BLIND
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BLIND
>Wir versuchen nicht, amerikanisch zu klingen. Wir wollen nur vermeiden, typisch deutsch zu klingen.<
Dieses Statement von Gitarrist und Bandleader Fabian Zimmermann ist symptomatisch. Die 2002 in dieser Besetzung gegründete Band Blind verfolgt konsequent ihre Vision. Dabei geht die aus Koblenz stammende Band nicht immer den einfachsten Weg - sie geht ihren eigenen! Es war immer klar: Beim ersten Album muß alles stimmen, ohne Rücksicht auf Verluste, vielleicht bekommt man diese Chance nur einmal im Leben.
So lehnten BLIND immer wieder Vertragsangebote ab und wechselten bereits im Demo-Stadium mehrere Produzenten, weil diese nicht den nötigen Einsatz zeigten. „Wir haben einen geradezu sportlichen Ehrgeiz", lacht Fabian. „Warum sollen wir uns mit nur neunzig Prozent zufrieden geben? Höher, schneller, weiter!" Der Faktor Zeit war sekundär. Statt rasch mit einem Schnellschuss zu debütieren, nahm sich das Quartett bewusst viel Muße, um seine Identität zu entwickeln und an seinen Songs zu feilen. Diese Geduld wurde belohnt, denn über die Jahre hinweg entstand auf ganz natürliche Weise ein vielseitiger und eigenständiger Stil in der Schnittmenge von Power-Pop, Alternative-Rock und Modern-Metal. Dabei zählt jedes Detail. „Wir sind bessene Soundbastler und Songwriter" so Frontmann Steve, „wir probieren alles aus, experimentieren mit den verrücktesten Kombinationen unserer Instrumente, reissen alles auseinander und setzen es wieder neu zusammen. Das dauert, da bleibt viel auf der Strecke, aber was übrigbleibt, ist dann hundertprozent. Es ist ein bißchen so, wie wenn eine Autofirma einen neuen Prototypen testet: Mehrere Jahre Belastung werden in wenigen Tagen simuliert. Das Material, was das überlebt, kann dann raus auf die Strasse". Die „Testfahrten" für ihre Songs führten die Gruppe in den letzten Jahren einmal quer durch die Republik, „wo eine Steckdose war, haben wir unser Zeug aufgebaut und geschaut, dass wir die Leute mit unseren Songs gekriegt haben. Was gezündet hat, haben wir behalten. Der Rest: Weg. Nochmal machen". Fast nebenbei sind Blind in diesen Wanderjahren durch die Clubs zu einem Brocken von Liveband zusammengewachsen. Der explosive Ehrgeiz, den die vier Jungs beim Schreiben ihrer Musik an den Tag legen, detoniert live auf spektakuläre Weise. „Ich will den Leuten ins Gesicht springen. Mit meiner Musik und auch physisch" lacht Sänger Steve, dessen Hochleistungsperformace ein Eckpfeiler der Konzerte ist. „Wir wollen auf der Bühne abgehen, die Leute sollen sich live ebenso wie wir in der Musik verlieren".
Dieses aufwändige und ausdauernde Feintuning hat sich gelohnt, denn BLIND klingen sowohl auf der Bühne als auch auf CD schlicht umwerfend. Ihr selbstbetiteltes Albumdebut reflektiert die intensive Energie der Band und tönt kraftvoll bis zum Anschlag, ohne dabei unnatürlich aufgeblasen zu klingen.
Das ist nicht zuletzt auch ein Verdienst von Produzent Vincent Sorg, der die Herausforderung der Band annahm, ihre aussergewöhnliche musikalische Vision in eine passende Form zu gießen. Das Ergebnis spricht für sich. So erfüllen Hits wie die mitreißenden Hymnen „Today I Break Loose", „These Are the Days" und „You", der alternative Ohrwurm „People", der dynamische Vollgas-Rocker „Break Away" oder die herzergreifend gesungene Piano-Ballade „Every You, Every Me" locker den oft bemühten „internationalen Standard".
Wer ein Faible hat für gut gemachte Songs, auf kraftvolle, moderne Rockmusik und eine Live-Band steht, bei der die Fetzen fliegen, der kann sich freuen, dass mit BLIND eine Band in den Startlöchern steht, die in allen Bereichen Höchstleistungen abliefert.
