Hoffnung und Mut machen sollten. Ein Wechsel in der Führungsetage der Plattenfirma von The Calling machte den Wunsch zur Illusion. Das Folgealbum „Two“ bekam nicht die gebührende Unterstützung und The Calling war Geschichte.

Was tun? Alex Max Band tat, was er am besten konnte, Songs schreiben und performen. Beeindruckt vom Gesang seines jungen Kollegen, griff Carlos Santana 2004 zum Hörer und bat Alex um Unterstützung zur Vollendung eines Songs. Das Resultat, die Single „Why Don’t You & I“, aus dem Santana-Multiplatinalbum „Shaman“ schnellte auf Anhieb an die Spitze der amerikanischen Charts und genießt seither, wie „Wherever You Will Go“ Kultstatus bei weltweiten Radioprogrammgestaltern. Damit nicht genug wurde die Nummer in der Jahrzehntwertung von Billboard gerade auf Platz Fünf der „Top 40 Adult Songs Of The Decade“, also vier Plätze hinter „Wherever You Will Go“ gewählt. Faktisch gibt es damit keinen Musiker und Songwriter, der die letzte Dekade mehr prägte als Alex Band. „Es ist für mich als Musiker und Songwriter eine Erfüllung, wenn meine Songs oder Performances einen so bleibenden Eindruck hinterlassen“, freut sich der 28Jährige. „Es feuert natürlich auch das Selbstbewusstsein an zu wissen, dass man den Hit geschrieben hat, der ein ganzes Jahrzehnt geprägt hat.“

Beste Voraussetzungen für eine Karriere, die mit Alex Max Bands Solodebütalbum „We’ve All Been There“ gleichzeitig eine Fortsetzung und einen Neubeginn findet. Dabei sah das Privatleben des Kaliforniers in den letzten Jahren nicht nach wirklich guten Bedingungen zum Nutzen seines Kreativdrangs aus. Seine Ehefrau, die amerikanische Schauspielerin Jennifer Sky, erkrankte so schwer, dass Alex seine Musik erstmal hinten anstellte. „Es waren bittere, aber lehrreiche Jahre, in denen ich als Mensch gewachsen bin. Nicht zuletzt, weil unsere Ehe nach der überstandenen Krankheit von Jennifer zerbrach“, erinnert sich Alex Max Band. „Ich habe die Schmerzen, die Trauer, die Sehnsucht, zum Schreiben von Songs genutzt.“ Trotzdem oder vielleicht gerade deshalb ist „We’ve All Been There“ das genaue Gegenteil des düsteren Bekenntnisses eines gebrochenen Jungmannes geworden. Denn am Ende zählen für ihn immer noch die Hoffnung und die Liebe – zu den Menschen in seiner Umgebung, zu seinen Zuhörern und zum Leben schlechthin. Damit schließt sich der Kreis zum Beginn seiner Karriere, als das positive Gefühl, die Liebe, zur Antriebskraft seiner Kreativität als Songwriter wurde. Durchsetzt von Uptempo-Rocknummern knüpft Alex Max Band mit seinen zwölf neuen Songs exakt wieder dort an, wo „Wherever You Will Go“ seinerzeit detonierte – in den Seelen von Millionen Musikfans. „Das Ziel lautet für mich nicht mehr nach den Sternen greifen, was nach dem ersten großen Erfolg meiner Band der Fall war. Heute möchte ich Leute wieder berühren, inspirieren, sie zusammenbringen. Musik hat für mich wieder die Kraft, die sie hatte, bevor ich mit The Calling durchstartete. Sie schafft Gemeinsamkeit zwischen Ländern, Kontinenten, Religionen und unterschiedlichen Lebensauffassungen.“ Das Album beginnt deshalb auch nicht zufällig mit dem Titeltrack, „We’ve All Been There“. Will sagen: es gibt mehr Dinge, die uns verbinden, als unterscheiden. Dem Song folgen 50 Minuten emotionale Achterbahnfahrt, an deren Ende mit „Start Over Again“ eins der positivsten musikgewordenen Statements steht. Dazwischen gibt es mit „Tonight“ und „Euphoria“ große Hymnen, mit „What Is Love“ und „Leave“ tiefsinnige Texte, mit „Never Let You Go“ und „Love“ romantische Erklärungen an die große Liebe. „Only One“ wird bereits zur Untermalung populärer amerikanischer TV-Shows genutzt. Ein Terrain, das Alex Max Band, der bereits kleinere Rollen in Filmen wie „Coyote Ugly“, „Fish Without A Bicycle“ und verschiedenen amerikanischen TV-Serien spielte, nicht unbekannt ist. „Ich würde mich trotzdem nicht als Schauspieler, sondern vor allem als Musiker bezeichnen. Allerdings habe ich die Filmerfahrung genutzt um das Album so zusammenstellen zu können, dass es einer Reise gleicht, wenn man es vom ersten bis zum letzten Song hört. Es ist, wenn man so will, der Soundtrack zur Reise durch mein bisheriges Leben.“

Seine wasserstoffblond geblichenen Haare aus den Tagen von The Calling haben inzwischen ihre natürliche Färbung zurückerhalten, aus dem Teenager, der über Nacht zum Megastar wurde, ist ein reflektierter Typ geworden, aus dem Wunderkind, das satte Pophymnen im Rockkontext megaerfolgreiche ansiedelte, ist ein Könner geworden, dessen Musik heute noch ein bisschen mehr Zündkraft besitzt. Am Arm trägt er ein Tattoo mit der Aufschrift „Donate Life“, das er gerne im Namen einer amerikanischen Hilfsorganisation, die für Organspenden wirbt, in Kameras hält. Im Brustton der Überzeugung spricht er über sein Engagement für „Donate Life“: „Durch die Krankheit meiner Frau weiß ich wie überlebenswichtig Organspenden für kranke Menschen sind. Ich habe gelernt, dass Liebe Leben ist. Deswegen nutze ich meine Popularität für diese Hilfsorganisation. Liebe ist Leben, Leben ist Musik und Musik ist Hoffnung.“

Mit seinem neuen Album, „We’ve All Been There“ unterstreicht Alex Max Band die wirkungsvollste Stärke seiner Songschmiedekunst: die unwiderstehliche Aufforderung zu Mut, Hoffnung und Lebenslust. Es darf wieder gerockt werden!

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ASHLEY HICKLIN

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ASHLEY HICKLIN

Die Welt von Ashley Hicklin Welt hat etwas Kulissenartiges. Die Bildhaftigkeit seiner Texte, die eindringlichen Melodien, traurigschön, sehnsüchtig, melancholisch und hoffnungsvoll zugleich, die ungezähmte Leidenschaft in seiner Stimme, all das ist Teil einer inneren Welt, die auf seinem Debütalbum „Parrysland“ diese ganz besondere Magie entfesselt.

Ashley Hicklin ist etwas gegen den Strich gebürstet und kantig. So kantig, dass er in keine Schublade passt. Wie soll man jemanden auch sauber verpacken, etikettieren und als pflegeleicht wegstecken, der in einer Kneipe in Scarborough groß geworden ist, der als Teenager Klarinette gelernt und in Heavy Metal Bands- gespielt hat? Der dann auch noch klassische Streichersätze arrangiert und namhafte englische Orchester dirigiert hat, dessen Stücke in der Royal Albert Hall aufgeführt worden sind, der als Singer-Songwriter durch die Lande gezogen ist und hinter den Kulissen von Pop Idol die mehr oder minder talentierten Möchtegern-Popstars von morgen auf fernsehtauglichen Vordermann gebracht hat. Als Songwriter hat er bereits eine Nummer Eins in Schweden auf dem Konto und den belgischen Eurovisions- Beitrag 2010 auf dem Terminkalender. Die Schablone für so einen Künstler muss man erst noch schneiden – zumal dieser erst vierundzwanzig Jahre alt ist.

Die Arbeit hinter den Kulissen von Pop Idol – das Vorbild für DSDS, X-Factor, American Idol und all die anderen Jahrmarkt-Shows der unerfüllbaren Sehnsüchte – hat Ashleys Blick geschärft für den Zynismus des Popgeschäfts und für die Beiläufigkeit, mit der Träume und Träumer  zerschmettert werden können, für den tiefen Fall, der auf fünf Minuten Scheinwerferlicht folgen kann. Und trotzdem: „Ich bin ein Popsänger“, sagt er ganz ernst. „Ein klassisch ausgebildeter Popsänger mit Kneipen- und Heavy Metal-Vergangenheit.“

Aber ist das überhaupt Pop, was Ashley Hicklin uns da in seinen Songs präsentiert? Darüber ließe sich beinahe streiten. Die trügerische Einfachheit und die atmosphärischen Klangwelten von Songs wie „Home“ sprengen Genre-Grenzen ebenso spielerisch wie das beinahe jazzige „Memories And Faces“, die eingängige Folk-Pop Single „Eskimos To Astronauts“ oder der Song „Whizz Bang Bang“, der durchaus dem Soundtrack zu einem Quentin Tarantino Film entstammen könnte.
„Parrysland“, sein Debütalbum, das er zur Zeit mit Produzent Franz Plasa in dessen Hamburger Studio aufnimmt, ist ein Konzeptalbum über turbulente Beziehungen – „Die Beziehungen starten immer märchenhaft und enden dann leider oft im Chaos“, lacht Ashley. Der Titel „Parrysland“ stammt von dem Buch 'Wuthering Heights' von Emily Brontë, mit deren Geschichten Ashley aufgewachsen ist.

Spätestens seit die BBC eines seiner Konzerte in seiner englischen Heimat mitgeschnitten und ausgestrahlt hat, wird  der Name Ashley Hicklin, nicht mehr nur hinter vorgehaltener Hand geflüstert. Ohne diesen Konzertmitschnitt hätte es Ashley übrigens nie an die Alster verschlagen. Gesehen hatte den Mitschnitt nämlich auch Peter Ende, damals noch Chef von EMI Europa, der den jungen Künstler aus dem Nordosten Englands umgehend unter Vertrag nahm und dann nach Hamburg lotste. Ein Schritt, den Ashley selbst nach anderthalb Jahren noch keine Minute bereut hat. „Bevor ich nach Hamburg kam“, sagt er, „habe ich eine Zeit in London gelebt und es nicht sonderlich gemocht. Hamburg dagegen ist phantastisch. Ich liebe die Stadt, die Menschen, das Leben hier.“

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BETTY BLITZKRIEG

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BETTY BLITZKRIEG

"IHR MÖCHTET SONNENSCHEIN, ABER ES GIBT KEIN'…!"

Blitzkrieg, Against the Machine!

Es war einmal, ein Mann mit einer Mission:
Rocken, bis alle seinen Namen schreien!

Der Mann hieß, und heißt immer noch Betty Blitzkrieg. Und die Mission wird erfüllt. Um jeden Preis.

Grinsend verkündet Betty Blitzkrieg: “Der Spaß hat erst angefangen, alle Kritiker sind nur Zuschauer!" Hinter der Mission steckt der 27-jährige, in Wien geborene und in München lebende Musiker David Sobol: "Ich bin ein Spiegel meiner Zeit. Ich bin meine eigene Kunstfigur und jeder sollte das auch sein. Scheißt auf eure Vergangenheit und lebt eure eigene Realität".

Die Message ist einfach. “Sei genau das, was du sein willst, und wenn das den Leuten nicht gefällt, dann zeig ihnen den Mittelfinger." Selbigen ziert bei David Sobol aka Betty Blitzkrieg, ein Tattoo mit dem Namen seines Debutalbums "Voodookind".

Betty Blitzkrieg hat vom ersten Moment seines Erscheinens in der deutschen Medienlandschaft polarisiert.
"Wir feiern anders" hieß die im Sommer 2009 erschienene erste Singleauskopplung, die Dank MTV's "All Eyes On"-Kampagne, einer breiten Masse zugänglich gemacht wurde.

Die einen feierten ihn für seine inszenierte Selbstverliebtheit, die anderen warfen ihm Verrat und Ausverkauf vor.

Herr Blitzkrieg's Statement dazu ist klar und deutlich:
"Warum wird keinem schlecht, wenn bei DSDS der hundertste Typ einläuft, der erzählt, dass seine Mutter im Sterben liegt, und dann ergriffen von seiner eigenen Ergriffenheit "Hero" von Maria Carey schmettert? Warum riecht da keiner den wahren Betrug?
Aber wenn man sich anmalt und laut schreit ist es Fake, nur weil die Leute einen nicht kennen. Ich habe mein Album selbst gemacht und es erzählt von mir allein. Da ist meine Seele drin. Es ist die einzige Antwort!“

Die Antwort heisst "Scheiss drauf" und ist gleichzeitig der Titel, der im März erscheinenden 2. Single.

In der einzigsten Coverversion des von Fans sehnlichst erwarteten Albums "Voodookind", widmet sich Betty Blitzkrieg sogar dem Megahit des grossen Falco, "Rock me Amadeus".
Doch Respekt ist für Betty Blitzkrieg hier kein Fremdwort: "Falco ist ein Held, und er ist den Heldentod gestorben. Ich habe seine Musik nicht gestohlen. Ich erzähle nur meine Version seiner Geschichte, damit keiner vergisst, um was es geht.

"Auch wenn es im weitgehend ironiefreien Deutschland eine sehr schwierige Mission ist, die Betty Blitzkrieg für sich gewählt hat, steckt hinter der selbsterschaffenen Kunstfigur ein ernstzunehmender Musiker und ein redegewandtes Sprachrohr einer Anhängerschaft, die ständig wächst.
Um seine Mission endgültig zu erklären, hat Betty, seinem 2010 erscheinendenersten Album "Voodookind", ein digitales Buch beigelegt. Es trägt den Titel: "Buch Against the Machine".

Noch Fragen?

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D-A-D

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D-A-D

Als Anfang der Achtziger drei junge Kopenhagener am Ernst des Lebens einigermaßen desinteressiert in den Tag hinein leben, zeichnet sich nicht gerade das am Firmament ab, was man irgendwie als „erfolgreiche Rockband“ bezeichnen würde. Peter Jensen (dr), Stig Pedersen (b) und Jesper Binzer (v,g) musizieren ein wenig und zelebrieren ansonsten das, was sie wenige Jahre später in ihrem größten Hit zusammen gefasst haben: „Sleeping My Day Away“. Dass sie zwanzig Jahre später immer noch eine große Nummer sind und mit genannter Selbstkritik auch einen weltweiten Erfolg feiern konnten, war seinerzeit nicht im entferntesten zu erahnen. Musikalischer Zug kommt in die Sache D-A-D (damals noch „Disneyland After Dark“) erst mit dem Einstieg von Jespers Bruder Jacob (g). In dieser Formation nimmt man das Debüt „Call Of The Wild“ auf und begründet im Vorbeigehen das Genre „Cowpunk“. Die Band trägt ihren Namen ab sofort zurecht. Das folgende „No Fuel Left For The Pilgrims“ avanciert zum Kultalbum und prägt Ende der Achtziger eine ganze Generation von Punk- und Rockfans. Was folgt sind bewegte Jahre. Studioalben zwischen kommerziellem Erfolg und kreativer Erneuerung aber auch geschäftliche Tiefschläge, enttäuschende Verkaufszahlen und künstlerische Ausrutscher, die bei den Fans bestenfalls für Verwirrung sorgen. Mit Anfang des neuen Jahrtausends und dem Album „Everything Glows“ (auf dem Peter Jensen von Laust Sonne ersetzt wird) kehrt man aber wieder in die Erfolgsspur zurück und kann die alten Fans wieder auf den Kurs der Band einstimmen.  D-A-D, das ist trotz aller Volbeats und Vetos und wie sie alle heissen, seit inzwischen 20 Jahren die größte Rockband Dänemarks. Die Anzahl ihrer Headliner-Shows auf dem legendären Roskilde Festival sind Legion und ihre Alben fahren auch heute, zwei Dekaden nach dem Überhit „Sleeping My Day Away“, in der Heimat zuverlässig Doppel-Platin-Auszeichnungen ein. Der Status Quo könnte also auch heute noch kaum besser sein für die Band um die Binzer-Brüder. Und trotzdem ruht man sich mit dem neuen Album „Monster Philosophy“ nicht auf den verdienten Lorbeeren aus, sondern bemüht neue Themen und Zugänge zur eigenen musikalischen Identität. Heraus gekommen ist 2008 ein Album zwischen eingängigen Rocknummern („Beautiful Together“, „Revolution“), entspannter Melancholie („Milk And Honey“, „River“) und dem beinahe countryhaft galoppierenden „Money Always Takes The Place Of Life“, mit dem die Musiker ihrer Geschichte als Erfinder des „Cowpunks“ die Ehre erweisen. So hört sich ein Album an, wenn vier Musiker wissen, dass sie niemandem mehr etwas beweisen müssen. Es aber dennoch tun wollen. Ambitioniert, verspielt und immer im Wissen um die eigenen Trademarks. Jesper Binzers charismatischer Gesang ist der rote Faden, der die 14 Stücke (inkl. G-A-S exklusiver Bonussong) zusammenhält, rechts und links des Weges ist erlaubt, was rockt und Spaß macht. Wie eigentlich schon immer. Trademarks? Ja! Korsett? Nein, danke. Da produziert man eben auch mal schnell im Vorbeigehen eine waschechte Radionummer („Too Deep For Me“), die auf den Sommerfestivals in der Heimat bereits live erprobt und von den Fans für gelungen befunden wurde.  2008 klingen D-A-D mit ihrem zehnten Studioalbum „Monster Philosophy“ wie eine perfekte Symbiose aus „No Fuel Left For The Pilgrims“, dem experimentelleren „Simpatico“ und dem straighten Rocker „Scare Yourself“. Das Beste aus allen Welten sozusagen, soundtechnisch veredelt in New Jersey und Kopenhagen.

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EYEHATEGOD

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EYEHATEGOD

EYEHATEGOD verbrachten die letzten zwei Jahrzehnte in Konflikten mit einer korrupten Musikindustrie. Sie benutzen ihre Musik, sozusagen, als Mittelfinger gegen Alles und Jeden, von Amtspersonen der Regierung bis zu scheinheiligen Arschlöchern, die sich hinter organisierten Religionen verstecken. Sie trotzen jedoch aller Realität und existieren weiter, überrstanden persönliche und berufliche Rückschläge, wie Drogenabhängigkeit und Naturkatastrophen. Inmitten des ganzen Getümmels erreichte EYEHATEGOD hierbei die Hochwassermarke wenn es um "Sludge Metal" geht, der die Geburt des gottlosen Rockbastard, an der Zitze die schon Black Sabbath und Black Flag erschuf. Unzählige Bands folgten in ihren Fußspuren und sie inspirieren Gruppen auf der ganzen Welt bis zum heutigen Tag.

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FILTER

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FILTER

FILTER

“Can’t we learn from history … Why’s it such a mystery?”
“Soldiers of Misfortune”

Richard Patrick has had enough.

The mastermind behind Filter’s fourth album, Anthems for the Damned, its first in five years since The Amalgamut, is what Patrick calls his “howl in the night,” a harsh indictment of civilization that doesn’t exclude himself from its vision of a world falling apart.

Featuring such collaborators as guitarist/songwriter John 5 (Marilyn Manson, Rob Zombie), guitarist Wes Borland (Limp Bizkit) and drummer Josh Freese (A Perfect Circle, Nine Inch Nails, Guns N’ Roses, the Vandals), Anthems for the Damned was produced by Pulse Recording’s Josh Abraham (Slayer, 30 Seconds to Mars, Velvet Revolver, Staind, Courtney Love).

The album traces Patrick’s own anger and shame with the state of things, from the intense alternative industrial blast of “The Take,” “What’s Next” and “Hatred is Contagious,” through the stunned acceptance and ironic sarcasm of the first single, “Soldiers of Misfortune,” the ultimate resignation of “Kill the Day” and “Lie After Lie” to the tentative hope expressed by “Only You” and the ambient soundscape of the closing “Can Stop This.”

“It’s about the embarrassment of being a human in the face of the awesome power of nature,” he explains. “To see what we’re doing to the planet and each other. I’m ashamed about the shape of the world we’re leaving to our children. And I’m not excusing myself either. I’m just asking, ‘Why can’t we get it right?’”

Patrick calls the soaring anthem “Soldiers of Misfortune,” with its U2/Bowie flavor and stacked backdrop of buzzing electric guitars, a “sardonic anti-war/pro-troops song.” The first-person narrative was inspired by a letter from a Filter fan who had enlisted in the Army reserves to get his college tuition paid; in his final year of college, he was shipped off to Iraq where he died from a rocket attack and small arms fire after just a few days of duty.  And while the story might be downbeat, the music is as accessible as such Patrick radio hits as “Hey Man, Nice Shot” (from its1995 debut Short Bus) or the Top 15 pop smash, “Take a Picture” (from 1999’s Title of Record).

“I set out to capture the senselessness of his situation,” says Patrick. “The bleakness of the lyrics plays off against the optimism of the chord progression.”

That combination of classic-rock melodies and industrial heavy metal has been part of Patrick’s music from the very start, when the Ohio native first shared his musical theories with one-time Nine Inch Nails bandmate Trent Reznor.

“In Dreams,” featuring Wes Borland on guitar, plainly states, “The American dream is an illusion and we must wake up,” while “Cold (Anthems for the Damned)” is a song about “running away from the world to either kill yourself or to realize the only place for you is in the arms of society,” he says, explaining how his experiences as a recovering alcoholic helped him come to terms with that contradiction. “It’s like what they call the ‘white room,’ where you must face yourself… There is nobody or nothing else to deal with.”