DARIN
VÖ: 28. September 2007
Was ihm in Schweden 2005 gelang, setzt er nun in Deutschland fort. 2005 sorgte Darin mit der Auskopplung seiner Debütsingle „Money For Nothing" für einen Ausnahmezustand in seiner Heimat. Der damals 18jährige wurde über Nacht zum absoluten Superstar! Jetzt, im Spätsommer 2007 sorgte sein Deutschlanddebüt - die Singleauskopplung „Insanity" - dafür, dass auch hierzulande begeisterte Fans versuchen, die Bühne stürmen! Nach dem erfolgreichen Start gibt es seit dem 28. September 2007 endlich auch das Album „BREAK THE NEWS" des schwedischen Shootingstars in Deutschland. Das Album ist ein perfekter Mix aus Balladen und coolen, modernen Beats, die alle Darin's Handschrift tragen. „BREAK THE NEWS" steht für die Wandlungsfähigkeit des Künstlers. Jeder Track dieser unglaublichen Produktion zeigt eine andere Facette des Songwriters, Sängers und Performers.
„BREAK THE NEWS" - hier Darin's erstes Album - ist in Schweden bereits sein drittes. Dennoch fühlt es sich für Darin oft an, wie „das erste richtige!" Darin: „Es ist das Album, das ich immer machen wollte. Es ist das Album, das mich am meisten zeigt. Ich hatte richtig viel Zeit, dieses Album aufzunehmen. Ich konnte mein eigenes Zeug machen - ohne Einschränkungen. Ich konnte experimentieren, austauschen, ändern und verwerfen. Ich durfte mit Produzenten wie Max Martin, der mit all meinen Idolen gearbeitet hat, und Red One arbeiten. So konnte ich meinen eigenen Sound kreieren - ich wollte immer etwas Neues, Frisches kreieren. Dieses Album ist moderner Pop, es hat viele modernere Sounds und Beats und viel mehr Attitüde! Ich wollte, dass dies jeder hört, dass sich das rum spricht." Genau das verbirgt sich also hinter dem Albumtitel „BREAK THE NEWS": Schaut her! Das bin ich! Das ist mein Sound! Erzählt jedem davon!
Der Schwede spielt mit unterschiedlichen Musikstilen und Sounds, ohne dabei sein Genre zu verlassen. In Schweden erntete Darin dafür die Vergleiche mit Justin Timberlake und Michael Jackson. Seine Songs beschäftigen sich mit allem, was um ihn herum passiert. Kurz: Die gesamte Gefühlspalette: von Glück, Trauer, Wut, Coolness, Verzweiflung bis hin zur Partylaune - immer gehüllt in den passenden Klangmantel. So handelt die Ballade „Everything But The Girl" von jemandem der alles hat, nur die große Liebe nicht. „Homeless", ebenfalls eine Ballade, beschreibt die große Leere nach einer Trennung. Ein Song, den Darin besonders liebt, weil er so tief geht und er seiner Stimme alles abfordert. „Like No One" handelt von den Freunden, die einfach immer für einen da sind. Der coole und freche Track „Everything You're Not" ist all denen gewidmet, die vor Neid ersticken. „Desire", einer von Darin's Lieblingssongs, und „If You Wanna" sind Clubhits. Auf „BREAK THE NEWS" befinden sich aber auch zwei Songs von Darin's zweiten Album „DARIN". Sein „bisher größter Hit", wie er selbst sagt, „Step Up" (der übrigens von US 5 gecovert und als „In The Club" veröffentlich wurde) und „Who's That Girl".
Feedback beim Songschreiben holt sich Darin in der Familie - bei seinen Eltern. Vater und Mutter, selber Sänger, die allerdings nie die Chance hatten, ihre Leidenschaft zum Beruf zu machen, sind Darin's strengste Kritiker. Darin: „Wenn ich einen Song fertig habe, dann gehe ich zu ihnen und frage nach ihrer Meinung. Wenn er ihnen nicht gefällt, wird er überarbeitet. So war es zum Beispiel bei „Desire", da habe ich noch mal den Beat geändert und hatte nachher einen neuen Song." Ist ein Song aber erst mal im Kasten, dann wird nicht mehr dran gerüttelt: „Man muss mit dem zufrieden sein, was man getan hat. Man kann nicht ständig zurück schauen und sagen: Oh, das hätte ich besser nicht gemacht. Man muss nach Vorne blicken, darauf aufbauen, und immer dein Bestes geben. Es wäre zu hart, wenn du immer nur darüber nachdenkst, was du nicht gemacht hast."
Fragt man den Vollblut-Künstler, der sich ebenso um das Skript für seine Musikvideos, um die Bühnenperformances wie auch um den Look seiner Tänzer kümmert, nach seinem Erfolgsrezept, antwortet er fast verlegen: „Nun, ich denke zum einen liegt es an der Musik und zum anderen versuche ich immer ich selbst zu sein. Darin: „Ich bin Musiker und liebe, was ich tue. Grundsätzlich bin ich glücklich und mag es, Spaß zu haben. Ich habe keine Angst mich zu verstecken. Ich finde es anstrengender, ständig in eine Rolle zu schlüpfen, als einfach ich selbst zu sein. Viele Leute versuchen ein Image darzustellen, immer cool zu sein. So bin ich nicht. Außerdem versuche ich jeden so zu behandeln, wie ich selbst behandelt werden möchte. Und gleichzeitig möchte ich allen vermitteln: habt Spaß!"
Dabei glauben manche Leute beobachtet zu haben, dass es mindestens zwei Darin's gibt: Den einen etwas ruhigeren, fast introvertierten Darin neben der Bühne und den anderen, wilden, explodierenden Darin auf der Bühne! „Das sagen mir immer alle", sagt er lachend, „Darin privat und Darin auf der Bühne scheinen zwei völlig unterschiedliche Persönlichkeiten zu sein, obwohl sich das für mich immer gleich anfühlt. Klar, bevor ich auf die Bühne gehe habe ich Schmetterlinge im Bauch, bin nervös, will nur noch da raus. Und sobald ich auf der Bühne bist, tauche ich in eine total andere Welt. Alles was in mir ist kannst ich einfach rauslassen! Ich lass dann einfach los und bin zu 100% Musiker!" Dass dies auch bei den deutschen Fans großartig ankommt, davon konnte sich Darin im September live überzeugen. Beim Dome in Hamburg, seinem Showcase in Köln und einem Auftritt in Flensburg herrschte bei den Fans pure Hysterie! „Das war wirklich toll. Ich liebe das und es zeigt mir, dass ich auf dem richtigen Weg bin", so Darin.
Im Herbst und Winter will er noch einige Male nach Deutschland kommen, eine Tour durch Deutschland wäre sein Traum. Seine Mission ist klar: „BREAK THE NEWS" - Deutschland ist bereit!
DARIN - FACTS
Geb. am: 2. Juni 1987
In: Vällingby /Stockholm
Größe: 1,75 m
Haare / Augen: braun
Geschwister: Schwester Rosa (drei Jahre älter)
Sprachen: Schwedisch, Englisch und Kurdiska (Sorain)
Darin's Geschichte beginnt, als er drei Jahre alt ist, damals fing er an, zu den Videos von Madonna und Michael Jackson zu singen und zu tanzen. Sie legten den Grundstein für die Musik, die Darin einmal machen wollte. Darin's Eltern, selbst musikalisch ambitioniert, erkannten das Talent ihres Sohnes und schickten in auf eine Musikschule. Hier lernte er Klavier und klassischen Gesang. Mit 16 schrieb Darin seinen ersten Song. Nach seinem großen Durchbruch 2005 brach Darin in der 12. Klasse die Schule ab - für seinen Abschluss fehlt ihm nur noch eine Prüfung - die in Musik!