Beginning with strummed acoustic guitars, “Only You,” which Patrick says is rooted in Brian Eno’s theory of the “happy accident,” contemplates how mankind has the potential to simply be erased by our own hand.

The decision to revive the Filter brand after five years came after Patrick’s experience as singer/lyricist with the supergroup Army of Anyone -- with Stone Temple Pilots’ Dean and Robert DeLeo and David Lee Roth drummer Ray Luzier -- releasing a self-titled album on The Firm Music label last year. A single from the album, “Goodbye,” went to Top 3 on the Active Rock charts.

“I’ve always loved collaborating with other people, but the stuff I do on my own is the most fulfilling,” he says. “It was an amazing experience to be in a group with such talents as Robert Dean and Ray, but I felt I had some unfinished business with Filter. And I think they understood that. Filter will always be my legacy.”

Since deciding to part ways with Nine Inch Nails to record Filter’s multi-platinum debut, Short Bus, for Reprise Records, Patrick has seen his own career take off. That first album produced the Top 10 alternative mainstay, “Hey Man, Nice Shot,” as well as such standards as “Dose,” “Stuck in Here” and “Under.”

Title of Record followed in 1999, featuring “Take a Picture,” which was a Filter crossover pop hit, landing at #12 on the Billboard Hot 100. The album’s “Welcome to the Fold” and “Cancer” garnered a strong amount of Active and Alternative rock airplay as well.

At this time, Patrick began writing for films, with his songs appearing on soundtracks like The Crow, Spawn, The X-Files, The Cable Guy, The Girl Next Door and Little Nicky.

The Amalgamut, his final album for Warner Bros., was released in 2002, featuring the single, “Where Do We Go From Here.” Another song on the album, “The Only Way is the Wrong Way,” served as the music for a national Hummer 2 automobile TV campaign.

With Anthems for the Damned, Patrick returns to his indie roots, a move that has creatively revitalized him.  

“I’d rather not subject myself to the insanity of the major label system at this point in time,” he says.

Anthems for the Damned is his cry in the wilderness, a protest against the status quo, a litany of society’s ills and, hopefully, a first step on the road to recovery.

“I worked really hard on this album,” he says. “If it’s the last record I ever do, I wanted to make it as big a musical statement as I can. It comes from the only place good music can come from, an honest heart. That’s what really matters. We, as human beings, are the only ones lucky enough to grasp just how vast and remarkable our universe really is, and at the same time, understand our own vulnerability. So, why are we so reckless?”

“Am I always angry? No. Am I always full of hope? No. But even if my lyrics are dark as shit, there’s always something uplifting about the music. I try to rise above my issues.”

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GENITORTURERS

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October 1, 2009 – Renowned for their status as agents provocateur of the underground hard rock and industrial metal scenes, the latex defining and pop-culture defying Genitorturers return with the Nov. 3 release of Blackheart Revolution [G-Force/MVD Entertainment].

The outfit’s fifth studio release, Blackheart Revolution is a mesmerizing blend of infectious riffs and riotous overtures that lay the sexually-charged foundation for frontwoman Gen, the master of turbo-charged ceremonies and erotic rituals. The Genitorturers live spectacle returns to the road October 24, with the first leg of dates running through November (itinerary below).

“We wanted to make a big rock record that translates the same excitement I felt when I heard AC/DC’s Highway to Hell for the first time, combined with the dark intrigue of Alice Cooper’s Welcome to My Nightmare,” says Gen of the new release. “We wanted something that shakes the walls, grabs you by the balls, and scares you a bit in the process!”
 
Mission accomplished, as Blackheart Revolution combines the band’s signature, genre-bending style of aggressive rock, seductive metal and underground electric pop. Co-Produced by David “Evil D” Vincent [Morbid Angel] and Scott Humphrey [Motley Crue, Rob Zombie, Ozzy Osbourne], the album is a roller coaster ride of musical twists, sonic turns and reckless abandon.
    
A product of Orlando, Florida’s musical underbelly, what Genitorturers lack in wholesome family fun, they make up for in their celebration of the unspeakable, embracing and exploring our conservative culture’s taboos. They caught the ear (and eye) of legendary music industry magnate Miles Copeland, who signed the band to their first deal on his I.R.S. label, where they joined the ranks of fellow Copeland signings Gary Numan, The Go-Gos and R.E.M.  

The lead single from Blackheart Revolution, “Cum Junkie,” is currently available via digital release, as well as in limited-edition, 7-inch vinyl. The collectible physical release will be the first in a series of vinyl singles to be released from the album, each complete with expansive packaging and uncensored artistic detail.    
        
From their beginnings as upstart mavericks, to their current status as veteran iconoclasts, the only boundaries the Genitorturers know are the boundaries that they shatter. 

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GOTHMINISTER

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GUANO APES

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GUANO APES

GUANO APES  Press Info: 

It was back in 1994 that Sandra Nasic, Dennis Poschwatta, Stefan Ude and  Henning Ruemenapp teamed up for a band they eventually called ‚Guano Apes‘. 

Combining powerful and unsual rhythms, complex harmonies and intriguing  melodies they stormed through Germany’s music scene with their debut album  ‚Proud like a god‘ in 1997 and took off for full scale tours through most of Europe  and even North America touring with the likes of Creed or P.O.D. ‚Proud like a god’ ended up being the most sold debut album of an  english speaking german band and managed to keep this record up to to  the current date reaching gold and platinum status in several European Countries. 

After intensive touring Guano Apes returned with their second album  ‚Don’t give me names’ in 2000  which entered the german charts on #1  straight away and lead to continuing success in even more european countries. 

In 2003 their third album ‚Walking on a thin line‘ marked further creative  development of Guano Apes establishing them as one of the most successful german bands ever by hitting the top of the european charts once more. 

The band achieved numerous awards including the MTV Award for  Best German Act, gold and platinum awards all over Europe as well as  two Echo Awards and the IFPI Award for selling one million copies of  their debut record in Europe. They kept on touring until 2005 before they parted separate ways to  initiate various other projects. 

Guano Apes have always been very well renown for their amazing stage  presence and powerful live shows. 

After four years of silence they will now be back together on stage for  a series of european festivals - so expect this summer to be a very hot one!

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H-BLOCKX

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H-BLOCKX

The Blockx Are Back!!!

Zehn Jahre ist es her, da veröffentlichten die Münsteraner unterstützt von George Glueck & seinem Team ihr erstes Album Time To Move. Das Debüt verkaufte sich weltweit über 750.000 mal, die Singles, u.a. Risin' High, Move und Little Girl, werden zu Dauerbrennern in den Clubs.
Zehn Jahre, vier erfolgreiche Alben und unzählige Konzerte später veröffentlicht die Band nun ihr fünftes Studio-Album, wieder mit George Glueck & seinem Team - der Kreis schließt sich!

Am 24. Mai erscheint die erste Single-Auskoppelung Leave Me Alone!, ein fulminanter Vorgeschmack auf das am 7. Juni folgende Album No Excuses. Der Song entsteht nach einer intensiven Partytour, Nachts im Hotelzimmer, als Henning und sein Kumpel Jan sich den Frust über diverse Leute von der Seele spielen. Das Klopfen & Hämmern der anderen Hotelgäste wird ignoriert - um 4.00 Uhr morgens ist die Idee zu Leave Me Alone! getaped. Das Problem - am nächsten Tag war alles vergessen!
Erst vier Monate später wird der Song zufällig auf einem Diktiergerät wieder entdeckt und sofort fertig gestellt, der Auftakt zum neuen Album ist geschaffen!

Die Band hat sich verändert. Musikalisch. Inhaltlich. Optisch. Und obwohl sich Henning Wehland (Gesang), Tim Humpe (Gitarre), Steffen Wilmking (Drums) und Fabio Trentini (Bass) erst im vergangenen Jahr entschlossen, gemeinsam als H-Blockx erneut anzugreifen, spürt die Band, dass sie angekommen sind und die ideale Besetzung gefunden ist. Dave Gappa komplettiert die Truppe als Ehrenmitglied und wird auch bei der diesjährigen Festivaltour mit dabei sein.

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HAYSEED DIXIE

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HAYSEED DIXIE

“Their sheer velocity and deranged ensemble-playing somehow mirrors the thunderous wattage of the originals … the Hayseeds’ beserk hedonism is refreshing indeed.” – Guardian live review ****

Appalachian hell raisers Hayseed Dixie, have announced they will be hitting these shores again to tour in February and March 2010, and invite you to join them getting stark-raving plastered as they rock out in their own unique and inimitable way.   Since forming in the Fall of 2000, the band has performed over 1,000 live shows in 21 different countries.  

Hayseed Dixie are currently recording their new studio album in Nashville, TN, which is due for release in February 2010.   The album, which will feature more songs about killin’, drinkin’, cheatin’ and hell, will contain some unexpected cover versions alongside the bands own material.   More details to follow …

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HEAVEN'S BASEMENT

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HEAVEN'S BASEMENT

"We're all about big, energetic, statements of intent", says HEAVENS BASEMENT frontman Richie, Hevanz "We're the band that will make you fall in love with Rock n' Roll all over again"

Since their debut show in April 2008 Heavens Basement have been doing just that, reigniting music fans love of hard rock up and down the UK and across Europe. For a band so young their list of achievements is extremely impressive. Aside from blowing the ceilings off toilet venues across the country at their own headline shows, the 100+ shows the young rockers played last year included a support slot with BON JOVI, main support slot on THUNDER’s UK tour, as well as prestigious slots at BLOODSTOCK and HARD ROCK HELL 2 festivals.

2009 kicked off with the band holed up in the studio with renowned producer  Bob Marlette (BLACK STONE CHERRY, AIRBOURNE, SHINEDOWN, SALIVA) to record 4 tracks in 5 days, before hitting the road again, this time as main support to THUNDER on their European tour. The band were rapturously received in the Netherlands, Belgium, Switzerland and Germany.

Their hardwork and brilliance has not gone unnoticed, with Germany’s “Rocks!” magazine awarding the band their BEST NEWCOMER award, as well as a nomination for the same title from Planet Rock radio in the UK.

With 4 stunningly produced tracks ready to be unleashed, the band hit the road again for a mammoth tour of the UK, preceded by some warm up shows in Scotland. Miss them at your peril.

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HYPOCRISY

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HYPOCRISY

"Saab and Volvo may be in crisis, but Sweden's still got some strong trademarks. "A taste of extreme divinity" shows that Hypocrisy is back with a vengeance. Crushing riffs, intriguing melodies - four years of waiting is finally over. Thank God/Goat that Hypocrisy are back!"
Jonas Granvik / Close-Up Magazine SWEDEN

Let’s not wonder how HYPOCRISY mastermind Peter Tägtgren finds the time to be a legendary producer (in his ABYSS STUDIOS) and write songs for both his bands PAIN and HYPOCRISY. Let’s just rejoice in Mr. Tägtgren`s new album “A Taste Of Extreme Divinity”! “A Taste Of Extreme Divinity” is probably the most mature creation HYPOCRISY have released so far. Combining pure Death Metal stylings and grinding slow tunes with catchy melodies we all learned to love from ‘Roswell 47’. This album mirrors the whole evolution of HYPOCRISY. Brutal tracks like ‘Valley Of The Damned’ or “Hang Him High” should make every old-school Death Metal fan happy, while ‘Weed Out The Weak’ is one hell of a fast-paced track with killer riffing whereas ‘Solar Empire’ feat. guitar harmonies still unheard on this planet. The right punch in the face is delivered by drum icon Horgh (IMMORTAL) who joined the HYPOCRISY folds just before their last record “Virus” (2005). All in all, this is a new HYPOCRISY album that is bound to become another Death Metal classic!


The official birth year of HYPOCRISY dates back to 1991 when the band got signed to Nuclear Blast and released their massive debut album “Penetralia”. “Osculum Obscenum” and “The Fourth Dimension” were the next milestones in crushing, extreme Death Metal and defined the band’s status as one of the most innovative and remarkable Metal bands in Europe. Following the release of “Into The Abyss”, HYPOCRISY put together a ‘best of’ album titled “10 Years Of Chaos And Confusion”. The album featured a fan-elected track-list with all the hits of the last decade. 2002’s “Catch 22” defined a new dimension of sound for HYPOCRISY with progressive and rock influences and led HYPOCRISY into a modern era of more fashionable death metal. With “The Arrival” the sound experiments came to an end – and saw HYPOCRISY return to their roots. In 2005, an actual “Virus” was spread by them Swedes, the album almost foresaw the direction they kept continuing with “A Taste Of Extreme Divinity”. Brutal as fuck with lots of groove and fast as hell!

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INDICA

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INDICA

Zwei große Tourneen mit Nightwish, einmal Platin und zweimal Gold in Finnland, zahlreiche Top-Ten-Singles – Indicas Weg führt nur in eine einzige Richtung: nach oben.  Tuomas Holopainen, der Kopf von Nightwish, der als ihr Entdecker und Förderer gilt, sagt über sie: „Indica haben so viele Gesichter – ihr werdet ein Leben lang fasziniert sein!“

Doch der Reihe nach: Die finnische Mädchenband wird 2001 von den beiden Klassenkameradinnen Jonsu (Gesang, Violine, Gitarre, Keyboards) und Heini (Bass, Gitarre) gegründet, die gemeinsam in einem Streicherorchester für Kinder gespielt hatten. Wenig später treten auch Sirkku (Keyboards, Klarinette, Klavier), Jenny (Gitarre) und Laura (Schlagzeug, Percussion) ein – Indica sind komplett. Fünf hübsche junge Mädels, eine Gemeinsamkeit: Vollblutmusikerinnen, Lichtjahre von Castingshows und musikalischer Belanglosigkeit entfernt. Und richtig gute Freundinnen sind sie auch.

„Erfolg lässt sich nicht vorhersagen“, sagt Sängerin und Texterin Jonsu, „deshalb habe ich mir darüber auch nie Gedanken gemacht.“ Und dennoch war er sofort da, der Erfolg: 2003 unterzeichnen sie ihren ersten Plattenvertrag und arbeiten an ihrem Debütalbum „Ikuinen Virta“, das sich 30 Wochen in den finnischen Charts hält und Platin erreicht. Von Null auf Hundert in drei Sekunden – ihre Landsleute sind begeistert, so eine moderne, romantische Mischung aus Pop, Rock, exotischen Instrumenten, finnischer Melancholie und mystischen, naturverbundenen Texten hatten sie noch nicht gehört. Die Presse hat sofort einen griffigen Begriff parat: Mystik-Romanik-Pop. „Unsere Musik kann man nicht in eine Schublade stecken, nicht einmal ich finde die passenden Worte“, sagt Jonsu. Macht nichts: Musik muss man fühlen, nicht rational erklären.  

Es folgen drei weitere Alben für den finnischen Markt, von denen zwei Gold erreichen und sich wochenlang in den Charts halten. Das letzte davon, „Valoissa“ (2008), produziert Nightwish-Boss Holopainen höchstpersönlich, und auch beim neuen Indica-Album „A Way Away“ hat er seine Finger am Mischpult im Spiel. „A Way Away“ ist eine Sammlung der besten Indica-Songs, die für den internationalen Markt in Englisch eingesungen wurden. „Ich hatte Schmetterlinge im Bauch, als ich erstmals englische Texte sang“, erinnert sich Jonsu – und trifft dabei genau das Gefühl des Hörers bei „A Way Away“: zu Musik gewordene Landschaften, ungeahnte Emotionen, großes Kino. „Filmsoundtracks sind neben der Natur mein größter Einfluss“, sagt die 25-jährige Komponistin. Weitere musikalische Vorbilder: Pink Floyd, Kate Bush, Interpol, Queen, The Arcade Fire, Beatles, Edith Piaf und, und, und.

Wie gesagt: Indica haben viele Gesichter. Und neben Tuomas Holopainen noch weitere prominente Fans, zum Beispiel den amerikanischen Dichter und Drehbuchautor Rory Winston, der bei der Übersetzung der Texte ins Englische half. Oder den Komponisten und Produzenten Pip Williams, der nicht nur Nightwish-Alben mit symphonischen Arrangements veredelte, sondern auch Indica bei „A Way Away“ unter die Arme griff – zum Beispiel bei der ersten Single „In Passing “, einer nachdenklichen Ballade mit extrem hohem Wiedererkennungswert. Co-Produziert wurde die Single von Roland Spremberg  (Him, A/ha, Livingston uvm), gemixt von Marc Schettler (Farion Urlaub, Silbermond, Sportfreunde Stiller uvm.). Und jetzt: Schubladendenken über Bord werfen, CD einlegen, Augen schließen – und sich ein Leben lang verzaubern lassen.

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LISBEE

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LIVINGSTON

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LIVINGSTON

Interpret: Livingston
Titel: „Sign Language“
VÖ: 25.09.2009

Mit ihren eigenwilligen, äußerst variablen und eindringlich intensiven Rocksongs gehört der Band Livingston die Zukunft des Alternative Rock. Und auch die Gegenwart, denn diverse Tourneen auf eigene Faust oder als Special Guest von so unterschiedlichen Künstlern wie The Duke Spirit, Revolverheld, Ich+Ich, Blind oder dem letzten DSDS-Abräumer Thomas Godoj haben dafür gesorgt, dass der Name Livingston unter deutschen Rockfans längst ein fester Begriff ist, der für Qualität, Kreativität und Emotionalität steht. Das alles geschah ganz ohne einen offiziell erhältlichen Tonträger der Band.
Was also ist so besonders an Livingston, die zielstrebig, unbeirrt, so ganz ohne Hype und Marketing-Millionen der Spitze entgegenstreben? Nun, diese Band ist echt und man spürt das Feuer, das in den Musikern brennt. Sie haben sich mit Haut und Haaren der Musik verschrieben, voll auf diese Karte gesetzt – und gewonnen. Der Einsatz war nicht gering, denn sie haben alles zurückgelassen und sind aus verschiedensten Richtungen in die Rock-Metropole London gepilgert, im Gepäck nur ihren großen Traum von der Musik. „Die Stadt ist ein musikalischer Schmelztiegel, sie pulsiert und vibriert, quasi überall liegt Musik in der Luft“, schwärmt Sänger Beukes Willemse.
Der so charismatische wie stimmgewaltige Sänger Beukes Willemse und der für Gitarre, Gesang und Keyboards zuständige Chris van Niekerk musizierten bereits in ihrer südafrikanischen Heimat zusammen. Chris ist in der Nähe von Pretoria aufgewachsen, während Beukes früher auf einer Farm außerhalb von Newcastle gelebt hat, etwa 250 Kilometer südöstlich von Pretoria. Mit der Gitarre durch die Bars zu tingeln, war auf Dauer nicht das, was sich die beiden unter einer Karriere als Musiker vorgestellt hatten, und so brach Beukes Ende der Neunziger nach London auf. Wenig später verscherbelte auch Chris sein Hab und Gut, sagte der Freundin Lebwohl und folgte seinem Soulbrother.