Durchbruch 2005 mit „Money For Nothing"
2005 veröffentlicht Darin zwei Alben - sein Debüt „The Anthem" und „Darin"
seit 2005: Drei ausverkaufte Tourneen in Schweden
November 2006 „Break The News"
Deutschland
03. August 2007 „Insanity"
28. September 2007 „Break The News"
DELAIN
Lucidity heißt nun das eindrucksvolle Debüt Album von Delain. Martijn Westerholt verpflichtete hierfür einige extrem talentierte Musiker wie zum Beispiel der finnische Bassist Marko Hielata (Nightwish, Tarot), der Gitarrist Jan Yrlund (ex-Lacrimosa) und die norwegisch-deutsche Sängerin Liv Kristine (ex-Theater of Tragedy, Leaves` Eyes). Außerdem waren einige renommierte niederländische Musiker in das Projekt eingebunden: Sängerin Sharon den Adel (Within Temptation), Gitarist Ad Sluyter (Epica), Drummer Ariën van Weezenbeek (God Dethroned), sowie Sänger George Oosthoek und Gitarrist Guus Eikens (ex-Orphanage). Aber Delain gibt auch neuen Talenten eine Chance: die junge und relative unbekannte Sängerin Charlotte Wessels (ex-To Elysium) steuerte die meisten Vocals zum Album bei und bildet neben Martijn, der die meisten Songs schrieb, das Herzstück der Band. Ihre charakteristische Stimme verleiht Delain eine eigene Identität, da sie aus der Masse der hohen, opernartigen Stimmen, die so typisch für das Gothic-Genre sind, heraus sticht.
Delain ist aufgrund ihres projektartigen Charakters eine außergewöhnliche Band. Die vielen Musiker und Sänger auf Lucidity haben alle ihre musikalischen Spuren hinterlassen: „I wanted to encourage interaction between the different musicians," sagt Projektleiter Martijn. Aber trotz seiner leitenden Funktion ließ er reichlich Raum für persönliche Beiträge seiner Mitmusiker. „I think it's important to create a positive vibe in the studio. Although I had a final say with regard to the overall sound, I made sure my ego didn't get in the way of the best final result."
Lucidity beinhaltet auch einige interessante Duette: Liv Kristine ist zusammen mit Marko Hielata bei „Day For Ghosts" und mit Charlotte bei „See Me In Shadows" zu hören. Sharon den Adels unverwechselbare Stimme ist ein großartiger Gegenpart zu Markos starken Vocals bei „No Compliance", während die tiefe Stimme von George Oosthoek sehr gut mit Charlottes friedlicher Stimme harmoniert.
Trotz, oder vielleicht gerade wegen, der musikalischen und stimmlichen Mannigfaltigkeit des Albums bilden die Songs eine ansprechende Einheit. Musikalisch charakteristisch für Delain sind markante Keyboards, bombastische Chöre und Tempiwechsel, gepaart mit schweren Gitarren, ultra-tighten Drums und großartigen Melodien. „I love beautiful, melancholic and powerful, even euphoric, music. But most important for me is the vibe of a song," erklärt Martijn.
Im Juli 2005 unterschrieben Delain bereits einen Vertrag bei Roadrunner Records und kurz darauf startete die Produktion des Albums in Deutschland, Finnland, Schweden und den Niederlanden mit Oliver Phillips und Martijn selbst an den Reglern, während Stefan Helleblad (Opeth, Rammstein und Dark Funeral) das finale Mixing vornahm.
Lucidity wurde bereits im September 2006 in Benelux veröffentlicht und stieg in die niederländischen Album Top 100 auf Platz 43 ein, was außergewöhnlich für einen Metal-Act ist. Zusätzlich hagelte es großartige Reviews. Zur ersten Single „Frozen" drehte die Band ein wunderschönes Video in Deutschland. Dieses Lied vereinigt alle Bestandteile, die Delain ausmachen: einen eingängigen Refrain, schwere Riffs, ein Gitarrensolo und einen Chor, kombiniert mit heiteren und melodischen Breaks.
Mittlerweile hat sich das Projekt Delain zu einer soliden Band entwickelt. Bei den kommenden Live-Shows werden die Gründer Martijn und Charlotte auf der Bühne von Ronald Landa (Gitarren, Grunts/Vocals), Ray van Lente (Gitarren), Rob van der Loo (Bass) and Sander Zoer (Drums) unterstützt. Es ist auch geplant, das zweite Studioalbum mit diesem Line-Up zu komponieren und aufzunehmen. Martijn: „We'll continue to work with guest musicians, though, because it's refreshing to work with new people."