Nach diversen Jam-Sessions fanden die beiden im deutschen Gitarristen Jakob Nebel sowie dem italienischen Schlagzeuger Paolo Serafini zwei ähnlich musikbesessene Weggefährten. Im Gründungsjahr 2002 spielte der Däne Martin Arnoldi Bass, wurde 2005 aber vom Norweger Christoffer Borud ersetzt, der wiederum später den Platz für den Engländer Phil Magee räumte. Die perfekte Formation hatte sich gefunden, in jeder freien Minute wurde gejammt und „bei einer dieser Jam-Sessions hat es dann endgültig ‚klick’ gemacht“, wie Jakob erzählt. „Beukes und ich hatten danach Tränen in den Augen“. Das UK-Label Manta Ray Music nahm die Band im Oktober 2006 unter Vertrag und bald darauf sicherte sich in Deutschland Universal Music den ungeschliffenen Rock-Diamanten Livingston.
Mittlerweile wohnt nur noch Beukes in London, der Rest hat sich in den Berliner Bezirken Mitte und Prenzlauer Berg niedergelassen. Doch Wohnorte sind sekundär, Livingston sind überall dort zu Hause, wo die Sprache der Musik gesprochen wird. Untereinander verständigt man sich auf Englisch, aber für die wichtigen Dinge bedarf es keiner Worte. Symbole sind eine adäquatere Form des universellen Ausdrucks, was auch der Albumtitel „Sign Language“ (dt. „Zeichensprache“) verdeutlichen soll. „Die Sprache der Symbole begegnet uns im täglichen Leben überall“, erklärt Drummer Paolo. „Speziell für uns sind solche Symbole wichtig, da wir alle aus verschiedenen Kulturen kommen. Wir haben unterschiedliche Gedanken und Gefühle, wenn wir mit bestimmten Dingen konfrontiert werden.“
Der Name Livingston geht auf ein Buch zurück, wie Beukes erklärt. „Es ist von Richard Bach und heißt ‚Jonathan Livingston Seagull’“. In Deutschland besser bekannt unter dem Titel „Die Möwe Jonathan“. Beukes’ Vater hat ihm immer daraus vorgelesen, als er knapp sechs Jahre alt war, und seitdem begleitet ihn dieser Roman durchs Leben. „In dem Buch geht es darum, nicht wie jeder andere zu sein, sondern eine eigene Spur auf der Straße des Lebens zu hinterlassen. Keine Angst zu haben, wenn man sich dabei nicht an die allgemein gültigen Regeln hält. Den eigenen Traum zu leben.“

So vielfältig wie ihre Herkunftsländer sind auch die stilistischen Einflüsse, die jeder der fünf Musiker in den Bandsound mit einbringt, doch auf Bands wie Kings Of Leon, Coldplay, Muse oder die Foo Fighters können sie sich alle einigen. „Ich würde aus der Grunge-Ecke noch Pearl Jam und Live erwähnen“, ergänzt Jakob, um gleich darauf anzumerken, dass „es uns nie gekümmert hat, welche Band gerade angesagt ist, unser Sound hat sich ganz natürlich entwickelt. Die Einflüsse sind wieder eine Geschichte für sich, weil jeder von uns in seiner musikalischen Sozialisation einen anderen Weg gegangen ist. Das sind so viele Künstler, die da in unserem Schmelztiegel zusammenkommen.“

Das aus diesem Schmelztiegel geschöpfte Debütalbum der musikalischen Weltenbummler klingt schlichtweg atemberaubend. Da treffen große Gefühle auf mindestens genauso große Melodien, aus dem Kontrast von hell und dunkel entsteht eine ganz eigene musikalische Farbe. „In der Band ist die Balance recht ausgewogen, Glück und Traurigkeit haben gleichermaßen ihren Platz“, sagt Paolo. Die Musik ist sehr emotional, ohne jemals kitschig zu werden. „Tendenziell sind wir eher auf der traurigen Seite zu Hause“, räumt Beukes ein. „Ich würde es aber nicht traurig nennen, sondern tiefgehend.“ So verführerisch klang Melancholie jedenfalls selten.
„Disease“, eine recht harte, aber auch sonnige, beschwingt groovende Nummer, ist da ein leuchtendes Beispiel. Der Text ist ein nach innen gekehrter Blick auf sich selbst, wie Beukes erklärt. „In einem Menschen gibt es immer zwei Seiten, wobei die eine Seite nicht das gleiche will wie die andere. ‚I got this disease, it’s burning in me.’ Man muss sich dieses Konfliktes bewusst sein und die humane Seite nach Kräften unterstützen.“ Beukes, der alle Lyrics schreibt, betont, dass man bei ihm „keine vollkommen eindeutigen Aussagen“ finden wird. „Es ist nicht mein Ding, zu sagen, dies ist so und das ist so.“ Und so ist auch der Text bei der ersten Single „Broken“, einer ergreifenden, schwer melancholischen Hymne, absichtlich offen gehalten, „damit jeder eigene Verlust-Erfahrungen darin erkennen kann.“
„Go“, ein hymnischer Stampfer mit Hit-Potential, ist angelehnt an die Geschichte des Rattenfängers von Hameln. „Es ist eine Aufforderung, etwas mit seinem Leben anzufangen, nicht alles passiv geschehen zu lassen. Der Refrain thematisiert, wie wenig wir erst erreicht haben, was die Zukunftsgestaltung der menschlichen Rasse anbelangt.“ Auch die packende, eindringliche Nummer „Vula“ hat eine Botschaft. Hier singt Beukes in der Sprache Zulu, seit dem Ende der Apartheid eine der elf offiziellen Sprachen in Südafrika. „Ich bin auf einer Farm aufgewachsen“, erzählt Beukes. „Als kleiner Junge haben mir Kindermädchen Sprachunterricht gegeben. ‚Vula’, was „sich öffnen“ bedeutet, war das erste Wort, das ich gelernt habe. In Südafrika stehen die Berge als Metapher für die Barriere zwischen Arm und Reich. ‚Vula’ bedeutet, diese Trennung zu durchbrechen.“

Die musikalische Achterbahnfahrt „Silence“ bringt die Qualitäten von Livingston auf den Punkt. „Das ist einer unserer ältesten Songs“, erzählt Paolo. „Es ist eine Kombination der Elemente, die die einzelnen Musiker in unseren Sound einbringen.“ Das sieht auch Jakob so: „Bei ‚Silence’ ist das Konzept des kreativen Jammens erstmals so richtig aufgegangen, jeder hat Ideen eingebracht.“ Und da jeder die Elemente integriert, die ihm am Herzen liegen, findet man auf „Sign Language“ auch prägnante Tribal-Percussions afrikanischer Prägung, die mit den vielschichtigen Gitarrenriffs perfekt harmonieren. Im zuvor erwähnten „Disease“ und auch beim druckvollen „One Good Reason“ sind beispielsweise Dumbek oder Belly-Dance-Drums zu hören. „Wir sind absolut offen, was das Einbringen neuer Instrumente ins Studio oder auch in die Live-Situation anbetrifft“, bekräftigt Jakob. Den Livingston-Sound macht diese Offenheit noch origineller und unverwechselbarer.
Am Sound des Albums „Sign Language“ haben gleich sechs ungemein versierte Meister mitgewirkt. Bei drei Songs kümmerte sich das aus Ingo Politz und Bernd Wendlandt bestehende Team Valicon (u.a. Silbermond) in den Berliner Valicon Studios um den richtigen Klang. Roland Spremberg (A-Ha, Sugarplum Fairy u.v.m.) und Moritz Enders (Donots, Revolverheld) nahmen mit Livingston in den Hamburger Studios Clouds Hill and Boogie Park vier weitere Tracks auf. Clemens Matznick (Guano Apes, Donots) justierte bei zwei Stücken die Regler in Berlin (Hansa Studio und White Studio) auf die perfekte Position und der in den USA lebende Engländer Al Clay (u.a. Pink, Therapy?) produzierte drei Nummern im SteakHouse Studio in Los Angeles sowie in den Sonic Ranch Studios im texanischen El Paso. Für den knackigen Mix (Hansa Studio Berlin) zeichnete schließlich Michael Ilbert verantwortlich, der sein Können bereits für The Hives oder Beatsteaks unter Beweis gestellt hat.

Wie fantastisch das Resultat dieser Arbeit ausgefallen ist, wird die Welt ab dem 25.09.2009 erfahren, wenn das Livingston-Debütalbum „Sign Language“ erscheinen wird.

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LOSTALONE

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LOSTALONE

Alea iacta est – Cäsars gern zitierter Satz - bezog sich bei der Überquerung des Rubicons  auf die Überschreitung von bestehenden Grenzen, die sich nicht ohne weiteres rückgängig machen ließ, andererseits auf die Gewagtheit des Unternehmens, denn der Erfolg war keineswegs garantiert...

Der Würfel ist in der Luft und kann auf jede Seite fallen.

2000 Jahre später werden die Würfel wieder geworfen – dieses Mal für ein Trio aus Derby / UK, das mit „Say No To The World“ sehr viel wagt aber alles zu gewinnen scheint!

Ohne große Plattenfirma im Rücken erobern sie gleichermaßen Herzen von Fans und Medien auf der ganzen Welt... dank ihrer Promotionsingles „Blood Is Sharp“ und „Unleash The Sands Of All Time“ erhielten sie Einladungen zu Bruce Dickinsons Kultsendung auf BBC1, in Deutschland unterstützen MTV und Motor TV sowie zahlreiche Radiosender die Band.

LostAlone touren in ganz Europa, ob alleine oder im Package der „Taste of Chaos Tour“ oder auch im Rahmen von „Give it a name“. Territoriale und musikalische Grenzen werden ignoriert –  das Debut der Combo „Say No To The World“ hat die Indie- / Alternative – Landschaft gehörig durchgeschüttelt, um dieses Genre mit weiteren Facetten zu schmücken.

LostAlone begeben sich auf große musikalische Reise in jedem einzelnen Track und schaffen eine beeindruckende Mischung zwischen britischen Hype Größen á la Franz Ferdinand, ohne übertriebene Selbstüberzeugung, Emo, ohne Pathos, und Punkrock, ohne zu simpel zu wirken. Im Gesamten ist es eine Songkonzeption, bei der man mitsingen, mitfühlen oder einfach nur mitrocken kann. Dieser Balanceakt lässt sie immer wieder an die Grenzen der Popmusik stoßen.

Auch wenn die drei Musiker als Underdogs in den  konservativen Midlands sich im Alltag mit allerlei Widrigkeiten rumärgern müssen, verlieren sich die Texte (Thoughts go into my head and from here on they walk alone) nie in einer platten Outlaw Semantik, sondern versuchen auch die positiven Seiten des Lebens zu beleuchten.  So entsprang auch der Bandname Stevens Idee vom Leben:  
 
„Enjoy the intimate quiet of the day, beside all the chaotic atmosphere around you!“

Neben den Singles sollte auch das fantastische „Lost Alone“ sowie das epische „Standing on the ruins of a great empire“ Erwähnung finden – ein Song, der beweist, welchen Instinkt das Trio für große Emotionen und brachialen Rock hat.

Ungewohnt ist auch die Bescheidenheit, die die drei Briten an den Tag legen. Sänger, Songwriter und Vollblut-Performer Steven Batelle sagte kurz vor der ersten Deutschland-Tour in einem Interview zum Thema Erfolg:

„Wenn heute, auf unserer ersten Tour durch Deutschland, nur zwei Leute zu unserem Konzert kommen und es ihnen gefällt, bedeutet uns das schon verdammt viel!"

Nicht das Gegenteil, sondern viel größere Zustimmung war der Fall. Nicht zuletzt auch dadurch das My Chemical Romance LostAlone für sich entdeckt haben und bei ihrer Europa Tour im April 2007 bei einigen Dates dabei hatten. Die Reaktionen waren euphorisch.

Wie sich „Say No To The World“ live anhört zeigten LostAlone dieses Jahr auf allen wichtigen europäischen Festivals wie dem Rock am Ring und Rock im Park, Download Festival, T in the Park, dem Taubertal. dem Carling Festival in Leeds und Reading.

Weiter geht’s in Deutschland im Nov und Dez 2007 mit einer Clubtour!

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LOVEX

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LOVEX

LOVEX träumen den Traum aller jungen Wilden: Sie wollen von ihrer Musik erfolgreich sein. Hooks und Hits, Show und Schweiß, ´ne Menge Spaß und charmantes Augenzwinkern inklusive. LOVEX spielen, leben und atmen den Rock'n'Roll in seiner reinsten Form, wecken mit ihrer Attitüde manchmal  Erinnerungen an Mötley Crüe oder Guns N'Roses, verpassen ihrem musikalischen Cocktail aber den typisch finnischen Schuss Melancholie.

LOVEX das ist: Rock, Gothic und auch eine Prise Metal. Wer die Einflüsse auf das 2001 gegründete Sextett aus Tampere liest, versteht die stilistische Bandbreite ihrer Musik. Von Alice Cooper, Mötley Crüe und den Backyard Babies über Metallica, Nirvana, System Of A Down und Incubus bis zu Sentenced, Nickelback und Nightwish. LOVEX interpretieren den Rock in seiner ganzen Vielfalt.

Ihr Debütalbum „Divine Insanity“ hat in Finnland Goldstatus erreicht und blieb dort für unglaubliche 19 Wochen in den offiziellen Album Charts. In Deutschland schafften es die smarten Finnen aus dem Stand in die Top 20 der Albumcharts. Ihre erste Single „Guardian Angel“ schaffte es auf Anhieb auf Platz 21 der deutschen Singlecharts.

Nun steht das neue Studioalbum „Pretend Or Surrender“ in den Startlöchern, das hierzulande am 2. Mai erscheint. Auch dieses Album ist melodisch und emotionsgeladen, aber heavier und aggressiver als der Vorgänger. Der Opener "Take A Shot" steckt voller frischer Energie und trägt die Züge der 80er in das neue Jahrtausend.

„Take A Shot“ wird auch die erste Single des Albums sein und am 25.04. in Deutschland erscheinen – passend dazu werden Lovex in Berlin im Rahmen der „Helsinki in Berlin“ Woche am 24.04. im Columbia Club ihre Livequalitäten einmal mehr unter Beweis stellen.

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MARTIN AND JAMES

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MARTIN AND JAMES

Martin and James ist ein schottisches Duo, bestehend aus Martin Kelly und James O’Neill. Die beiden Wahlberliner schreiben Hymnen an die Liebe und Oden an die Trauer im großen Stil der Beatles, Stones und Crowded House. Solch perfekt harmonierenden Stimmen und die tiefen, herzzerreißenden Melodien hat man so das letzte Mal bei Simon & Garfunkel gehört.

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MATT DUSK

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MATT DUSK

There are swingers and then there is Matt Dusk – a singer, songwriter, producer, arranger and fervent jazz-pop musicologist blessed with the perfect name…for his spirit truly comes out as night approaches and concert audience await. The Canada-native and Juno Award nominee has spent most of his career reanimating the great American songbook alongside some of his own more quirky pop creations. He scored a gold album with his debut CD Two Shots and a chart-topping adult contemporary (AC) single there with “All About Me.” Matt even scored a #1 single in Japan with “Back in Town” – the first male jazz singer to ever top the pop chart there.

For his third major label release, Dusk has come up with an amazingly novel approach to assembling the perfect pop album – a fool-proof stroke of shape-shifting, era-leaping, cross-continental aural electricity that he’s titled Good News. On this vibrant and riveting collection, time does not stand still…it dances with ever changing partners – from Motown to Euro-synth, from big band ballroom to quadruple guitar blitzkrieg - within a cavalcade of hit songs from ‘round the globe interpreted in a fusion of sonic styles as dizzying as they are dazzling.

“I decided to adopt an old school pop music mentality,” mad musical scientist Dusk confesses. “The difference between the music business of today and of yesterday is that it used to be run by song publishing companies. They’d put a song out, several singers recorded it, and one artist/arrangement would eventually reign supreme. What I decided to do is find some of the biggest chart-topping contemporary pop hits from other countries that have never been heard outside of their territory and re-record them in my style. How many times do you have a 1-hit wonder in one country that’s never been released in another? I’m not reinventing the wheel here. This is precisely the way the industry worked from about 1920-1970. The simplicity of it is what makes the music communicate so beautifully. It’s funny…in jazz, you can get away with this, but if Britney Spears did it, she’d be crucified!”

The process of making Good News took a year and a half, but Dusk greatly benefitted from today’s technological shorthand of the Internet and MP3 hard drives. “We started in December ’07,” he explains. “Everything from song selection to production centered ‘round me being completely neurotic! I am not exaggerating when I tell you that I went through, like, 1,700 songs - combing Websites country by country for Billboard charts then finding YouTube links where I could listen to a verse/chorus of any song I was interested in. I went through so many song histories looking for very specific tunes that moved me. I was thinking about my audience – how I wanted them to feel at my concerts. You’ll notice an abundance of background sing-a-longs on the choruses. That harks back to one era while the music harks to another, and the language/lingo is from yet another still. I look at it as a musical buffet. The music is loaded with variety but what holds it all together is my vocal delivery.”

The resulting 12-song album, which also includes a few all-original pieces, reflects Dusk’s fine-toothed quest for fun, hooky songs that no one would expect a cat raised on Sinatra to sing.  “Another part of the process was that for three weeks, I got my knap sack and travelled around Europe meeting and collaborating with different writers. One guy I wound up writing two or three songs with kept playing me stuff that wasn’t what I was looking for. Finally I convinced him to just hand over his hard drive so I could go through and pick what I wanted. The next day when he saw what I’d selected, he said, ‘I never would have pitched that to you.’ I said, ‘Exactly!’ That was the fun of this record – the discovery.”

The selections move from the big and beat-y finger-snapper “Feel Good” to the laidback break-up reflection “It’s Not That Easy” to the ‘60s ditty-bop 911 call for a love rescue titled “Operator Please.”

Pondering whether he chose songs based on liking them as they were or more for the potential he heard for him to take them to another level, Dusk says, “A bit of both. I’m more an arranger/producer than musician…always thinking of how we can tweak sounds and instrumentation to beef up a song. For instance, I wanted ‘On Vacation’ to have a kind of Kelly Clarkson ‘Since You’ve Been Gone’ feel to it – where you have three layers of distortion guitar in the chorus…something you would never have with a big band in the background…taking the song that next level of intensity and girth. ‘It Can Only Get Better’ is similar in that the original version I heard was a piano vocal thing. A buddy suggested we turn it into something like ‘Fix You’ by Coldplay which starts the same way then builds to a guitar wars thing with 19 layer wall of sound of guitar. I like to listen to music loud, so I made the kind of record you want to crank and have fun!”

Among the highlights of those unearthed and re-imagined gems is the first single/video/title track “Good News.” Recalling the happy madness of making the video and the spontaneity he loves to bring to most situations, Dusk shares, “It was a 2-day shoot with a bunch of friends and a young director. I made it like a real party – everybody was hammered. At some point, somebody hauled out a guitar. Now I can’t play guitar, but I grabbed it and made an ass out of myself on camera because I wanted to show that it really doesn’t matter. It’s about the moment and not taking yourself so-so- serious.”

Beyond the music and arrangements, there is a lot of lyrical magic within these deceptively simple songs. Within the straight ahead 4 on the floor beat of “Don’t Hate On Me” are the memorable lines, “We’re the right train runnin’ on the wrong track” / Don’t blame it on you don’t blame it on me / Don’t blame it on the trip it had no guarantees / This is the day this is the time don’t hate on me.”  Then there’s the irresistible frothy “Love Attack” over which a vampy synthesizer pulse come the lines, “Like a drug you take me higher / Intoxicate me with desire / No escape or run for cover / Something tells me that I’ve got to watch my back / I think I’m under love attack!” I live for stuff like this,’ Dusk enthuses. “Jukka Immonen sent me this song with a whole different lyric - a girl singing over this Euro-synth track. Even though it wasn’t my thing, I loaded up my Pro Tools and started a rewrite. When I played it for people, they were like, ‘What the hell is this?’ Where else would you hear a crooning style delivery to a Euro synth track? People really dig it.”

Canada native Matt Dusk is an alumnus of the St. Michael’s Choir School and studied under jazz piano legend Oscar Peterson at York University. An expert interpreter of standards, he emerged from a bidding war with a lucrative major label contract and a melancholy 2004 debut with Two Shots. “I was going through a break up at the time,” he offers as a terse explanation. Dusk followed that with the power-packed punch of 2007’s Back in Town, recorded in Hollywood by engineering master Al Schmitt at Capitol Records ‘Studio A’ – home of Sinatra and Nat Cole – with top-tier arrangements by veterans Patrick Williams and Sammy Nestico. The goal - old tunes with a fresh approach. His take on “Get Me to the Church on Time” was used on the hit TV competition “So You Think You Can Dance.”

For Good News, Dusk co-produced himself with Ron LoPata (a co-writer from his first album) and drafted Terry Sawchuk – who produced Back in Town – to helm the mixing sessions. Musing again on his methodology, Dusk states, “In a market that has returned to being all about singles, it’s very rare that people listen to the art of an album. My approach making Good News stemmed from the fact that most people you ask today about what kind of music they like, they say they like all kinds as long as it’s good. You don’t hear ‘I like country music’ as much as you hear ‘whatever moves me.’ I don’t believe there is any true originality I music. It’s always one degree away from something you already know.”

Dusk is eager to take the show - and his 9-man band of horns and rhythm - on the road, for it is the stage that really gets his juices going. The records are a mere souvenir of him trying to capture that lightning of energy exchange in an audio bottle. “When you’re around people who love music as much as you, that’s the moment I love and the moment I dread ever losing. I’m not trying to change the world. I’m just an entertainer who wants to bring a little jazz into the mainstream. With Good News, I was looking for ways that I could bring my audience with me outside of the pure jazz genre.”

“I often find myself comparing the joy of making music to the joy of making love,” super swinger Matt Dusk concludes. “You don’t know why you like it, you just do! That’s what I live for - that massive musical orgy between me and my audience.”

 (August 2009)

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MOLLY HATCHET

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MOLLY HATCHET

MOLLY HATCHET veröffentlichen ihr neues Studioalbum "Justice" am 21. Mai 2010 durch SPV/Steamhammer

Erhältlich als CD, Doppel Gatefold Vinyl und Download Für Bobby Ingram, Kopf, Gitarrist und Hauptsongschreiber der amerikanischen Southern Rock-Band Molly Hatchet, ist der Begriff Justice, also Gerechtigkeit, nicht nur eine leere Worthülse. Für ihn drückt sich in diesem Grundgedanken seine gesamte Lebensphilosophie aus. Gerechtigkeit, Fairness, Vertrauen zwischen Freunden, Familienmitgliedern, Eltern und Kindern: Was gibt es wichtigeres? Molly Hatchet leben nach diesen Maximen, für sie gilt ein solches Gelübde nicht nur innerhalb der internationalen Southern Rock-Community, sondern auch in Bezug auf ihre Musik und deren Wirkung auf die Fans. Dennoch erspart sich Ingram jegliche Eigeneinschätzung, sondern überlässt das Urteil über sein neuestes Machwerk Justice den Zuhörern: „Haben wir uns als Band weiterentwickelt? Sind wir eindeutiger geworden? Stärker? Fragen, die jeder für sich beantworten soll, wenn er das neue Album gehört hat. Ich bin mir sicher, dass die Klärung dieser Angelegenheit ausgesprochen positiv für uns ausfällt." Ingrams Selbstbewusstsein, seine Freude und sein Stolz über die neuen Songs auf Justice haben ihre volle Berechtigung. Mit einem Dutzend packender Rocknummern können Molly Hatchet den Beweis antreten, dass sie zu Recht auf gleicher Stufe wie Legenden á la Lynyrd Skynyrd oder Allman Brothers stehen. Auch auf Justice pulsiert ein heißer Südstaatenrock, wie er melodischer, kraftvoller und abwechslungsreicher kaum sein könnte. Nahezu jeder einzelne Track signalisiert bereits im Titel seine thematische und musikalische Ausrichtung. Wie singt Frontmann Phil McCormack so unmissverständlich in  ́American Pride`:„Got that American pride with that southern style, born and bred something deep inside." Und im Titeltrack heißt es, quasi stellvertretend für das Konzept der gesamten Scheibe: „We need some Justice to make the wrong into right."