2007 verspricht ein hektisches und aufregendes Jahr für Delain zu werden: Im Frühjahr wird Lucidity in Deutschland und Frankreich veröffentlicht. Die Band wird eine ausgedehnte Clubtour spielen und in Deutschland auch einige Gigs im Vorprogramm von Within Temptation absolvieren; zusätzlich haben einige große Festivals Interesse an Delain gezeigt. Der Band wurde unlängst der Essent Award verliehen, ein großer Musikpreis in den Niederlanden, der ihnen viel öffentliche und finanzielle Zuwendung einbrachte. „Winning this award is not only a great compliment, it is a form of recognition and a major encouragement for us," sagt Martijn. "It's so cool to put this on our resume only six weeks after the album was released."
DER POPOLSKI SHOW
Die unglaubliche Geschichte
der Familie Popolski
Eine der unglaublichsten Geschichten in der Welt der Popmusik gelangt an das Licht der Öffentlichkeit: So gut wie alle Top-Hits der letzten Jahrzehnte sind geklaut! Die eigentlichen Urheber der Songs sind die Mitglieder einer völlig unbekannten, verarmten Musikerfamilie aus Polen: Der Familie Popolski!
Unglückliche Umstände und ein gewissenloser Manager haben es bis heute verhindert, dass diese genialen Künstler in den Genuss des ihnen zustehenden Ruhmes gekommen sind. Doch damit ist jetzt Schluss. Die Familie nimmt ihr Schicksal selbst in die Hand und geht in die Öffentlichkeit. Unterstützt werden Sie dabei von Achim Hagemann, dem langjährigen musikalischen Begleiter von Hape Kerkeling („Hurz“).
Im Rahmen einer Live-Tour präsentieren die Gebrüder Popolski ihre Meisterwerke so wie sie ursprünglich gedacht waren.
Lieder wie „We will rock you“ oder „Born to be alive“, die man in- und auswendig zu kennen glaubte, offenbaren eine gänzlich unbekannte, oft völlig überraschende Seite, wenn sie zum ersten Mal in ihrer Ursprungsversion erklingen und ihre Entstehungsgeschichte deutlich wird.
Opa Popolski und die Erfindung der Pop-Musik
Nachdem der Kirchenkantor Pjotrek Popolski vor 100 Jahren beim Pfarrfest in Pyskowice 22 Gläser Wodka auf das Wohl der Jungfrau Maria getrunken hatte, setzte er sich auf sein Fahrrad und radelte durch den strömenden Regen singend zurück in seine Heimatstadt Zabrze.
Gut gelaunt ersann er eine kleine Melodie, die später als der Gassenhauer „ Ei dobrze, dobrze dralla“ zu lokaler Berühmtheit gelangen sollte. Die vier Akkorde dieser genialen Komposition wurden später von erstaunten Fachleuten in 90% aller internationalen Tophits wiedererkannt. Das Lied gilt heute in Polen nicht nur als der erste Popsong der Musikgeschichte, sondern auch als Beginn der unglaublichen Geschichte der Familie Popolski.
Nicht nur Opa Popolski, der polnische Pionier der Popmusik, sondern auch die folgenden Generationen der Familie erwiesen sich als geniale Schöpfer zeitloser Musikklassiker. Das gilt besonders für die Enkel Pawel, Mirek, Janusz und Danusz, die schon im zarten Alter von drei Jahren ihre erste Band gründeten. Leider führte das pausenlose Musizieren zu ernsten Konflikten mit der Nachbarschaft und schließlich zur Verbannung aus der Plattenbausiedlung in einen heruntergekommenen Schuppen am Rande der Stadt.
Hier probten die Brüder, und komponierten in jeder freien Minute, soweit die vielen, notwendigen Nebenjobs wie, Wagenschieber beim örtlichen Lebensmittelmarkt Aldizki oder Flaschenspüler bei der lokalen Schwarzbrennerei, noch Raum ließen. In dieser Zeit schufen die Popolskis unzählige Meisterwerke. Darunter „From Zabrze with love“, einen patriotischen Grand-Prix-Beitrag für ihre Heimatstadt Zabrze, oder „Cherry, Cherry Lady“, eine liebevolle Hommage an die schöne Kirschenverkäuferin in ihrer Heimatstadt.