Dennoch posaunen Molly Hatchet derartige Formulierungen nicht nur einfach heraus, sie füllen diese Begriffe mit selbstlosem Engagement. Eindrucksvollstes Beispiel: das auf einem wahren Vorfall basierende  ́Fly On Wings Of Angels (Somers Song)`. Molly Hatchet widmen diesen ergreifenden Track dem Schicksal der siebenjährigen Somer Thompson aus Florida, die entführt und auf bestialische Weise ermordet wurde. Ohne auch nur eine Sekunde zu zögern haben Ingram und seine Bandkollegen den in ihrer großen Not Hilfe suchenden Eltern Beistand gegeben: Bei einem Benefizkonzert wurden Gelder gesammelt, um die Öffentlichkeit über diesen Vorfall zu informieren und die Somer Thompson Stiftung zu gründen. Als Zuhörer kann man nur tief bewegt sein, wenn man Somers Schwester Abby Thompson an Anfang und Ende des Stückes singen hört. „Vor wenigen Tagen wurde übrigens ein Verdächtiger verhaftet", erzählt Ingram. „Alles deutet daraufhin, dass er der wahre Täter ist. Ich möchte die Hoffnungen, dass er sich als der Schuldige herausstellt, weder zu hoch hängen noch allzu sehr dämpfen ... und wir werden fair bleiben und ihn nicht vorverurteilen, bis die Sache endgültig geklärt ist. Auch dies gehört zu ernstgemeinter Gerechtigkeit dazu." Es gibt also viel Spannendes zu entdecken, auf einem Album, das Bobby Ingram, Phil McCormack, Dave Hlubek (Gitarre), Tim Lindsey (Bass), Shawn Beamer (Drums), John Galvin (Keyboards) auf dem Höhepunkt ihrer Schaffenskraft zeigt. Nicht nur kompositorisch ist Molly Hatchet ein Meisterwerk gelungen, auch produktionstechnisch lässt Justice keine Wüsche offen. Verantwortlich für den tollen Sound ist Produzent Ingram, mit tatkräftiger Unterstützung von Toningenieur Tommy Newton, der Justice gemischt hat. „Ich wollte einen warmen, natürlichen Sound, und den bekommt man nur mit einem analogen Mischpult", erklärt Ingram die Entscheidung, Newton und dessen  ́Area 51`-Studio fürs Mischen und Mastern ausgesucht zu haben. Und so präsentiert sich Justice als Album, das auf allen Ebenen überzeugt: Erdig, dynamisch, mit Liebe zum Detail und jeder Menge Energie. Man könnte auch sagen: Molly Hatchet at their best!

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MR. BIG

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MUSTASCH

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MUSTASCH

MUSTASCH
Mustasch (VÖ: 8.1.)
Nuclear Blast (12 Songs / 43:41 Min.)

Ozzy, Iommi und die nachhaltigen Folgen: Als seinerzeit Black Sabbath in irgendeinem feuchten Kellerraum der englischen West Midlands erstmals ihre düsteren Botschaften in alle Welt hinausposaunten – man schrieb das Jahr 1969 – konnte wohl kaum jemand die fabelhaften Taten der schwedischen Band Mustasch im Januar 2010 vorausahnen: Satte vier Dekaden später hat sich nämlich eine völlig neue Generation passionierter Dunkelheitsanbeter dem Erbe von „Double O & Co.“ angenommen und dieses Genre zur Unsterblichkeit geführt. Nun mag Doom Metal generell zwar geschichtshistorisch und rein zahlenmäßig in die Jahre gekommen sein, doch sein Ruf, sein Ausdruck, die Attitüde sowie die Glaubwürdigkeit sind frischer, vitaler und hipper als jemals zuvor. Candlemass und Saint Vitus galten lange Zeit als wichtigste und legitime Nachlassverwalter – sofern man bei Black Sabbath überhaupt schon von Nachlass sprechen kann – Grand Magus posaunen ebenso ins gleiche Horn wie Count Raven oder Cathedral. Und eben auch die seit gut zehn Jahren regelmäßig hochgelobten Mustasch, die mit ihrem selbstbetitelten aktuellen Werk ihrer bisherigen Karriere die Krone aufsetzen. Und dies, obwohl das Album MUSTASCH sicherlich keine leichte Geburt war. Denn es hat kräftig gerappelt im Karton, hinter den Kulissen, sprich: im Lager der skandinavischen Band. Die Gründe? Kopf und Frontmann Ralf Gyllenhammar, durchaus bekannt als eigenwilliger Sturkopf, will fortan keine Kompromisse mehr machen – wer will das schon? – und nimmt dafür sogar in Kauf, dass zwei seiner Musiker die Gruppe verlassen haben. Zusammen mit Original-Bassist Mats Johansson hat er sein Gespann nun neu aufgezäumt und gibt sich auf dem aktuellen Album wild entschlossen. Ehrlich gesagt: Die ganz großen Veränderungen in puncto Konsequenz und Unbeugsamkeit kann man als Außenstehender nicht ausmachen, was aber sicherlich auch daran liegt, dass bereits ihre frühen Scheiben POWERHOUSE (2005), RATSAFARI (2003) und ABOVE ALL (2002) nicht von schlechten Eltern waren. MUSTASCH jedenfalls setzt konsequent auf die „Doom/Stoner Metal meets Hard Rock“-Karte, klingt manchmal wie Monster Magnet, dann wie Black Sabbath zu ‘Paranoid’-Zeiten und erfreut sich einer gleichbleibend hohen Dynamik. Die Songs der Scheibe sind allesamt dramatisch orchestriert, mit sakralen Orgelklängen und himmlischen Streichern unterlegt. Dazu kommen der pathetische Gesang und kompositorische Parameter, die dem legendären Doom-Klassiker ‘War Pigs’ erstaunlich nahe sind. Ob nun der neue Sologitarrist David Johannesson entwaffnend frische Impulse gibt, ob die Drums dank des aktuellen Trommlers Danne McKenzie noch energetischer daherkommen? Schwer zu sagen. Fakt ist: Es sind die fabelhaften Songs dieser Band, die zu begeistern wissen. Das war auf dem direkten Vorgänger LATEST VERSION OF THE TRUTH (2007) so und ist auf MUSTASCH nicht anders – diese Band rockt wie die Hölle! Warum also, so fragt sich der interessierte Bewunderer zu Recht, musste der ganze Budenzauber hinter den Kulissen überhaupt sein?
Matthias Mineur, #1 SOUNDCHECK METAL HAMMER (D)
 
Mustasch
Nuclear Blast/Warner - Stil: Hardrock
Nach einem kurzen Intro gehen MUSTASCH voll in ‘Hersey Blasphemy’ über. Ich glotze wie ein Ochs vorm Berg... Shit, was ist denn das? Heavy ja, aber auch nervig. Das sind nicht die MUSTASCH, die ich kenne. Moderne Tieftöner-Riffs, nerviger Takt... ups, wenn das so weitergeht, ist das ein Schuß ins Bein. Glücklicherweise nicht! Die weiteren Songs haben nicht viel mit dem ersten Stück gemeinsam. Die Jungs sind etwas zurück zu ihren Wurzeln gegangen und kommen nach dem mißlungenen Opener souverän in die Gänge. Fette Tieftöner-Riffs, mächtige Rhythmen und tolle Melodien ergänzen sich auf dem selbstbetitelten Album bestens. Und Stücke wie ‘Damn It’s Dark’ oder das wuchtige ‘The Man, The Miythm, The Wreck’ sind feinster Bangerstoff, ‘Deep In The Woods’ gar ein Monstertrack mit Hitpotential. Was für ein Groove! Ralf Gyllenhammar singt mächtig geil, ein wichtiger Aspekt im MUSTASCH-Sound. Die Jungs klingen auf ihrem neuen Album jedenfalls alles andere als einfallslos, was in diesem Genre ja schnell passieren kann. Ein gepflegtes Hardrock-Album mit diversen Stoner-Elementen und vielen mächtigen Riffs und satten Melodien. Äußerst gefällig.
Jürgen Tschamler (9 Punkte), Heavy (D)
Having been rocking hard in a haze of smoke since 1998, Mustasch have undergone some personnel changes and emerge stronger than ever on their new label Nuclear Blast. The heaviest album of the band`s career to date, this self-titled effort is a driving, powerful beast that sees vocalist and bandleader Ralf Gyllenhammar on fine form and taking Mustasch down a road that`s the border between hard rock and metal. With European tour dates planned for early 2010, fans of Gluecifer and Motörhead should get growing their top lip fuzz and prepare for the `Tasch to bring the noise.
John Damon / BIG CHEESE (UK), 4 out of 5 stars
 
"Mein erstes Top Ten-Album 2010 erscheint bereits im Januar!"
Matthias Weckmann / METAL HAMMER (D)
 
"Nach einem Besetzungswechsel hat Bandleader Ralf Gyllenhammar endlich die perfekte Konstellation für MUSTASCH gefunden, welche seiner diktatorischen Herrschaft nicht mehr im Wege steht."
9/10 Punkten, SLAM (A)
 
"Vollgas-Rock mit mächtigen Riffs der Tony-Iommi-Schule und großartigem Gesang, wie ihn Ian Astbury schon lange nicht mehr hinbekommt. Schwedens beste Rock-Band!"
Marcus Schleutermann / rockinvasion TV (D)
 
"Heavy stoner songs, that's what the gallery of the self titled Mustasch album has to offer. Still with catchy and groovy riffs, the recipe remains the same... and it works!"
L. Michelland / METALLIAN (F)
 
Still raw rockin’ , stompin’ and steaming, but this time with more melody and melancholy, from dragging and minimal, to bombastic and energetic, but above all with a keen eye for the arrangements of instruments and vocals. When you think they kind of reached the top in their musical street, they just broaden the musical view and get even better.
Cor / LORDS OF METAL (NL)

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NEGATIVE

"Zurzeit leider keine Termine gebucht"

NEGATIVE

One of the most successful Finnish rock acts Negative will release their fourth album “Karma Killer” on September 5th. With the previous three albums Negative have topped the Finnish album- and singles charts and toured around the world playing hundreds of shows. At the end of 2007 the band was voted the best Finnish act in MTV’s Video Music Awards, once again showing the size and dedication of their fanbase. In January 2008 Negative released “In The Eye Of The Hurricane”, a double-disc DVD covering their career so far. The DVD has achieved gold sales in Finland.

“Won’t Let Go” is the first single from the new album, showcasing the band’s natural progress: there are fresh elements in the mix, but the song still sounds like Negative. The album was produced by Mikko Karmila who has previously worked with Finnish heavyweights Nightwish and Children Of Bodom. The album will be released in Europe on September 5th.

Before the studio sessions for Karma Killer started, Negative parted ways with its longtime guitar player, Sir Christus. Negative will continue as a five-piece with their friend Gary handling the duties of a live guitarist. “I’ve known the guys for about seven years, played at the same gigs with them with my own band etc., so when Negative was in need of a guitar player, Antti (NGT’s bass player) asked me to come up and try out with them, as they thought that I could fit into the band pretty nicely. Everything’s gone well so far, the mood inside the band is great and it just feel natural”, says Gary.

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NIGHTWISH

"Zurzeit leider keine Termine gebucht"

NIGHTWISH

"Das schlichtweg härteste und interessanteste Album, das sie je aufnahmen. Es bietet so viel mehr als das Gothic Metal Geträller, das Nightwish so oft unterstellt wird. Sie haben sich mit Leichtigkeit blitzschnell an die Spitze des kompletten Genres gesetzt." KERRANG UK - James Hoare

Als ein Mädchen in Lederhosen und vier Typen, die aussahen als kämen sie direkt von der High-School, bei der legendären Rock Venue Lepakko in Helsinki, Finnland spielten, konnte noch niemand davon ausgehen, dass sie eines Tages Mammuttourneen spielen und zur erfolgreichsten finnischen Band mit siebenstelligen Verkaufszahlen avancieren würden. Seit ihrem Debütalbum „Angels Fall First" wuchs Nightwish beständig und entwickelte sich immer weiter. Die jugendliche Bewunderung ihrer Lieblingsbands war bei den ersten Aufnahmen offensichtlich, aber mit den Jahren und mit steigender Reife bahnten sie sich einen unaufhaltsamen Weg, indem sie ihr eigenes Ding durchzogen und sich somit einen großen Namen machten.

Die letzten Fesseln der Kategorisierung sprengten sie mit ihrem vierten Album „Century Child", mit dem sie sich von den typischen melodischen Power Metal Charakteristika entfernten. Somit wurden sie zu einer viel versprechenden Band, die langsam ihren eigenen Sound zu finden schien und nun zu etwas ganz Großem heranwuchs. Der Einsatz von Orchestern und Chören war auf diesem Album ohne jeglichen Zweifel überwältigend und mehr als passend zu dem epischen Charakter, zu dem sich Nightwish stets hingezogen fühlte. Dies war aber lediglich der Anfang zu dem was folgen sollte:

„Once" von 2004 überzeugte auch die letzten Skeptiker und wurde am Tag der Veröffentlichung in Finnland, später auch in Deutschland, mit Platin ausgezeichnet. In Österreich, Schweden, Norwegen und in der Schweiz erreichten sie Goldstatus und man nahm die Hürde 1 Millionen Platten weltweit zu verkaufen. Nun kannte wirklich jeder die Band, sogar der finnische Premierminister bekannte sich offen als Nightwish-Fan!
Die erste "Ära" der Band ging mit einem offenen Brief zu Ende, in welchem die Bandmitglieder ihre fantastische Opernsängerin und Frontfrau Tarja Turunen feuerten. Sollte dies das Ende von Nightwish sein? Zu diesem Zeitpunkt wusste das niemand so genau. Man bezog Stellung und ein wahrer Medienrummel setzte sich in Gang. Unzählige Seiten in finnischen Magazinen widmeten sich ausschließlich diesem Thema, aber alles was gesagt werden sollte war bereits bekannt.

Allmählich verstummten die Unruhen und Tuomas zog sich zurück um an der Zukunft zu arbeiten. Und nun? Wasser ist das Element, das Gefühle repräsentiert. Also, zollen wir unseren Tribut indem wir auf düsteren Gewässern weitersegeln. Die Musik von „Dark Passion Play" beschwört, in Verbindung mit den Texten, eine in diesem Ausmaß noch nie da gewesene, nachdenkliche Atmosphäre herauf.

Fabeln und ihre Abbilder haben schon immer einen freieren Blick in die Gedanken ihres Schöpfers, in diesem Falle Tuomas Holopainen, zugelassen. Die vergangenen Jahre und die Zwischenfälle, die zum heutigen Tage geführt haben, beeinflussten dieses Album natürlich enorm, da sich Tuomas bekanntlich am besten durch seine Musik ausdrücken kann. Und eben diese Musik ist voller Emotionen, manchmal versteckter, ein anderes Mal erschreckend offen. Und ich wage zu sagen, dass genau dieser Umstand Nightwish zu einer solch populären Band macht. Ausgezeichnete Musik hört man nicht nur, man fühlt und erfährt sie. Gefühlvolle Musik für gefühlvolle Hörer, wenn man so will.

Dieses sechste Album stellt einen Scheideweg dar, der Vergangenes von Künftigem trennt. Und das tut es selbstbewusst. Man kann gar das Vertrauen seines Komponisten raushören, das Vertrauen in eine neue Ära, ohne dabei jemals zurück zu blicken, sondern unerschrocken dem Herz zu folgen. Und einmal mehr scheint kein Anzeichen des Kompromisses durch, die musikalische Unschuld ist in diesen Klängen stets präsent. Neben einer Fülle an Emotionen ist der Longplayer vielfältiger denn je, hat eine leicht ethnische Würze und ist so verdammt bombastisch wie nur möglich. Die himmlische Stimme von Anette Olzon zieht sich heiter und kraftvoll, sogar variantenreicher als die ihrer Vorgängerin, durch das Album. Nightwish's Musik hat ihre Stimme wirklich verdient.

Nebst der Tatsache, dass dieses leidenschaftliche Werk wirklich heavy ist und eine dunkle Atmosphäre schafft, schwingt dennoch ein optimistischer Unterton mit, der uns lehrt, dass es selbst in trostlosesten Zeiten immer Hoffnung gibt. Der Sound nach Nightwishs Wiedergeburt ist stärker und unbeugsamer denn je.

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OK GO

"Zurzeit leider keine Termine gebucht"

OK GO

OK GO: OF THE BLUE COLOUR OF THE SKY
produced by Dave Fridmann
bio by Ira Glass

Okay, let’s just get this part out of the way.  Most people know OK Go from their videos, especially those treadmills.  Any video that’s well enough known to be parodied on The Simpsons is a cultural force in itself and, checking the YouTube rating right before sitting down to write this, I was amazed to see that the number of views on the band’s YouTube page alone now stands at 47,788,229.  That’s a lot.  That many people and a brother who’s the Governor of Florida is pretty much enough to win you a presidential election.  Add the zillions who've seen it elsewhere, and you might not even need the brother.

So if you’re reading these words, you’ve probably seen that video.  I find even more endearing the video dance to “A Million Ways” that hundreds of amateur foursomes – kids and adults and church groups and school groups – have imitated in what certainly must be the world’s first international YouTube dance contest.  If you haven't had the pleasure, Google it right now and prepare to lose two hours of your life.

But I am here to say that OK Go is more than those videos.  The band’s frontman Damian Kulash sometimes makes big declarations like “We're trying to be a DIY band in a post-major label world” or “Our whole bag is having good ideas and making cool shit.” 

I find that convincing.

Some of the other cool shit they’ve made lately: a record accompanied only by trombones, a play, an essay in the best-selling collection Things I’ve Learned From Women Who Dumped Me, op-eds in the New York Times and Huffington Post.  They’ve testified before Congress and played in the Senate chambers.  I repeat: they played music in the chambers of the United States Senate.  They’ve been commentators on All Things Considered.  They interviewed a member of N’Sync in the bathroom of Radio City Music Hall.  They have a project where they walk the streets with fans handing out burritos to the homeless.  They raised most of the money to buy a house for soul legend Al Johnson, so he could move home to New Orleans after Hurricane Katrina. 

All these extracurriculars make a great story, and this is the story that gets the space in The Wall Street Journal and USA Today: OK Go is the polymath band who – with only five bucks and a camcorder – did what none of the giant record labels could, inventing a new way for a band to connect with fans and changing the way people think about music and the Internet.  Great story, though it overlooks the most important thing about the band:  its music.  What makes OK Go great is that they write and perform great songs. 

With this new record they seem determined not to let us forget it. Of the Blue Colour of the Sky is adventurously, emphatically musical – intricate, emotional, completely self-assured while it stakes out new musical territory.  The ear-worm catchiness of their earlier records is still there, but the writing is more focused and sure-footed and the guitar sound broader and more dimensional. 

The album’s named after an 1876 book about the healing power of blue light (is it necessary to point out here that blue light has no such power?) and the lyrics are mostly about brave attempts at hope in the face of hopeless situations, which makes it fantastically upbeat and also very sad.  The album’s last line sums it up: “Every day is the same, we’re praying for rain.”

That said, it’s mostly a dance record.  Way more Prince than Leonard Cohen.   Apparently some really sad stuff is happening in the guys’ personal lives – perhaps fueled by their ridiculous 31-month stint on the road, away from loved ones – and the way they’re expressing it is with infectious melodies, a sense of rhythm I can only describe as much feelier than before, and lyrics that seem either cheerful or trying-desperately-to-be-cheerful, depending on your frame of mind.  The rule of thumb in pop music that great records come after heartbreak seems to be at work here in spades.  Damian sings mournfully in the barest moment on the album, “Can’t you love me?” and even the upbeat songs are about love collapsing.  “I’ve been trying to get my head around what the fuck is happening?” goes one of the catchiest hooks. “I’m trying to make some sense out of what you’re doing with my head.”

I listened obsessively for a couple weeks, and my favorite song – the one that would stick in my brain – kept shifting, which says good things. Right now it’s “Back From Kathmandu.” I love how forcefully and confidently and slowly it goes about its business, with a yearning pop melody, scraggly loose guitars over a loud slow beat and that “is it cheerful or is it sad?” thing in spades.  Dreamy verses lead to noisy, boisterous choruses about the power of love.  What else could you want from a pop song?

This is supposed to be a bio, so here are some of the abc’s of OK Go:  Damian Kulash (vocals, guitar) and Tim Nordwind (bass) met at summer camp when they were eleven and promptly formed a band called The Greased Ferrets that featured folding chairs played as drums. They claim not to remember any of the songs they wrote at the time.  “Claim” would be the key word in that sentence.  They met Dan Konopka (drums) in college, but somehow didn't form into OK Go until 1999, even though they all believed someday they'd have a band together.  Figure.  Andy Ross (guitar, keys) joined in 2005 after he met them through college pals.

A few years ago, OK Go performed at some live shows our radio program This American Life was doing onstage across the country. They were like human catnip. We had huge crowds and people of every age—high school sophomores to senior citizens—just LOVED them. The band simply overwhelmed the audience with this exuberant buzz of fun and happiness and youth and rock 'n roll. They were sexy in a way that had a kind of well-scrubbed pop innocence to it, but that also moved a friend to murmur backstage, "I want to fuck all four of them.”

Judging from the crowds at their shows these days, the reaction hasn’t changed much.  They’ve been doing their thing – making cool shit – and thanks to the videos, that exuberant buzz has spilled across the globe.  But don’t let that distract you, the best part of OK Go is still the music.

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OLIVER POLAK

"Zurzeit leider keine Termine gebucht"

OLIVER POLAK

Nach seinem Erfolg mit „Ich darf das, ich bin Jude“, jetzt sein Soloprogramm:
OLIVER POLAK –  „JUD SÜß SAUER“ – Die Show

In einem Land, in dem man schneller sieben Armleuchter als einen siebenarmigen Leuchter findet, braucht es schon den „Panda aus Papenburg“ (der Künstler legt Wert auf die Feststellung, dass lediglich Vergleiche mit der Optik des Tieres, nicht aber mit dem Sexleben zulässig sind. Danke.) um den jüdischen Humor zurück in die Schrankkombination deutscher Wirklichkeit zu stellen!

Frei nach dem Motto „Golda meir, so ich Dir“ bricht Polak Tabus wie andere das Brot- frech, schamlos und mit dem salzummantelten Finger immer mitten in die Wunde!

Polak ist die gnadenlos gute Mischung aus Woody Allen, Udo Jürgens und Alf.
Erleben Sie einen humoristischen Shalom-Lauf durch tiefe Wahrheiten, tragikomische Momente und echte Probleme.

Welche Religion ist die richtige für mich? Warum ist eine Bah Mitzvah eine tolle Gelegenheit ein paar Gramm abzunehmen, und wie funktioniert das überhaupt?

Taugt „meine Oma ist in Auschwitz gestorben als Anmachspruch?“ Wie feiert man am selben Tag Mauerfall und Reichsprogromnacht- und in welchem Kostüm? Ist ein Opa am Gemüsestand immer gleich ein Marktführer? Warum eigentlich kann man sich als Jude in England mal so richtig deutsch fühlen? Und was zur Hölle ist bitte ein Holocaustfreizeitpark?

Fragen, die sich keiner zu stellen traut- und Polak beantwortet.

Tauchen Sie ein in eine Show, die Sie so garantiert noch nie erlebt haben. Humor, mal völlig unpoliert.
„Wenn das Lachen im Halse stecken bleibt, dann hat man länger was davon.“   
(Oliver Polak über einen bekannten jüdischen Comedian)

Wer Talmud immer noch für Magentabletten hält, in die Leiden in der emsländischen Provinz eintauchen oder schlicht erleben will, wie sich ein Saal plötzlich in ein knallbuntes Jewsical verwandelt, für den ist Polak ein Muss!

„JUD SÜß SAUER“ – die jüdischste Comedy Show seit dem Auszug aus Ägypten!

Kaufen Sie ihr Ticket nicht aus schlechtem Gewissen oder politischer Korrektheit- überlassen Sie das Gefühl ihrer Begleitperson, der Sie die Karte geschenkt haben!

Wäre Polak Gastronom, man würde ihm einen Stern verleihen- wobei...
…..besser nicht.

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ONE FINE DAY

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ONE FINE DAY

THE ELEMENT REBELLION

ONE FINE DAY  holen weit aus zum großen Schlag... und es gibt richtig was vom bunten Teller, denn mit dem neuen Album The Element Rebellion wurde vieles anders und alles richtig gemacht.

Im Dezember 2009 begann die inzwischen vierköpfige Band (Ex-Gitarrist Roman Rossbach rebelliert ab sofort an der Solofront) neue Songs zu schreiben und schon wenige Wochen später war spürbar, dass da etwas ganz besonderes passieren würde.

Mit diesem Gefühl machten sich ONE FINE DAY auf die Suche nach einem geeigneten Produzenten, schauten dabei über Grenzen und wurden mit Pelle Gunnerfeldt in Stockholm, Schweden fündig. Er schien einfach der Richtige für diese neue Platte zu sein ... weil sich seine Discografie wie das Who is Who der bandeigenen Plattensammlung liest: The Hives, Refused und The (International) Noise Conspiracy. Zudem war er die treibende Kraft bei den genialen Fireside und weil Pelle für alles steht, was ONE FINE DAY mit ihren neuen Album sagen wollen. Auch er ist ein Rebell!

Gesucht und gefunden also. Vier Wochen verbrachten ONE FINE DAY insgesamt in seinem Studio in Stockholm, das Musikgeschichte atmet und in dem nichts aus diesem Jahrhundert zu kommen scheint. Auf der Bandmaschine, auf der einst Pink Floyd aufgenommen haben, mit Mikrofonen, Instrumenten und Verstärkern, denen man die Jahre im positivsten Sinne anhört, wurden die Songs live eingespielt. Der Computer musste sich mit seiner Rolle als technisches Hilfsmittel zufrieden geben und mit jedem Tag machte sich mehr und mehr ein breites, zufriedenes Grinsen bei allen breit.

Befreiend, mächtig und frisch klingt das was einem da aus den Boxen entgegen schallt. Mit Texten, so geradeaus wie nie zuvor, werden Flaggen der Bekenntnis gehisst. Klar, es geht um Liebe und Angst... Klar, es geht um gewinnen und verlieren... Aber es geht immer, ob nun textlich oder musikalisch, auch um Rebellion.

Rebellion als das eine Element, das vorantreibt, das verändert, das uns an uns wachsen lässt und uns so sehr definiert wie kaum ein anderes Element. Wer sich nicht aufgibt, der rebelliert. Ständig.

Gegen Stillstand, gegen Ablehnung, gegen Ignoranz, gegen Kälte. Das einzufangen gelingt ONE FINE DAY auf „The Element Rebellion“ mit einer Leichtigkeit, der man ihre Authentizität mit jedem Ton anhört und die einem den Spaß am Rebellieren zurückgeben kann ... wenn man sich darauf einlässt.

Für ONE FINE DAY ist dieses Album ein Meilenstein, eine mehr als willkommene Veränderung hin zum Wesen der Rockmusik und ihrer ganz eigenen Mission. Ohne Kompromisse.

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OOMPH!

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OOMPH!

Auch in der Musik ist es schwierig, es allen alles recht zu machen. Die Einen wollen ein Festhalten an den Wurzeln, während die Anderen eine Weiterentwicklung fordern. Die mehrfach ausgezeichnete Platinband OOMPH! hat sich von derlei Erwartungshaltungen völlig frei gemacht und mit ihrem zehnten, einmal mehr selbst produzierten Studioalbum „Monster“ vielleicht gerade deshalb das Kunststück geschafft, diesen scheinbaren Widerspruch aufzulösen.
>Wir haben uns ganz bewusst zurückgezogen und die nötige Muße gegönnt, denn gerade mit unserem Jubiläumsalbum wollen wir ein ausgereiftes Werk und keinen Schnellschuss abliefern<, erklärt Gitarrist Flux. Demnach widerstand die Band der Versuchung, wegen des TV-Auftritts beim diesjährigen Bundesvision Song Contest, schnell ins Studio zu gehen. >Der letztjährige Sieg war eine sehr schöne Sache für uns, und wir hätten bei Stefan Raab gerne schon unser neues Album präsentiert, aber weil wir auf die Produktion großen Wert legen, wäre die Eile zwangsläufig zu Lasten der Qualität gegangen – und das kam nicht in Frage!< betont Crap.
Darum ging das Wolfsburger Trio ohne Zeitdruck in sich und filterte das Extrakt heraus, das den markanten OOMPH!–Sound im Spannungsfeld zwischen Rock und Elektro ausmacht. Zum einen greifen Dero, Crap und Flux ohne übertriebene Sentimentalität sämtliche relevanten Elemente der fast 20jährigen Bandgeschichte auf und schlagen u.a. bei „Revolution“ mit hämmernden EBM-Synthies eine Brücke zu ihrem Debüt von 1992. Zum anderen setzen sie beispielsweise mit dem originellen Rock-Tango „In deinen Hüften“ und der unter die Haut gehenden Piano-/Streicher-Ballade „Auf Kurs“ aber auch ganz neue Akzente. Zwischen diesen Extremen gibt es jede Menge Hits, bei denen OOMPH! in ihrer unnachahmlichen Art eingängige Refrains, mächtige Gitarren-Riffs, tanzbare Beats, clevere Elektro-Akzente, gefühlvolle Breaks mit Soundtrack-artigen Passagen und einen Schuß Pathos vereinen.

Besonders herausragend ist der tiefgründige Ohrwurm „Beim ersten Mal tut´s immer weh“, der die Täter-Opfer-Perspektive umdreht und mit seiner raffinierten Wendung zum Nachdenken angeregt. Überhaupt demonstriert Sänger Dero einmal mehr eindrucksvoll, dass hinter den oberflächlich als Provokation wahrgenommen Texten auf den zweiten Blick intelligente Gesellschaftskritik steckt. So setzt sich der charismatische Frontmann, der seinen Stimmbändern im Laufe der Jahre immer mehr Schattierungen entlockt, u.a. mit dem Schönheitswahn („Wer schön sein will muss leiden“) und der medial zwar in den Hintergrund gerückten, real aber immer noch aktuellen Aids-Gefahr („In deinen Hüften“) auseinander. Zudem beschäftigt er sich in „Labyrinth“, „6 Fuß tiefer“ und „Lass mich raus“ in fantasievollen Metaphern mit seinem Lieblingsthema: den Abgründen der Psyche.
Nicht nur deswegen ist der Albumtitel „Monster“ passend gewählt. >Er ist sehr vieldeutig. Zum einen bezieht er sich auf solche Unmenschen wie den Geiselnehmer von Natascha Kampbusch oder den Inzest-Vater von Amstetten, der seine Töchter jahrelang eingekerkert und missbraucht hat. Zum anderen kann er aber auch positiv besetzt sein<, erläutert Dero und nennt als Beispiel >“ein Monster von einem Album“<. So wie dieses!

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PAIN

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PAIN

"Cynic Paradise goes boom! all the way with its full frontal guitar attacks and will make you shake`n`dance!" Emma Perez / ZILLO (D)

One of the most creative and innovative masterminds of the Metal scene strikes back – Peter Tägtgren, infamous studio wiz and head of mighty Death Metal veterans HYPOCRISY, serves us the latest slab of infectious Industrial Metal with PAIN´s "Cynic Paradise"!

Tägtgren, always striving for a different outlook on the music he loves, decided to go for a one-man-band in 1996 that would truly push boundaries outside of the realms of HYPOCRISY. He decided to not only play every instrument himself, but opted for a rather technoid approach after experimenting with beats on his computer. Thus PAIN and the self-titled debut album saw the light of day in 1997, released on Nuclear Blast. In 2000 "Rebirth" followed which features the fan favourite single 'End of the line' that went Gold in Sweden, marking the commercial breakthrough of PAIN. Album number three, "Nothing remains the same", saw the Metal / Industrial mixture develop to pure perfection in 2002 – the BEATLES coverversion 'Eleanor Rigby' was even recorded with a massive Swedish orchestra, and 'Shut your mouth' can be considered a classic tune today! The album entered the Swedish charts at # 6. "Dancing with the dead", released in 2005 and dealing with Peter`s near death experience, even outdid the previous record with going for a sensational # 3 in the Swedish album charts. Straight rock influences outweighed the electronic beats this time around, and the album easily is the darkest and gloomiest in the whole PAIN history. After the impressive live DVD set "Live is overrated" in 2006, Mr. Tägtgren unfolded the "Psalms of extinction" to his huge fanbase in 2007. Illustruous guests such as Anders Iwers (IN FLAMES), Alexi Laiho (CHILDREN OF BODOM) and Mikkey Dee (MOTÖRHEAD) starred on the album, and PAIN supported NIGHTWISH on their massive European tour in front of over 150.000 people in 18 countries.

2008 sees the return of PAIN to motherly folds: just like the debut, Peter Tägtgren will release "Cynic Paradise" on Nuclear Blast – fittingly on Halloween! This time around, Peter even let his live musicians help him a tiny bit with the studio work: drummer David Wallin can be heard on 'Don`t care', guitarist Michael Bohlin added some additional programming, and bass player Johan Husgavfel is playing on 'Live fast / Die young'. And to continue the guest star tradition, Anette Olzon of NIGHTWISH fame is singing on the ultra-catchy 'Follow me' and 'Feed us'! "Cynic Paradise" shows Peter Tägtgren from his most variable side, even including Western slide guitars and mixing it with monstruous riffs and tough beats. Check out this masterpiece – and step into the "Cynic Paradise"!

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PAUL GILBERT

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PAUL GILBERT

Paul Gilbert European Tour 2010 BIO

In 1982, when Paul Gilbert first appeared in “Guitar Player” magazine at the age of 15, he held a home-made Flying V in his hands, wore a long, permed hairstyle and a striped sailor shirt, and announced that his style was Heavy Metal.

By the age of 18 he had moved to Hollywood, California, won the Los Angeles “Guitar Wars” contest, graduated from G.I.T. (The Guitar Institute of Technology), and started working there as G.I.T.s youngest instructor.

At 19, Paul formed the now-legendary shred-metal band RACER X, and recorded his first album with the group. RACER X soon became kings of the Los Angeles club scene, and continued to record melodic, yet intimidating metal music, including the instrumental classic, “Scarified”.

At 21, one of Paul's musical heroes, bassist Billy Sheehan (Talas, David Lee Roth) asked him to join him to form a new band. This of course became MR. BIG. Together with vocalist Eric Martin and drummer Pat Torpey, MR. BIG went on to make four classic albums, combining elements of rock, soul, metal, pop, and shred. While in MR. BIG, Paul enjoyed the success of the number 1 hit single “To Be With You”, and the opportunity to perform in sold-out arenas all over the world.

At 30, Paul felt the urge to take total control over his musical direction, and left MR. BIG to pursue a solo career. Since then, he has recorded over 20 albums of high-energy guitar rock. Sometimes with vocals, sometimes instrumental, sometimes with his mates from RACER X, sometimes in collaboration with his uncle, Jimi Kidd, or singer/guitarist Freddie Nelson, and most recently with the newly reformed MR. BIG.

During this incredibly busy and musical time, Paul also managed to become the most sought-after and YouTubed guitar instructor of his time. Paul's instructional DVDs and magazine columns have become Shred Encyclopedias for the new generation of guitarists. Listen to any fast metal guitar player today, and you're sure to hear some phrases borrowed from Paul's “Intense Rock” DVD.

Paul is also a long-time endorser of Ibanez guitars, and has been a part of designing over 15 different “PGM” signature models over the years.

In 2007, Paul joined guitar legends Joe Satriani and John Petrucci for the “G3” tour of North America. Paul was blown away by the enthusiasm of the audience for his solo music, and this inspired him to do more solo touring around the world. In the years since, Paul has performed over 125 shows with his band in Europe, Japan, and America.

Paul's passion for music, guitar, and teaching, only continues to grow. His most recent album, “Fuzz Universe” contains 12 guitar-driven songs, and demonstrates Paul's love of rock, blues, classical, pop, jazz, all with an intensity that keeps his shred-guitar fans satisfied.

Paul will be bringing this amazing album to life on his upcoming European tour this November and December. Drummer, Jeff Bowders and bassist, Craig Martini provided the grooves for the “Fuzz Universe” album, and they will be accompanying Paul for this tour as well. As a special bonus, Paul will be including guitarist and vocalist, Tony Spinner in his band. Tony has toured the world as a solo artist, as a guitarist and singer for the legendary band, TOTO, and with Paul on his solo tours of Japan in the 90's. Tony is known for his powerful mix of rock, blues, and shred guitar, as well as his stunning vocal abilities. Get ready for some amazing guitar jams and soaring vocals. In addition to presenting his new songs for the first time live, Paul will be performing favorites from RACER X, MR. BIG, his solo career, and other surprises as well.

Paul will also be offering a limited number of “VIP” tickets. These tickets allow the purchaser to come to the show early, have a 90-minute guitar lesson with Paul, watch Paul's soundcheck with the band,  have time for autographs and pictures with Paul, receive a special “goody bag” with a T-shirt, CD, and custom guitar picks, and of course, see the show!

Come see this amazing rock artist at the height of his powers. You will be inspired and you will rock!

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PAULSREKORDER

"Zurzeit leider keine Termine gebucht"

PAULSREKORDER

Es ist weit mehr als ein Wetterleuchten, das da von Nordwesten aufzieht.

Paulsrekorder vertraten Anfang 2008 bei Stefan Raabs "Bundesvision Song Contest" würdig ihren Stadtstaat Bremen, aus dem sie stammen, oder in dem sie ihre Wahlheimat gefunden haben. Ihr Song "Anna" hatte natürlich gegen die etablierte Deutschpop-Großkonkurrenz keine Chance, dennoch bliesen die Bremer in nicht mal drei Minuten Millionen von Gehörgängen frei und galten für viele als Sieger der Herzen..

Entstanden ist der Name "Paulsrekorder" auf einer feuchtfröhlichen Party 2002, als sich zu fortgeschrittener Stunde plötzlich alle "Paul" nannten. "Rekorder" war ohnehin eines der Lieblingsworte der Musiker – da war der Weg nicht weit.

Paulsrekorder haben 2002 als Indie-Kapelle angefangen. Das sagt sich so dahin. Als was denn sonst? Fast jede Band, die im Proberaum abrockt, klingt erst mal nach Garage. Paulsrekorder entwickelten sich aber nicht zu einer Combo mit Indie-Attitüde. Dazu klang die Musik von Beginn an viel zu unterhaltsam, und die Texte hatten Hirn und Hintern, ohne verkrampft bedeutungsschwanger sein zu müssen. David würde nie Zeilen schreiben "für die man entweder ein Philosophiestudium braucht, oder die immer so klingen, als ob sie eine Menge sagen können wollten". Andererseits reimt sich bei Paulsrekorder nicht "Haus auf Maus", nichts klingt prollig oder wie bei so mancher Deutschpop-Konkurrenz derart peinlich, dass es einem die Schamesröte ins Gesicht treibt.

Paulsrekorder sind keine Fun-Rock-Band, geben sich aber auch nicht spaßfeindlich: "Wir nehmen uns selbst nicht allzu ernst, deshalb wird man bei uns auch immer kleine Seitenhiebe auf typische Rockstarposen finden. Vor allem unser Gitarrist Kai ¬ der ist der Poser überhaupt." Angetrieben von den Drums des gebürtigen Schwarzwälders Sebastian und dem Bass von Davids Bruder Jonas (der zusammen mit ihm auch immer wieder die markanten, scharfen 80er-Jahre-Synthies traktiert), ist die Musik von Paulsrekorder am Ende des Tages halt doch immer noch handgespielter, frenetischer Gitarrenrock – da dürfen die beide Saitenquäler Frederik und Kai auch mal die eine oder andere Pose aus der Dose kratzen.

Gemeinsam mit den Produzenten Michael Tibes (Nena) und Christian Neander (Pohlmann, Niels Frevert) brachten Paulsrekorder im Studio in aller Ruhe und Entscheidungsfreiheit ihren Sound auf den Punkt. "Vorbilder an sich haben wir eigentlich nicht. Wichtig ist, an sich zu glauben, nicht ständig die Fahne in den Wind zu halten."

Was Paulsrekorder aus der Musik von Selig und Spliff, von Ideal und Nationalgalerie, von den Talking Heads und Muse, von Niels Frevert und Nena, von Bloc Party und The Killers ziehen konnte, war "die spezielle, ganz eigene Atmosphäre, die sie schaffen. Wie sich ein Song melodisch und harmonisch bewegt, wie sich ein Refrain daraus entwickelt." Die Atmo bei Paulsrekorder ist denn auch eher eine Art lebensfroher Sturm und Drang, aber "nie böse oder düster". Ansonsten piekst bei vielen Paulsrekorder-Songs immer wieder ein kleiner Eighties-Stachel ins Ohr. Heiß geflirtet wird mit der Neuen Deutschen Welle (NDW).

Davids Texte basieren auf Geschichten, die er selbst erlebt hat. Und weil in seinem Leben auch immer sehr viel Spaß im Spiel ist, sind sie geprägt von positivem Lebensgefühl. Bei "Anna" singt David die Zeile "Komm wir leben das Gefühl, bevor es sich verliert" und will damit einen kleinen Anstoß geben, "doch mal nachzudenken über die Dinge, bei denen es sich lohnt, noch mal darüber nachzudenken."

Bei Paulsrekorder ist das Glas immer halb voll, auch wenn man den Rest schnell mal verschütten kann.
Die Single "Verschwende Meine Zeit" (VÖ: 05.09.08) und das Album "Hier und oben" (VÖ: 19.09.08) erscheinen bei ferryhouse productions im Vertrieb von Warner Music.

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POISONBLACK

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POISONBLACK

„Of Rust And Bones“ (VÖ-Datum: 19. März 2010)

Der finnische Ort Oulu muss ein miserables, deprimierendes Kaff sein, denn seit den glorreichen Tagen der Suizid-Metaller Sentenced folgt ein pechschwarzer Schatten aus Elend den musikalischen Schritten ihres ehemaligen Sängers Ville Laihiala, der diesen dunklen Pfad auch bei seiner aktuellen Band POISONBLACK nicht verlässt. Das neue Album „Of Rust And Bones“ macht da keine Ausnahme...

Nach dem phänomenalen Erfolg der beiden Vorgänger Lust Stained Despair (Chartplatz #2 in Finnland) und A Dead Heavy Day (Chartplatz #6 in Finnland) setzen POISONBLACK ihre Mission, die Massen mit süchtig machenden Düsterrock-Hymnen zu infizieren, kompromisslos fort. Ihr viertes Album wurde mit Hiili Hiilesmaa (HIM, Sentenced, Lordi, Amorphis) im NEOstudio aufgenommen und anno 2010 klingt die Band rotziger, erdiger und kantiger als je zuvor, laut Sänger Ville mit Absicht:

„Das Hauptziel während der Aufnahmen war es, nicht mehr als zwei Gitarren, Schlagzeug, Bass, Keyboard und Gesang zu haben, ganz simpel und basisch. Wir wollten klingen, wie wir als Band klingen. Ein Großteil wurde mit der gesamten Band „live“ aufgenommen, anstatt nur Tarmo an den Drums, begleitet von einer Gitarre und dem Click-Track. Einige Tracks haben wir sogar vollständig nackt aufgenommen. Es ist beeindruckend, wie sehr man sein Instrument und den Song fühlt, wenn man keine Kleidung an hat... Hiili spielte auch eine wichtige Rolle, um uns in die richtige Stimmung für jeden Song zu versetzen. Die Lyrics auf dem Album handeln von dem unkontrollierbaren Verlangen nach Alkohol und Themen wie Frust, Hass, Liebe und die Tatsache, dass irgendwann alles zu Grunde gehen wird.“

Abgerundet von einem sehr prägnanten Cover-Artwork von Teemu Hostikka / www.ntrnz.com beglückt das neue POISONBLACK Album den Hörer mit zahlreichen eingängigen, harten Rockern wie dem Opener „My Sun Shines Black“ oder „Buried Alive“ und 7 bis 8 Minuten lagen Epen wie „Down The Drain“ oder „The Last Song“, die neue Facetten im über die vergangenen Jahre konstant Gitarren-lastiger gewordenen Sound der Finnen.

Nach einer Tour mit ihren Labelkollegen Lacuna Coil zu „Lust Stained Despair“ und einer Europatour mit Dark Tranquillity 2008, werden POISONBLACK auch ihre neuen Songs mit Sicherheit bald schon live präsentieren. Bis dahin bieten POISONBLACK euch auf „Of Rust And Bones“ – dank ihrem typisch finnischen Blick auf das Leben – intensive, düstere und zugleich rockige Songs, die, veredelt durch die einzigartige Stimme von Ville Laihiala, dazu einladen, Trost in der Trauer zu finden und in ihren Tiefen zu ertrinken....

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PRESIDENTS OF THE USA

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PRESIDENTS OF THE USA

With THESE ARE THE GOOD TIMES PEOPLE, THE PRESIDENTS OF THE UNITED STATES OF AMERICA have delivered an inventive, uplifting and often brilliant rock & roll album. From the opening, celebratory blast of "Mixed Up SOB" -which embraces the spirit of the band's 4 million-selling eponymous debut--to the warm, Shins-like lilt of "Loose Balloon," the group commandeers your attention with fourteen contagious winners.

Simply put, THESE ARE THE GOOD TIMES PEOPLE delivers the goods with PUSA sounding as vital as ever. With the collective strengths of founding vocalist, basitar player and principal songwriter CHRIS BALLEW, original drummer JASON FINN and guitbass player ANDREW MCKEAG - who officially joins the band with this album--PUSA lend their joy and enthusiasm to any and all within an earshot.

Recorded by Northwest legends The Fastbacks' own Kurt Bloch (Robyn Hitchcock, Mudhoney, Les Thugs) and mixed by Martin Feveyear (Epoxies, Amber Pacific, Screaming Trees), the disc marks an alignment between the band and EMI via the new imprint Fugitive Recordings. Sharing the landscape with recent, acclaimed efforts by Ween and They Might Be Giants, PUSA-as masters (and progenitors) of "Joy-Pop" - dig deep and pull off their most diverse and accomplished record yet.

Case in point is the twangy, swing-informed exuberance of "Flame Is Love," which effortlessly shares the company of more recent numbers like the riff-tastic "Poor Turtle" or the light, countrified "Truckstop Butterfly." As for the aforementioned "Mixed Up SOB," it was originally penned in 1989 and first existed as "a slow, 12-string kind of thing," says Chris. "It wasn't until I decided to Cars-ify it that it came to life."

"Chris is very prolific and there's never a lack of new material," Finn explains. "he's also got stuff from the last ten years on his computers. And he's always sort of rifling through fragments of material from hard drives, cassettes, Dictaphones, wherever. And every time we do a new record, he goes through that stuff. And every time I think I've heard every song that he's ever written, he pulls out like eight great songs I've never heard, and I'm like, ‘Why the %$#@ didn't we do this one or that one?'"

And then there's the glistening, piano-touched pop winner "More Bad Times," which is brand new, sort of.

Replete with an a cappella break and a captivating acoustic shuffle, the song--which can't help but be one of the main focal points of THESE ARE THE GOOD TIMES PEOPLE - is essentially a hybrid of Presidents music and the lyrics to a song by an old, obscure group known as Ed's Redeeming Qualities. "I used to go see them when I moved to Boston in 1988. They had a ukulele, a violin and an old man shaking a can of rice," Chris chuckles. "And they had a song, "More Bad Times," that was very different musically. But I always loved it."

"So, we're goofing around with acoustic guitars," Ballew continues, "and Andrew started playing a new riff, and all of the sudden that other song came into my head, and I starting singing those lyrics over it and changed the rhyme scheme and it just fit. I wound up writing a final verse and discovered how much fun it is to take an existing song and turn it into something else. When we finished it I was like, man, this is the feel good hit of the summer."

"I was just playing this part on this Silvertone guitar that Chris had in his house and it was tuned an octave higher. And he was like, ‘Keep playing that! Keep playing that!'" Andrew laughs. "He started jumping up and down and got all excited."

"It's certainly one of the high points and it's in a spot where we rarely go," Finn acknowledges. "We've gone a little bit further out toward the edges on this one, but in a totally focused way. Of course, people have always expected a ‘mixed grill' from us stylistically. Our earliest crowds in Seattle didn't know whether they were going to get loud, soft or all ska on a given night. That was part of the fun...as long as it wasn't ska very often."

Since the Seattle-based trio first burst into the public eye with its aforementioned debut - on the strength of radio smashes like "Lump" and "Peaches" - it has been plugging away in fits and spurts with remarkable success. Look no further than their twice Grammy- nominated debut The Presidents of the United States of America, which continues to thrive as an enduring modern rock disc since peaking at #6 on the Billboard Top 200. Enjoying the kind of longevity shared by eponymous classics of the genre like Violent Femmes and Weezer, it's found a new life on digital services like iTunes since its rights reverted back to the band in 2003.

1996's II rocked just as hard, giving birth to the full throttle, Top 10 single, "Mach Five," which fostered PUSA's most imaginative and infamous music video. Meanwhile, accelerated fan favorites like "Lunatic to Love" and "Tiki God" left their imprint on then-up and-comers The Hives.

In advance of a much-deserved hiatus, two well-chosen covers helped leave a substantial cultural mark. First, a boisterous take on The Buggles' "Video Killed The Radio Star" musically defined the smash Adam Sandler flick "The Wedding Singer." Next, "The Drew Carey Show" adopted the Presidents' rendering of Ian Hunter's "Cleveland Rocks" as its theme, bringing the trio into millions and millions of living rooms across the fruited plain. "Ohio!" indeed.

In 2000, Chris, Dave and Jason reconvened for the vibrant studio-only effort Freaked Out and Small, which boasted the airwave favorite "Tiny Explosions." Giving PUSA a chance to record songs that Chris had crafted outside of the band's unconventional 2-string, 3-string format, the project included the riotous track "Jupiter" and live in-studio performances on the accompanying DVD. "We weren't officially working again at that point, Jason explains. This Musicblitz company appeared out of the ether and offered us a chance to make a record with no touring obligation. Sounds like a hoot, says us, and we had a blast recording it for 10 days, then didn't give it another thought. Neither did Musicblitz, who went out of business a couple of weeks after putting it out."

A full reformation followed a series of reunion gigs for 2004's Love Everybody, and while critics were handing out four star reviews and "Some Postman" was a radio favorite, the band ultimately realized that operating as a touring band and maintaining its own PUSA record label was a huge undertaking. As Finn puts it, "Being our own label was interesting, but ultimately the day-to-day realities of managing a retail operation were taking too much of our rocking time. Plus, during our frequent Diva tantrums it was less fun calling and screaming at ourselves!"

With Love Everybody, Dave stepped away from the band for touring purposes and ultimately passed the guitbass to McKeag, a Seattle music vet and longtime friend of the band who was initially introduced to the group by Dederer years ago and who first served as a roadie for The Fastbacks when they opened for PUSA on their June 1996 U.S. tour.

"After 200 shows in the band, I've finally earned my stripes. Woo-hoo!" Andrew laughs. To which, Finn adds, "Andrew is a huge, huge guitar player. He takes the rock & roll of the band and capitalizes the ‘R's'." It's a notion upheld by the punchy, rollicking "French Girl," the quirky and undeniably sharp "Fangs"--which boasts Jason's finest harmony vocals to date--and the blistering, forceful anchor track "Ghosts Are Everywhere."

Then there's "Deleter," a bona fide funk song with horns that the band built from a beat that Finn had been playing at soundchecks for years. "One day at practice we put it together but I couldn't make any lyrics fit," Chris explains. "Then I remembered an email I had from Robyn Hitchcock--who I've been friends with and whose records I've been playing on for a while--and he asked, ‘Do you still have that horn part you did?' So I wrote back, ‘No man. If I know you're not going to use it, I delete it. I'm a deleter.' And he replied, ‘She's a deleter.' So we started riffing back and forth. That banter became the chorus. I wrote the verses and we finished it." Soul singer Fysah Thomas rounds out the song with the first ever guest vocal appearance on a Presidents album.

With a cover image of a hand with a pin coming in to pop a balloon, Ballew says the track "Loose Balloon" fostered the album art. It was also the first song he wrote for THESE ARE THE GOOD TIMES PEOPLE. Written on Christmas Day 2005, the first he spent alone after his marriage dissolved and his kids were off with their mom, Ballew says, "The split was a positive one but that day I was really bummed. My whole life was changing. And that song came out as therapy."

When it's suggested that although it came from a dark place, it still translates as a song of strength, Chris is quick to explain. "When you write a song and you play it live you have to live it," he says. "If you tell a sad story, you have to live it over and over again each night. So my version of musical therapy isn't to wallow in the sadness but find that little bright spot and turn up the volume on it."

That sentiment lends itself to the title of the record: "Whenever we were on tour over the last couple years and things were sucking and we're sitting backstage somewhere, cold and eating whipped turkey in some strange third world country, everyone would be quiet and I would say, ‘These are the good times, people.' Like, this is it! This is what we signed up for! And it sort of mutated into the record title, when I thought that without the sarcasm, it could be used as a positive statement. "

Perhaps that outlook also explains why PUSA have persevered and remain able to make inspiring music on their own terms long after so many of their ‘90s alt-rock peers have gone by the wayside. With an average age of show-goers at around 20, the band's high energy shows continue to pack venues all over the world, selling out shows in London, Amsterdam, New York, Sydney and Seattle on its last world trek.

With THESE ARE THE GOOD TIMES PEOPLE, new and old fans alike should find little problem joining the party with PUSA circa 2008. "I know this stands up strong against our entire catalog. And I hope our fans agree. We've finally gotten to the point where we can let the vibe come to us and then we jump out at it and reel it in. I think we've really brought our ‘A' game to this album. I feel like we've given as much as we ever have on this record."

Forgoing the director role he has assumed in the past, Ballew says a democratic dynamic steered the project and greatly improved the energy of the band. Playing to their strengths on THESE ARE THE GOOD TIMES PEOPLE, Chris concedes, "I've just kind of learned over time that it's a lot of stress for me and I don't necessarily end up with something better. I just decided to lay back and not care while caring deeply, letting the cream rise to the top."

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PRETTY MAIDS

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PRETTY MAIDS

The Danish Hard Rock / Metal combo Pretty Maids was founded in early 1982 by guitarist Ken Hammer and singer Ronnie Atkins who, with their flair for powerful guitar riffs and strong melodies, soon established themselves as a band to be taken seriously.



In 1983 they signed their first record deal and had the chance to open concerts for Black Sabbath and Rainbow before the release of their self titled album in November, which brought the band to extensively tour England. The following year, CBS snapped up the band and Pretty Maids released “Red Hot and Heavy”: an album who gave the band their breakthrough on the European continent, thanks also to a tour with Saxon.



In April 1987, “Future World”, the band’s third album recorded in the USA, was released to great acclaim and is still today regarded as a “classic metal album”. It soon became the absolutely major breakthrough for Pretty Maids not just in Europe, but was also successful in America and in the far east. Within the same year the band toured Europe with Deep Purple, appearing at the “Monsters of Rock” Festival as well as headlining a tour on their own.



After the release of the follow up album “Jump The Gun” (produced by Deep Purple’s bassist Roger Glover), Pretty Maids in 1991 were on the verge of a break up. However founding members Ken Hammer and Ronnie Atkins found a new rhythm section and in 1992 released the “Sin – Decade” a record that would reveal that Pretty Maids was still a force to be reckoned with, despite the fact that the metal scene now was overrun by the grunge movement. “Sin – Decade” became a huge success in Japan and gave the band a big radio hit with the single “Please don’t leave me” and laid the foundation for the band in the east that would last for the next decade.



During the following years Pretty Maids continued to release albums usually followed by European and Japanese tours. The band kept a very high standard when it comes to song writing and releasing albums. Albums such as “Scream” (1995), “Spooked” (1997), “Anything worth doing…. “ (1999) or “Planet Panic” (2002) say it all.



The release of “Wake up to the Real World” in 2006 started the band’s relationship with Frontiers Records and the release was followed by several Festival appearances in the years to come and a European tour in November 2008.



Now in 2010 Pretty Maids are back with their first long player in 4 years entitled “Pandemonium”. It truly shows the band in their finest moment, and according to the band this is their best effort in many years and the spirit of the band is real high.



“Pandemonium” with its melodic approach is a return to the “Future World / Red Hot and Heavy” era of the eighties but with an updated sound and freshness that consolidates that Pretty Maids are as strong as ever.



This album also introduces Keyboard player Morten Sandager as a permanent member of the band and his impact is evident on the tracks of the cd. Latest news is that bassplayer Ken Jackson is replaced by former King Diamond bassplayer Hal Patino. Written in the fall 2009 and recorded in the winter 2010, “Pandemonium” was produced by Jacob Hansen (Volbeat etc.) and will be supported by several festival appearances during the summer of 2010 and the followed by a full scale European tour in Oct/Nov 2010.



“PANDEMONIUM” must be played LOUD !!! And is guaranteed satisfaction for all fans and supporters of Pretty Maids throughout the world.



Pretty Maids:

Ronnie Atkins - vocals

Ken Hammer – guitars

Hal Patino – bass

Allan Tschicaja - drums

Morten Sandager - keyboards

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SCOOTER

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SCOOTER

Scooter erfolgreichster deutscher Chartact seit Einführung der Single-Charts!
 
Mit 20 Top Ten-Hits sind Scooter erfolgreichster deutscher Chartact seit Einführung der Singlecharts! Mit ihrem aktuellen Top 5-Hit „The Question Is What Is The Question?“ erreichten die Jungs um Frontmann H.P. Baxxter ihren zwanzigsten Top 10 Hit in den Media Control Single-Charts! Dies ist bisher keinem deutschen Künstler seit Einführung der Chartsermittlung im Jahr 1956 gelungen. Die weiteren Podiumsplätze teilen sich jeweils mit 13 Top Ten-Hits Xavier Naidoo und Modern Talking. Auch internationale Größen wie The Bee Gees, Michael Jackson, The Rolling Stones, Pet Shop Boys, Robbie Williams und Britney Spears haben gegenüber Scooter das Nachsehen und weisen weniger Top Ten-Hits auf!

Scooter gehören zu den wenigen Bands und Künstlern deutscher Herkunft, die es geschafft haben, die musikalische Landschaft über eine Zeitspanne von mehr als einem Jahrzehnt nachhaltig zu prägen, ohne dabei an Frische und Energie einzubüßen. Scooter polarisieren - geliebt wie geächtet, steht ihr Style doch unbestritten für das Gegenteil von Langeweile. Weit über 14 Millionen verkaufte Tonträger, über 80 Gold- und Platin-Schallplatten aus aller Welt, sowie eine Sammlung hochkarätiger Musikpreise sprechen eine klare Sprache.

Zeit für eine nähere Betrachtung dieses Phänomens:  
Wir schreiben das Jahr 1994, im Underground tobt die weltumspannede Partynation sich auf unzähligen Raves und in neu entstehenden Techno-Clubs aus, während die Charts noch von eher platten Euro-Dance Produktionen und Mainstram beherrscht werden. Mit der für damalige Verhältnisse eigentlich unkommerziellen Produktion “Hyper Hyper“, stürmen Scooter scheinbar aus dem Nichts in die Charts und machen Techno über Nacht salonfähig. Acht harte Lehrjahre unter dem Namen "Celebrate The Nun", flankiert von diversen Projekten und Remixen, sollten sich jetzt auszahlen. Mit Songs wie “Move Your Ass!”, "Friends", "Endless Summer" und "Back In The UK" widerlegen sie den Eindruck, es handele sich bei Scooter nur um ein weiteres One-Hit-Wonder der frühen neunziger Jahre. “How Much Is The Fish?”, “Maria (I Like It Loud)”, “Nessaja”, “One (Always Hardcore)” und “Hello! (Good To Be Back)“, um nur einige zu nennen, markieren in den folgenden Jahren exemplarisch den Karriereweg dieser ungewöhnlichen Formation. Und so steht anerkennendes Erstaunen über die fortdauernde Bandgeschichte nicht selten am Beginn eines Interviews, gepaart mit der Frage nach dem Rezept dieses Erfolges.
    
"Find out, what you cannot do and then go and do it!", zitiert H.P. lapidar einen seiner Lieblingssätze, der offenkundig zum Leitmotiv der Band geworden ist. "Wenn du dir deine Neugier nicht erhalten kannst, gepaart mit einem gesunden Quantum forschender Naivität, dann kannst du eigenlich gleich aufhören, dann macht das Ganze keinen Spaß und somit auch keinen Sinn mehr. Außerdem sollte man glaubwürdig sein. Wir machen im Studio alles selbst, das honorieren die Fans." Nicht selten ist es auch Baxxters unaufhaltsamer Drang nach unkonventionellen Ansätzen, der seine Kollegen mitunter in den Wahnsinn zu treiben scheint. "Der Mann kommt manchmal mit den kaputtesten Ideen um die Ecke, und wir können dann sehen, wie man gemeinsam daraus ein Stück Musik macht", so Rick J. Jordan augenzwinkernd auf die Frage nach der Zusammenarbeit. "Aber dafür liebe ich ihn; es inspiriert ungemein, und man kann sich fest darauf verlassen, auf Substanz zu stoßen, wenn man sich nur lange genug mit seinen Einfällen auseinander setzt." Auch wenn sich seine Texte vor allem mit dem Anfeuern des Partyvolkes, siegreichen Battles mit imaginägen MC-Rivalen und dem "Scooter-Ding" als solchem auseinandersetzen, so liebt es H.P. zuweilen mit diebischer Freude, Plattitüden witternde Zeitgenossen mit literarischen Zitaten und hinter vermeintlich trivialer Wortwahl versteckten Botschaften zu verwirren („Respect to the men in the icecream van“ - eine Hommage an The KLF). Letztlich ist Baxxter das Infant Terrible, als auch der audiovisuelle Fixpunkt der Band, der Scooter in den letzten 13 Jahren unverwechselbar geprägt hat.

Keyboarder und Audio-Engineer Rick J. Jordan  hingegen ist eher der ruhende Pol des Teams: "Ich versuche, das im Produktionsprozess entstehende kreative Chaos einzufangen, zu sortieren und mit eigenen Ideen darauf aufzubauen.", so Jordan über den Produktionsalltag bei Scooter. Neben den Bereichen Sounddesign und Tontechnik ist er der "Musiker" im Team. Mit über 30 jähriger Klaviererfahrung und klassisch geprägtem Musiktheorie-Wissen erweckt er auch schon mal ein virtuelles Sinfonieorchester im Rechner zum Leben und inszeniert mit Leidenschaft viele der Scooter-typischen Ausflüge in genrefremde Musikstile wie Rock, Klassik oder irisch-keltische Folklore. Als drittes, meist unsichtbares, Gründungsmitglied der Band hält Jens Thele dem Team businessmäßig Kopf und Rücken frei. Als Mastermind und Geschäftführer von KONTOR Records knüpft er international die Kontakte für Scooter und gibt in Marketingfragen visionär den Ton an. "Außerdem ist es oft unverzichtbar, wenn Jens in der Endphase einer Produktion ins Studio kommt und das vorhandene Resultat aus der Sicht des A&R-Mannes und langjährigen DJ´s beurteilt. Er ist dann wie ein Joker, der manchmal mit wirklich überraschenden Ideen und Verbesserungsvorschlägen aufwartet. Man merkt einfach, dass er sich schon sehr lange mit Musik beschäftigt", erzählt Michael Simon, der Neuzugang im Team.
    
Er ersetzt den Mitte 2006 ausgestiegenen Jay Frog auf der Bühne und im Studio. Michael, einer der angesagtesten House-DJ´s in Hamburg, ist für die Band und langjährige Fans kein Unbekannter: Schon 1997 tourte er mit dem Projekt "Shahin und Simon" als Support-Act mit den Jungs, er hat Remixe für Scooter gemacht und Produktionen bei Kontor Records veröffentlicht. Durch seine vielfältige musikalische Vergangenheit, die neben House, Techno und Hardtrance auch Hip Hop und R´n´B umfasst, fand Michael sich schnell ins Team ein und entwickelt sich unter anderem zur Geheimwaffe bei der Beat-Programmierung. Ausserdem treibt ihn ein unbändiges Verlangen nach den neusten Club-Releases an, das ihn mehr und mehr zum Trend-Scout der Band macht.

Live and Direct
Außer einer klar synergetisch geprägten Arbeitsweise mit druckvollem Ergebnis definieren sich Scooter vor allem über ihre Konzerte. In kaum einem anderen Bereich setzt die Band sich so konsequent über gängige Dance-Klischees hinweg, wie bei ihren Bühnenshows, einer Mischung aus Punk, Rock´n´Roll und von demonstrativem Größenwahn geprägter Selbstdarstellung. "Wir stehen einfach auf Inszenierung, auf das große Kino. Ich glaube ohne die Pyrotechnik und das ganze Blitzgewitter drumherum würde mir echt was fehlen", bekennt Jordan, "schon das Warm-Up im Backstagebereich ist zu einer festen Institution für uns geworden, das möchte ich nicht mehr missen." Mit cirka 3000 Watt aus ihrem "Ghettoblaster", einer imposanten PA-Anlage im Backstage Raum, diversen Trance- und House-Mixes und ein, zwei Longdrinks, machen sich Scooter vor jeder Show eine Stunde lang fit. Die gesamte Energie der Gruppe konzentriert sich während der Tournee auf diesen Zeitpunkt des Tages: "Meistens habe ich am Nachmittag vor einer Show ein Gefühl, als könnte ich nie im Leben wieder auf eine Bühne steigen, so k.o., fast lethargisch bin ich. Zehn Minuten vor Showbeginn renne ich dann Kreise in den Boden vor Nervosität - schliesslich weiß man nie, ob alles funktioniert - aber sobald es losgeht, gibt man einfach nur noch Vollgas. Ich hab da meinen ganz eigenen Rhythmus", erzählt der bekennende Nachtmensch Baxxter, für den jeder Promotiontermin vor 12 Uhr mittags quasi "mitten in der Nacht" stattfindet. "Das ist es, was mir an unserer Situation so gefällt: der Nervenkitzel, die Mischung aus Studioarbeit und Liveshow. Es wird einfach nie langweilig."
36 Singles, 17 Alben und kein Ende

Nur zu gerne werden Scooter mit der Frage konfrontiert, wie man es denn schafft, nach so vielen Jahren und Single- bzw. Albumreleases noch neue Ideen zu entwickeln und sich kreativ zu regenerieren. Die Antwort ist recht einfach: Arbeit, harte Arbeit! "Wir standen in der Endphase der Albumproduktion oft mehr als 12 Stunden täglich im Studio, aber ein Song braucht Zeit und viele Ideen, um zu reifen", betont Michael, der schnell gelernt hat, dass Festivals oder Promotiontermine nicht selten dem kreativen Flow im Studio entgegen stehen. "Wenn man eine zeitlang nicht im Studio gestanden hat, wegen Tour, Promo oder einfach nur Urlaub, dann überkommt einen oft das Gefühl, alles verlernt zu haben. Man fängt manchmal quasi bei Null an.", so H.P. Baxxter über die immer wieder kehrenden Hürden zu Beginn einer Produktionsphase. "Aber die Chance besteht natürlich darin, sich dadurch künstlerisch zu entwickeln, neue Wege zu beschreiten." Dass dies gelegentlich auch über Zitate aus anderen oft stilfremden Musikstücken erreicht wird, trifft nicht immer auf ungeteiltets Echo. Was im Hip Hop immer schon als Selbstverständlichkeit galt – das Samplen oder Zitieren und Integrieren von fremden Songfragmenten  – Hip Hop sich sogar daraus selbst definiert, wird Bands im Techno- und Dancebereich von einigen Unverbesserlichen immer wieder vorgeworfen. Dabei hat sich die Band jederzeit zu ihrer Arbeitsweise bekannt und nie einen Hehl daraus gemacht, sich angesagter Stile und Strömungen bewußt anzunehmen, um ihre eigenen Songs damit entsprechend zu veredeln. "Streng genommen haben sich sogar klassische Koryphäen wie Karajan, Callas und Pavarotti nahezu ausschliesslich mit Interpretationen vorhandener Werke hervorgetan, was ihrer Genialität und Einzigartigkeit sicher nicht im Wege stand", erläutert Rick mit ironischem Unterton. "Oft besteht in unseren Songs ja gerade der Reiz darin, Altes mit Neuem verschmelzen zu lassen."   
    
Jumping All Over The World
Nach dem phänomenalen Erfolg der Jumpstyle-Hymne “The Question Is What Is The Question?”, welche der Band den sagenhaften 20. Top Ten Hit ihrer Karriere bescherte, erscheint im November der mittlerweile 18. Longplayer „Jumping All Over The World“ der Hamburger Jungs. Da ein solcher Charterfolg alles andere als alltäglich ist, hat die Band sich dazu entschieden, zusätzlich eine Limited Edition zu veröffentlichen, deren Bonus CD alle Top Ten Hits enthält. Von „Hyper, Hyper“  über „How Much Is The Fish?“ bis hin zur einer bis dato unveröffentlichten Version von „The Question Is What Is The Question?“ ist auf dieser CD alles enthalten, was das Scooter Fan-Herz höher schlagen lässt. Wie es der Titel „Jumping All Over The World“ schon verrät, transportiert dieses Album den in den Benelux Ländern geprägten Jumpstyle Sound, welchen die Band nun über die gesamte Welt verbreitet. Passend hierzu reisen Scooter Mitte November zum ersten Mal Down Under, wo sie mit ihren neusten Tracks im Gepäck sicherlich nicht nur die australischen Nationaltiere zum „Jumpen“ bringen werden.
Die Band um Frontmann H.P. Baxxter überraschen eben immer wieder, was sich auch an der brandneuen, auf dem Album enthaltenden Single, „And No Matches“ erkennen lässt. Neue frische Sounds, polarisierende und literarisch einzigartige Shouts von H.P. Baxxter sowie der unverkennbare Jumpstyle Beat, machen „And No Matches“ wieder zu einer einzigartigen und unverwechselbaren Scooter Hymne. Somit wird die Band weiter Geschichte schreiben und weitere Chart-Rekorde brechen, auch wenn es nur ihre eigenen sind.

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SELIG

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SELIG

***Festival- und Eventbooking in Kooperation mit der Marek Lieberberg Konzertagentur***

2009 verzeichnet eine veritable musikalische Sensation: Selig, eine der wichtigsten deutschsprachigen Rockbands der neunziger Jahre haben wieder zueinander gefunden! Natürlich in Originalbesetzung, denn Selig haben noch nie halbe Sachen gemacht. Mit ihrer neuen CD „Und Endlich Unendlich“ (VÖ 20. März) ist ihnen ein glückseliges, kompromissloses Album von großem, unerschrockenem und leuchtendem Moment gelungen. Das Selig-Comeback wird durch eine Tournee und ausgewählte Festivalauftritte vervollständigt. Erstmals nach ihrem Rückzug vor 10 Jahren spielt die Hamburger Band vom 18. bis 26. März wieder live in Dresden, Berlin, Hamburg, München, Köln, Wien und Zürich.

Die legendäre Formation hatte die Grunge-Ära mit Klassikern wie „Sie hat geschrien“, „Ohne dich“ und „Ist es wichtig“ bereichert. Ein Jahrzehnt Auszeit hatte den Wunsch genährt, es noch einmal auszuprobieren. Und sofort gerieten die Protagonisten in einen kreativen Rausch, den keiner so für möglich gehalten hätte. In der Tat knisterte es in ihren Venen! Und so klingen Seligs neue Lieder kraftvoller denn je. Die virtuosen Musiker nahmen Erfahrungen, die sie beim Jammen machten, in den Endsound auf. Deshalb wirkt ihre einfühlsame, fast erhabene Musik, die ihre Wurzeln im Blues- und Prog-Rock der 70er hat, so unglaublich energetisch. Ihr Credo: “Es liegt eine starke Wahrheit in dem Moment, in dem man die Erfindung macht“. Also hat man die Basics des Albums auch live eingespielt. Ganz im Sinne des Band-Mantras: „Lass uns jetzt und hier leben“ oder wie Sänger und Texter Jan Plewka es formulierte: „Die Kraft des Augenblicks zu fühlen, ist das Schönste im Leben.“

Das neue Album präsentiert Selig als hellsichtige Wanderer der Nacht; auf einer Erkundungsreise durch den Tag. Der Zuhörer soll spüren, dass sich die Wirklichkeit bewegt, wenn man sie anstößt. Die Freiräume, die sie mit ihrem „Hippie-Metal“ (Selig über Selig) beschreiten, sind nötiger denn je! Und so entwickeln die zwölf Kompositionen einen fast meditativen Sog.

Sänger Jan Plewka ist mit seinem Timbre, das an Rio Reiser und Eddie Vedder erinnert, wahrlich kein gewöhnlicher Vokalist. Er ist ein beseelter Emotionsdarsteller, der genau weiß, in welchen Farben er die Töne ausmalen muss, um Wirkung zu erzeugen. Christian Neander, der Jimi Hendrix und John Frusciante in den Fingern zu haben scheint, folgt auf der Gitarre seiner eigenen Virtuosität. So sensibilisieren Selig den Betrachter für die Magie des Augenblicks. Für Jan Plewka, Christian Neander, Leo Schmidthals (Bass), Malte Neumann (Keyboard) und Stephan „Stoppel“ Eggert (Schlagzeug) fühlt es sich so an, „als würden wir zum zweiten Mal heiraten.“ Neander: „Wie das mit Selig funktioniert, das ist einfach ein Geschenk, das man annehmen muss.“ Und Eggert: „In dieser Band ist jeder wie geschaffen für sein Instrument.“ Plewka ergänzt: „Und plötzlich war unser spezieller Sound wieder da. Und da hab ich kapiert, warum die Leute damals so ausgeflippt sind.“

Selig sind weit entfernt von weinerlichem Gejammer einerseits und Zwangsoptimismus andererseits. Nach drei erfolgreichen Alben („Selig“, 1994, „Hier“, 1995 und „Blender“, 1997) hatten sie sich aufgelöst, weil sie nicht mehr bereit waren, „dem sinnlichkeitsverschlingenden Hochgeschwindigkeitsdruck des Erfolgs nachzugeben“. Heute haben sie sich und dem Publikum mehr denn je zu sagen. Und sei es nur „um zu verstehen, dass das Leben an sich, manche Wunde aufbricht.“

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STUDIO 84

"Zurzeit leider keine Termine gebucht"

STUDIO 84

Sagen wir es, wie es ist: Es gibt Paare, die versuchen ihre Beziehung mit Nachwuchs zu kitten. Andere flüchten sich in ausweglose Alkohol-Exzesse. Und es gibt solche, die versuchen mit regelmäßigen Besuchen beim Therapeuten die Lage in den Griff zu bekommen.
Alexis Crystal Clear Heffner und Michael George Heffner – das sexy Front-Couple von STUDIO 84 – verfolgen einen anderen Plan:

Nach Jahren des Streits und der Versöhnung…
Nach Jahren der Tränen und der Freude…
Nach Jahren von Liebe und Hass…
…gründeten sie ihre erste gemeinsame Band… …STUDIO 84 !

Seitdem singen sie zusammen. Nur so können es die beiden hoffnungslosen Exzentriker friedlich miteinander aushalten, wenn auch Alexis auf der Bühne gerne mal die Hand ausrutscht, wenn Michael George einer jungen Frau im Publikum zu unverhohlen Avancen macht. Hinter der Bühne mögen ihre Anwälte warten, die in jahrelangen Streitereien um Tantiemen und Alimente selbst steinreich geworden sind: auf der Bühne entfliehen die beiden dem Stress ihrer glamourösen Blitzlichtehe und versetzen sich und ihre Zuhörer zurück in die großen 80er Jahre, in denen sie sich kennen und lieben lernten. Als Reminiszenz an ihre wilde Jugend zwischen Schulterpolstern, Nietengürteln und Stu-stu-studioline haben sich Alexis, Michael George und ihre Band voll und ganz den großen Songs der 80er Jahre verschrieben. Gemeinsam mit ihrem begeisterten Publikum erleben und zelebrieren sie mit Songs wie „Dreams are my reality“, „When the rain begins to fall“ oder „Maniac“ den Soundtrack ihrer Liebe.

Egal wo das Quintett auftaucht, ihr Ziel verfolgen sie kompromißlos. Dabei treffen sie ihr Publikum mitten ins Herz - und zwar schnell, laut und verzerrt. Unterstützt durch ihre 3-köpfige Begleitband – Howie (Gitarre), Tony (Bass) und Nik (Schlagzeug) – verleiht das glamouröse Gesangs-Duo den über 20 Jahre alten Songs neues Feuer. Und so weichen die in den 80ern so beliebten Keyboard-Plastik-Sounds einer erstklassigen ROCK-Performance, die ihresgleichen sucht. Ob auf den großen Festivals der Republik, im Club oder auf einer Betriebsfeier - STUDIO 84 neben Bühne und Herzen im Sturm.

Gemäß dem Motto: „Zurück in die Zukunft – die 80er auf 180“ sprühen sie es für alle smalltownboys und -girls an jede Wand: Schickt eure Söhne und Töchter früh ins Bett, holt den alten Lederschlips und den Haarspray raus, denn wenn der lila Regen fällt, stehen STUDIO 84 vor den Toren unserer Stadt!

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SUNRISE AVENUE

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SUNRISE AVENUE

Innerhalb weniger Monate hatten Sunrise Avenue es geschafft, über die Grenzen ihrer Heimat Finnland hinaus einen Siegeszug anzutreten, der nach wie vor seinesgleichen sucht: Mit dem Debütalbum „On The Way To Wonderland“ eroberten sie die Chartspitzen in ganz Europa (insgesamt über 500.000 verkaufte Einheiten) und holten u.a. in Deutschland die Goldauszeichnung. Der Durchbruch gelang den fünf Jungs aus Helsinki mit ihrer Debütsingle „Fairytale Gone Bad“, die ihnen bei uns ebenfalls Edelmetall sicherte und mit über 76 Wochen in den deutschen Airplaycharts zu einem der meistgespielten Radiosongs des Jahres wurde. Sunrise Avenue rockten die größten Festivals, spielten ausverkaufte Headliner-Tourneen und begeisterten Fans und Kritiker gleichermaßen. Mit diesem Erfolg im Rücken gehen Sunrise Avenue nun das nächste Erfolgskapitel ihrer sensationellen Karriere an: Im Mai erscheint ihr zweites Album „Popgasm“ und verspricht laut Band „70 Prozent Pop und 80 Prozent Rock“ zu werden… Einmal mehr überraschen Sunrise Avenue das Publikum mit feinstem Sound aus dem Norden und heizen dem Rest von Europa richtig ein.

“Alle sagen, das zweite Album ist das schwierigste und ich hoffe wirklich, dass sie Recht haben. Die Aufnahmen vom ersten Album waren einfach, weil wir machen konnten, was wir wollten, ganz frei von jeglichen Einflüssen. Jetzt ist das anders. Da sind Erwartungen – vom Publikum, von der Plattenfirma, von den Fans, von uns selbst“, erklärt Frontmann Samu Haber und fügt hinzu: „Es ist ein Wunder, dass wir so weit gekommen sind. Ich bin mehr als glücklich über das Ergebnis und es scheint, als ob es gut war, dass wir am Ende länger für das Album gebraucht haben, als zunächst geplant.“ Nachdem Sunrise Avenue im Jahr 2008 noch rastlos getourt sind und sich erst für die zweite Hälfte des Jahres ins Studio zurückgezogen haben, um an neuen Songs zu arbeiten, konzentrierten sie sich zunächst darauf, keine Wiederholungen in ihrem Sound zuzulassen. „Es ging uns darum, diese echte Sunrise Avenue Power und den Geist im neuen Album auf ein neues Level zu heben, ohne jedoch das erste Album zu kopieren und uns zu wiederholen“, beschreibt Samu den Ansatz bei den neuen Songs von „Popgasm“. Zusammen mit dem Produzenten des Debüts, dem Finnen Jukka Backlund und dem schwedischen Macho Psycho Team (Pink, Sting, Natalie Imbruglia) schafften es Sunrise Avenue, die Herausforderungen des zweiten Albums zu meistern… und zu perfektionieren. „Es ist fantastisch, wie uns die Produzenten dabei geholfen haben, unseren Style und unsere Stärke zu bewahren, aber auf der anderen Seite neue Wege zu gehen und den Hörer mit frischen Sounds zu überraschen.“ Mit „Popgasm“ setzten Sunrise Avenue zum nächsten Erfolgszug an – und man darf zu Recht fragen: Wer soll diese Finnen schon aufhalten?

Seit ihrer Bandgründung vor knapp sieben Jahren haben Sunrise Avenue stets viel Wert darauf gelegt, vor allem auf der Bühne zu überzeugen. Sie traten zunächst in allen möglichen Bars und Clubs Finnlands auf. Das hat nicht nur die Band zusammengeschweißt, sondern auch felsenfest von der Formation überzeugte Fans motiviert – wie jenem, der sein Haus verkaufte, um gemeinsam mit ihnen eine Produktionsfirma zu gründen. Das gehört ebenso zu den unverzichtbaren Anekdoten in der Bandbiographie wie ihr berühmter Marathon durch die Musikwelt, bei dem Sunrise Avenue mit ihren ersten Demoaufnahmen über 100 Mal verschiedene Plattenfirmen und Produzenten besuchten. EMI Music Germany, die sich die europaweiten Rechte außerhalb Skandinaviens sicherte, hatte den richtigen Riecher.  

Samu Haber und seine Mannen haben sich mit dem Debütalbum einen lang gehegten Traum erfüllt. Ziel erreicht, jetzt geht’s weiter. Was Sunrise Avenue alles mit „Popgasm“ im Mai auf das Publikum loslassen werden, kann dezent formuliert nur als ein weiteres Glanzstück skandinavischer Pop-Rock-Schmiedekunst bezeichnet werden: Humorvoll, emotionsgeladen, melodisch brillant, voller Energie und geradezu einladend, sich der Sunrise Avenue-Sucht mit Haut und Haaren zu ergeben… Kein Fake, sondern ein echter „Popgasm“ eben.

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SUPERSUCKERS

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SUPERSUCKERS

You’ve heard our name, you’ve seen our records, our t-shirts and our stickers. We’re probably the favorite band of someone you know and yet we’re still a mystery to you. Well my friend, that’s okay, I’m here to fill you in and help you to get to know the greatest rock-n-roll band in the world, The Supersuckers.

Our story is almost impossible to believe. This band is literally a human cartoon. We all grew up among the dead-ends and cactus needles of Tucson, Arizona and have known each other since grade school. We graduated from the same high school together at the same time (a school immortalized in our song “Santa Rita High”) and we chose to play in a band together because we liked to hang out together, not because we were great musicians or anything. I truly believe that a band is defined by their limitations, that what they can’t (or won’t) do is just as important as what they can do. I guess that, in this era of pre-fabricated, put-together-to-have-a-hit bands, we’re kind of an aberration and I gotta tell ya that that makes us smile a little every day.

We formed the band in 1988 and we were initially a five piece called The Black Supersuckers (a name found in some quality “adult literature” we had laying around in our impeccably clean band house), with me on bass, Dan “Thunder” Bolton and Rontrose Heathman on guitars, Dancing Eagle on drums and a lead singer by the name of Eric Martin. After firmly proving ourselves to be the best band in town we decided it was time to get out of Tucson and try our luck somewhere else. So we tossed a coin with heads as New Orleans and tails as Seattle. Tails it was and in May of ‘89 we packed up and went north.

We had no idea that Seattle was about to become “Rock Mecca USA” we just wanted to go somewhere where we could wear our leather jackets a little more often. It was exciting and encouraging to see all of the great bands there, doing their own thing and making some kick-ass, aggressive rock-n-roll that we could relate to, so we started recording immediately. After some classic “creative differences” with our lead singer, we decided to try it as a four piece with yours truly as the singer (I was the only one who knew all the words) and The Supersuckers, as you may or may not know them today, were born.

Our first recordings as a four-piece wound up on various singles for small labels and then were compiled for a C.D. called The Songs All Sound The Same. (For the full story on these recordings I highly recommend picking up the re-issued version on our own label, Mid-Fi Recordings). But it was our live shows that caught the eyes of the good people at Sub-Pop Records and, after a particularly scorching show one night, they offered to put out our records. We said, “Buy us some beer and you got a deal!” And our long and enduring rock-n-roll ride was officially under way.

Starting with 1992,s “The Smoke Of Hell”, we released a total of three rock records for Sub-Pop as well as a country record (Must’ve Been High), split singles with Steve Earle and The Rev. Horton Heat, countless singles and a “best-of” double album. Then we ventured out into the muddy and troubled waters of the major labels where we were signed and dropped by Interscope Records before finally (crash) landing at Koch who (barely) put out another Supersuckers masterpiece, “The Evil Powers Of Rock-n-Roll” in late 1999. We’ve always toured our asses off all over the world and that has never stopped. We hit the road with bands like Mudhoney, Social Distortion, Bad Religion, The Ramones, Motorhead, The Toadies, The Butthole Surfers, The Reverend Horton Heat, The Dwarves, White Zombie and Pearl Jam. We’ve played a few Farm Aid shows and backed Willie Nelson on The Tonight Show. Our music has appeared in T.V. shows (Beverly Hills 90210, Viva La Bam, Simple Life, Road Rules Challenge, Real World, all that crap), Movies (Baseketball, Hype) and commercials (Mountain Dew) as well as countless snow and skateboarding video compilations.

Throughout this entire time, our sole mission has been to create and perform timeless, quality music and get as many people as possible to hear it. That goal has never changed. The pursuit of that perfectly imperfect rock-n-roll moment is all we’ve ever been after. We’ve been doing this for well over a decade now and we’re just getting started.

2001 found us starting our own label; Mid-Fi Recordings. We’ve finally decided to take control of all of our affairs and have become a lean, mean, self managed, totally independent rock-n-roll machine. We’ve got the greatest fans in the world and no one cares more about them and our music than we do. Having our own label gives us the freedom to make more of our music available to them without the hassles of “the middle-man” worrying about things like “marketing” or “demographics”. Hell, these are just hard words. All we want to do is get some kick-ass music out to the people and with Mid-Fi we have been able to do just that. Our first release was a live country record entitled “Must’ve Been Live”, that came out in March, 2002. Since then, we have dug into our “private reserves” and released several singles of some our finest outtake stock (a habit we intend to keep), and we’ve also managed to pull off a couple of “split” singles with fellow under-appreciated rockers, the Hangmen, Throwrag and Zeke.

In 2003 we unleashed the impeccably titled, Motherfuckers Be Trippin’, (April 22nd, 2003) on the world. It was the perfect follow up to The Evil Powers Of Rock N Roll, it spent a couple weeks on the Billboard Independent Charts and songs from it have been featured on MTV’s Real World and Viva La Bam shows as well as countless ski and snowboard videos. We even managed to work a single (Rock N Records Ain’t Selling this Year) to radio where it was #1 on the RnR Specialty Charts for 4 weeks in a row (whatever that is). We have since been able to keep the releases coming at a rate that could never be achieved with any other label. In addition to MFBT, we've released my first solo album, The Sauce, as well as a second version titled Extra Sauce which features the incredible Mickey Raphael from Willie Nelson’s band playing harmonica all over it and my second solo record, Old No. 2 in October of 2005. We've also established the Mid-Fi Field Recordings series which has seen the release of three live Supersuckers records and two live DVDs and will hopefully be the vehicle for our first release by an artist other than the Supersuckers. (Perpetually on the menu is Mid-Fi Field Recordings, Vol.? which will feature one of the last performances by the criminally under-appreciated Zen Guerrilla on New Years Eve 2002. I dare say this is perhaps the greatest live recording of all time!) In the works is a remix version of Old No. 2, as well, which will blow some minds for sure!

Then in 2006 we had the release of what was planned to be a series of Supersuckers E.Ps. with “Paid”, which was by far the best we had ever sounded up to that point. We planned on releasing it as an E.P. so that we could keep the music coming in steady bursts. We were tired of seeing these artists release full length albums with two good songs on ‘em and we wanted to be the trendsetters (once again) and show everyone a new way to get the good stuff to the peoples! We thought we'd be cranking out a few of these E.P.s and, if we had to, then we’d slap together a full length from ‘em with a few new ones thrown in as well. That’s the way they did it in the Fifties and Sixties and we thought that, with the way people are buying their music these days, it’d be the way to go again. Well, we were a little off in that thinking and that leads us to "Get It Together".

"Get It Together" is the brand-spanking new, FULL LENGTH record from the Supersuckers and it is far and away the most awesome thing we've ever recorded. Once again teaming up with the man who brought "Paid" to life, the incomparable Mr. Billy Joe Bowers, the band has never sounded so good. Faced with the somewhat anemic response to the E.P. format, the band decided to forego the idea of putting out several of them and went ahead and recorded enough songs for a full length. (Our first since 2003's, Motherfuckers Be Trippin'. Wow, has it really been that long?!?) Still including some of the "hits" from the Paid E.P., "Get It Together" features 12 solid new slabs of the hard hitting Supersuckers sound you've come to know and love as well as some new looks into our collective psyche. One of the biggest reasons the band has never sounded so good is the recent addition of Scott Churilla as the newest member of the Supersuckers family on the drums. You may or may not be aware that, since the 2004 departure of our original drummer, we’ve had a rotating cast of characters behind the drums for us. It was all very “Spinal Tap” and fun for a while but we’re so happy to have it all behind us and be able to call ourselves a first class, four-piece rock and roll band once again. You may know Scott from his 10+ years as the drummer for The Reverend Horton Heat. He’s absolutely incredible and we are way better than ever with him back there. And his skills are up front and center for all the world to hear on "Get It Together", available at the end of October, 2008!

WHEW! That’s a lot to take in and it barely scratches the surface of all that we’ve done and plan to do. So, the next time you see The Supersuckers name, whether it’s in the record store or on the marquee at your local nightclub, know that there’s some quality, honest, ass-kicking, hard working individuals in there, trying to make your life a little better through the “Evil Powers Of Rock-n-Roll” (and the occasional detour into the country of course) and we’d love nothing better than to have you there with us as we "Get It Together"! Just remember to wear you clean underwear, because we’re gonna rock your pants right off of you.

Rawkously Yours,
 Eddie Spaghetti.

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TAKIDA

"Zurzeit leider keine Termine gebucht"

TAKIDA

“Bury The Lies” (Album VÖ: 04.09.09)
“Losing” (Single VÖ: 31.07.09)
“Curly Sue (head over heels) (Single VÖ: 26.02.10)

Line Up:
Robert Pettersson - vocals
Mattias Larsson - guitar
Tomas Wallin - guitar
Fredrik Pålsson - bass
Kristoffer Söderström - drums

cheesy {adj} [coll.]:
schlecht, gekünstelt, kitschig, geschmacklos, billig

Wo genau verläuft die Grenze, die die Linie zwischen coolem Hardrock und käsigen Hairbands zur Achse des Blöden macht? Wie viel musikalischer Spielraum befindet sich wirklich in dem Dreieck zwischen Nickelback, HIM und Reamonn? Seien wir ehrlich: es sind keine Welten, die sich dazwischen auftun.

Der Käsefaktor auf dem Planeten Rock wird abseits der Bühne bestimmt. Nur dort entscheidet sich, ob chorale Hooks, eingängige Melodien und treibende Grooves bei dem normalen Fan von der Straße ankommen oder auf den Konten verkokster Egomanen. Glaubwürdiger Rock gedeiht nahe am Leben, Leiden und Feiern derer, die ihn hören.

Vielleicht sind das subtile Erklärungen dafür, warum tAKIDA in ihrer Heimat Schweden innerhalb kürzester Zeit zu absoluten Shootingsstars aufsteigen konnten - ohne dass millionenschwere Budgets den Weg in die Charts breit walzen mussten. Hier sind fünf Jungs am Werk, die all ihre Aufmerksamkeit in das Schreiben guter Songs investieren statt auf Zielgruppen-optimierte Images.    

Ihr erstes Demo nahmen tAKIDA kurz nach ihrer Gründung im Jahr 2000 auf, die 500er Auflage mit einer Handvoll Songs war binnen kürzester Zeit vergriffen. Der Bandname leitet sich aus dem in Schweden sehr beliebten japanischen Manga „Silver Fang“ ab, der in den frühen Achtzigern dort jedem Kind bekannt war.

Ihre Erfolge haben tAKIDA seitdem eingefahren wie ein Bauer, nicht wie ein Börsenspekulant: mit verschwitzten Händen auf dem Acker schwedischer Rockclubs. Weitere vier EPs folgten, schließlich ein eigenfinanziertes Album, das in 10.000er Auflage ebenfalls schnellstens vergriffen war.

“Wir sind wohl eine Hardrockband mit gewissen Pop-Einflüssen”, meint der Gitarrist Tomas Wallin. “Dieses breit definierte Genre kann völlig peinliche Bands hervorbringen, aber eben auch Acts wie Judas Priest und Iron Maiden, mit denen die meisten von uns aufgewachsen sind”.

tAKIDAs Single "Losing" enterte die schwedischen Charts 2006 direkt auf Platz zwei und hielt sich wochenlang in den nationalen Top Ten. Das dazugehörige Album „Make You Breathe“ wurde ein riesiger Erfolg und schließlich das am meisten verkaufte Rock-Album des Jahres 2006 in Schweden.

2007 folgt „Bury The Lies“, dessen Songmaterial unter ungeheurem Erfolgsdruck in nur zwei Wochen geschrieben wird. „Wir haben damals zwei wichtige Dinge gelernt“, erinnert sich Tomas „Erstens dass wir auch unter diesen Umständen sehr gut arbeiten können. Und zweitens, dass wir selbst in stressigen Zeiten nicht die Nerven verlieren und normal miteinander umgehen können.“

“Bury The Lies” inzwischen mit Platin ausgezeichnet setzt sogar noch einen drauf, denn sowohl das Album als auch die Single „Curly Sue“ schossen auf Platz eins der schwedischen Charts. Die Single hielt sich zudem zehn Wochen an der Spitze der nationalen Radio-Charts und war 2008 der meistgespielte Radiosong - kein Wunder, dass die Band für zwei Grammys nominiert wurde.

„Ganz sicher sind es die Songs wie ‚Losing’ oder die Ballade ‚Curly Sue’, die uns anfangs die Türen öffnen. Viele Leute sind dann aber überrascht, wenn sie das ganze Album hören. Insgesamt betrachtet klingen wir viel härter“, meint Tomas.

Das spiegele sich auch bei den zahlreichen Liveshows, die die Skandinavier europaweit spielen: „Da stehen dann junge Girls, die uns aus dem Radio kennen neben Meshuggah-Fans und Altrockern, die wohl schon seit den Sechzigern dabei sind. Wir scheinen wirklich alle Altersstufen anzusprechen“, so der Gitarrist nicht ohne Stolz.

Mit etwas Verspätung überollt „Bury The Lies“ nun auch Deutschland mit hitverdächtigem, solidem Rock, der in vielen Momenten an die Trademarks von Veteranen wie Iron Maiden, Judas Priest oder Queen erinnert.

„Wir sind bodenständige Typen und hatten vor dem Erfolg mit tAKIDA ganz normale Jobs als Bauhelfer, Bürosklaven oder Dauerstudenten. Äußerlich werden wir uns da auch kaum ändern, egal wie viele Verkäufe oder Paparazzi zukünftig unseren Weg kreuzen“, lacht Tomas.

Zero cheese eben.

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TAROT

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TAROT

TAROT is not only a card game, but also a long time running Heavy Metal band from Finland. The band was founded in the early eighties (!) by the Hietala brothers, Marco and Zachary. The first album "Spell Of Iron" was finally released in 1986. Much later Marco became famous as a member of SINERGY and of course NIGHTWISH, but he never abandoned his "baby band“. From time to time with some breaks, for obvious reasons, TAROT have released great albums which have made them a  great addition to the metal scene.

In 2007 Tarot signed a contract with Nuclear Blast and released the
highly anticipated album “Crows Fly Black”.. The first single “You” entered the Finish charts on position # 1.

One Year later in 2008 after several tours they released their first Live DVD ever. “Live Undead Indeed” also entered the Finish DVD Charts on position # 1.

Now in 2010, TAROT is back in business. The hairy dudes from the town of Kuopio, county of Savo, Finland have again come up with a bunch of songs, which you will be able to hear on their eighth studioalbum titled “Gravity Of Light”.
Most of the demo work for this album was done in August and September 2009 by Marco Hietala, Zachary Hietala and Janne Tolsa, the main writers of the band. The actual recordings for the album started immediately after that in November 2009. Mixing has been done by Janne and Mikko Tegelman and the mastering by Mika Jussila at Finnvox studios in January and February 2010.
The album feels like meeting an old friend. Some things are the same, but your friend has gained weight. He shows new scars, and tattoos. The beard is longer and he projects a meaner and faster temper. At the same time there´s still a big heart at the center. The blood might rush to your head when your friend takes you to a weightless sauna orbiting the sun. When you hear “Gravity Of Light” you will believe.

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TOM DICE

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TOM DICE

TOM DICE
Album "Teardrops" (VÖ: 25.06.2010)

Die Zeit scheint reif für Musik aus Belgien – mehr denn je zuvor. Schon MILOW hat es erfolgreich vorgemacht, nun tritt ein weiterer junger Singer-/Songwriter aus Belgien in die großen Fußstapfen und scheint sie mühelos auszufüllen.

Er ist eine der großen Überraschungen des diesjährigen Eurovision Song-Contest: TOM DICE. Mit seiner gefühlvoll vorgetragenen Ballade „Me And My Guitar“ brachte er mit einem Schlag sage und schreibe 120 Millionen Herzen in ganz Europa zum Schmelzen. Wie sein Kollege und Landsmann MILOW, der in den vergangenen zwei Jahren die Herzen der Deutschen im Sturm erobert hat, tritt nun TOM DICE ins große Rampenlicht. Er ist ebenfalls Belgier, Singer- / Songwriter und seit dem vergangenen Wochenende von einem Moment auf den anderen absoluter Liebling von ca. 17 Millionen Deutschen.  

Als belgischer Kandidat beim 55. Eurovision Song Contest begeisterte er mit seinem wundervollen Song „Me And My Guitar“ nicht nur das Publikum vor Ort, sondern vor allem auch die deutschen Zuschauer zuhause an ihren Bildschirmen. Und zwar so sehr, dass die Höchstzahl der aus Deutschland zu vergebenen Punkte an den attraktiven jungen Belgier mit der sanften Stimme gingen. Doch wer ist dieser junge Mann eigentlich?

Im Alter von acht Jahren besuchte er eine Musikschule, nahm dort Gitarren-Unterricht. Bereits mit 12 Jahren schrieb er seinen ersten Song und gründete mit 15 seine erste eigene Band „The Dice“ – die Inspiration für den Künstlernamen entstammt dieser Formation. Erste große Erfolge in Belgien folgten, und so war es nur eine Frage der Zeit bis sich ein Label fand, das das Ausnahmetalent unter Vertrag nahm. Mit B1 / Universal Music Domestic hat TOM DICE nun ein international agierendes Label an seiner Seite, das bereits mit anderen Künstlern fantastische Erfolge feiern konnte.  

„Me And My Guitar“ ist die erste internationale Single-Veröffentlichung des gerade mal 20-Jährigen und war in Belgien bereits vor seinem Auftritt in Oslo Platz 1 der belgischen Single-Charts, in den belgischen iTunes-Charts rangiert der gefühlvolle Song ebenfalls auf Platz 1, in Deutschland und Luxemburg in den TOP5 und in Irland, Österreich, Norwegen und Schweden in den TOP10. Doch „Me And My Guitar“ zeigt nur eine Facette des jungen Talents – dabei besticht sein Debüt-Album „Teardrops“ vor allem durch seine Vielseitigkeit.  Eine ungewöhnlich schöne Interpretation des Leona Lewis-Hits „Bleeding Love“ ist der herzzereißende Opener des Werks, doch wenn man nun erwartet Tom Dice würde in den nächsten 50 Minuten in selbstvergessener Melancholie vor sich hinschluchzen so irrt sich man gewaltig. Die Streicher des Songs „Miss Perfect“ locken zwar noch genau auf diese Fährte doch spätestens der Refrain von „Always And Forever“ lässt den Hörer verwundert aufhorchen – ist dies doch einer der Songs, die sofort ins Ohr gehen, dort bleiben und zum Immer-wieder-hören verführen - auch „Too Late“ ist so ein Song mit gefährlicher Ohrwurm-Qualität.  Insgesamt lässt sich sagen, dass TOM DICE eher der Progressive unter den Singer-/ Songwritern ist – „Forbidden Love“ oder auch „Murderer“ kommen mit einer fast rockigen Attitüde daher; der beinahe Hymnen-Charakter von „Carrying Our Burden“ zeigt einmal mehr, dass sich der Belgier nicht auf einen einzigen Sound festlegen lässt.

In seiner Heimat ist TOM DICE bereits ein echter Superstar, er verzaubert seine Fans mit seiner gefühlvollen Stimme und besonderen Art seine Songs zu performen – nicht zuletzt ist es auch seine sympathische Art, die vor allem die Frauenherzen zum schlagen bringt.  

Ende März ist es endlich auch in Deutschland so weit – sein Debüt-Album „Teardrops“ kommt in die Läden.  

Weitere Infos zum Künstler unter www.journalistenlounge.de 

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VONDA SHEPARD

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VONDA SHEPARD

VONDA SHEPARD
TAKES A SOULFUL JOURNEY
FROM THE SUN

HER FIRST NEW STUDIO ALBUM IN FIVE YEARS
AVAILABLE November 14th
On PanShot Records

Los Angeles, CA/Hamburg, Germany (October, 2008) --- On her first studio album in five years, singer/songwriter Vonda Shepard creates a modern-day sould gem with From the Sun. Due in stores on September 16th, the album basks in Shepard’s warm and intoxicating vocals, reflecting Entertainment Weekly’s proclamation that „The singer/songwriter genre doesn’t get any better than this.“ The Hollywood Reporter marveled, „her soul-baring confessionals are tempered by flashes of wit and whimsy along with a hook or two and often bittersweet underpinnings.“ Produced by Mitchell Froom (Elvis Costello, Randy Newman, Bonnie Raitt), From The Sun features guitarist James Ralston (Tina Turner, The Del Fuegos), bassist Jim Hanson (Johnny Cash, Rodney Crowell, Bruce Springsteen), and drummer Matt Chamberlain (David Bowie, Tori Amos, John Mayer), as well as mixer/engineer David Boucher (Daniel Powter, Indigo Girls, Andrew Bird).

In a Hollywood moment that was years in the making, Vonda caught the ear of television producer David E. Kelley one night during a performance, who became such a fan that he placed her in his hit television show, Ally McBeal. A rare opportunity for a singer/songwriter, Vonda won a pair of Emmy Awards for her smoldering musical performances as the resident chanteuse at the lead character’s favorite watering hole. An added bonus was the partnership that the show had with music. One of the first television shows to make music an important part of the storyline, Vonda became a household name overnight, selling 12 million albums along the way. She also picked up two Golden Globes, two Screen Actor’ Guild awards, and a Billboard award for selling the most TV soundtrack records in history.

Shepard began her career by playing Los Angeles-area clubs when only 14, touring with Rickie Lee Jones and Al Jarreau in her early 20s and landing in the Top 10 with the single „Can’t We Try“ when only 25. She has released six studio albums, a live album, concert DVD and four soundtracks for Ally McBeal. In addition to her performances on the show, Shepard was music producer and has continued to work with Ally creator David E. Kelley on his other productions. Most recently, Shepard released Live: A Retrospective in 2004. The concert CD/DVD set included live performances and interviews with Jackson Browne, the Indigo Girls, Al Jarreau and others.

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WE ARE WOLVES

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WE ARE WOLVES

A gang of three, four including rock. We are Wolves imposes a music that's both free and honest, like the celestial lightning on the mystic mountain. It's a post-punk landscape filled with analogue trees. It's like rock after the post-modern explosion.

"...Another reason [to like We Are Wolves] is that music isn't as one-trick retro as it might seem at first. While a certain archness is built into any new analog electropop, We Are Wolves makes it not just a joke, but a good sweaty joke. "
- The New York Times by Jon Pareles

"Their sophomore album, Total Magique, is rife with sinister, buzzing keyboards, vicious guitars and stomping, danceable rhythms. And though they have an obvious kraut-punk sensibility, they tear down everything measured and precise about the genre, playing with thrilling, brutal abandon."
- CMJ.com by Rebecca Raber

"...At Once wild ad rigid, the group comes off like a revolved Devo or a maniacal, testosterone-juiced Le Tigre"
- Time Out New York by Cristina Black

"This Montreal band mixes skin-grafting noise riffs and scuzzy electro beats (...) somewhat amusing Suicide-meets-Stooges"
- Spin Magazine

"... They proved they're more than just a gimmick. Musically and visually, they represent one of the best live products Montreal has to offer"
- Chart Attack by Erik Leijon

"Digital punk from Canada's most exiting band."
-NME

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www.myspace.com/wearewolvesnoussommesloups
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