Eines Tages hörte der windige Gebrauchtwagenhändler Olek Priszewinski, der gerade einen liegengebliebenen alten „Polski-Fiat“ abschleppte, zufällig einige Melodien, die aus dem Schuppen nach draußen klangen. Obwohl musikalisch völlig ungebildet, erkannte er sofort das Potential der Band und beschloss die Gunst der Stunde zu nutzen.
Bei Wodka und Gurken versprach er den Popolskis eine goldene Zukunft im Westen und bot sich an die richtigen Kontakte zu knüpfen. Er überredete die gutgläubigen Brüder, ihm die Rechte an ihren Werken zu übertragen, ließ ihnen den alten Polski-Fiat als Anzahlung zurück und verschwand mit zwei Koffern und sämtlichen Aufnahmen der Band auf Nimmerwiedersehen.
Seit jener Zeit stürmen die Werke der Popolskis alle Hitparaden dieser Welt, ohne dass die eigentlichen Schöpfer auch nur einen Cent an Tantiemen zu sehen bekommen. Doch damit nicht genug. Viel schwerer noch wiegt die Tatsache, dass sie tatenlos mit ansehen müssen, wie ihre filigranen Meisterwerke nach Strich und Faden verhunzt werden.
Doch nun ist es endlich so weit!
Die Popolski-Brüder haben sich nach langen, brotlosen Jahren als Straßenmusiker entschlossen, der Welt ihre Songs so zu präsentieren, wie sie ursprünglich gedacht waren. In einer mitreißenden Bühnenshow mit vielen Gästen, Dias und Filmeinspielungen erzählen sie ihre unglaubliche Geschichte.
Die Band:
Pavel Popolski: Drums
Mirek Popolski: Gitarre
Janusz Popolski: Bass
Danusz Popolski: Gesang, Piano, Keyboards, Trompete, Akkordeon, Melodika, Blockflöte, Mundharmonika, Kazoo, etc.
Andrzej Popolski („Der schone Andrzej”): Gesang
Isidor „Isi“ Popolski: Gesang
Tomek Popolski („Der Tiger von Zabrze“): Gesang
Dorota Popolski („Die rote Dorota”): Gesang
Weitere Gäste:
Der Zlotty Singers (die erste Girlgroup der Welt)
Der Dobrze Horns (die trinkfreudigste Bläsergruppe der Welt,
mit Henjek und Stenjek, den eineiigen Zwillingen)
Die Feuerwehrkapelle von Pyskowice
DIE RESONANZ
Melodische Rockmusik
Seit Juni 2005 verbinden die Jungs verschiedene musikalische Einflüsse mit alternativen Rock zu einer explosiven und melodischen Mischung, die man live nicht verpassen sollte!
Besondere Gig-Erfahrungen konnte „Die Resonanz“ schon unter anderem bei „Top of the Pops“ (RTL) und Open Airs bzw. Support-Slots für Größen wie „Silbermond“, „Sunrise Avenue“, „Revolverheld“, „Madsen“ oder „Rapsoul“ sammeln.
Ende 2005 gewann „Die Resonanz“ auch den Rockbuster, den größten Rheinland-Pfälzischen Newcomer Contest, auf den eine Tour sowie eine CD Produktion folgt.
Produziert wurde die darauf folgende EP von Chris Wolff (4Lyn, Sub7even, Rage) und Tom Olbrich sowie Clemens Matznick (Guano Apes, Donots, Revolverheld, u.v.m.).
Derzeit arbeiten die Resos mit dem Berliner Producer-Team VALICON an ihrem Debüt-Album.
Noch ein paar Hardfacts:
- Beim Radiosender „DasDing“ liefen sie hoch und runter und belegten mit ihrem Song „Zeitgefühl“, Platz 4 der „DasDing“ Charts.
- „Die Resonanz“ hatte in ihrer kurzen Bandlaufbahn schon mehrere Fernsehauftritte u.a. bei Giga.TV(NBC) oder DasDing TV (SWR).
- Beim „Siemens Innovation Rocks!“ Contest schafften sie es aus über 600 Bewerbungen, aus ganz Europa, unter die 20 besten Bands.
- 2006 nimmt die Resonanz an Coaching Programmen der „Popakademie Mannheim“ teil.
FILTER
“Can’t we learn from history … Why’s it such a mystery?”
“Soldiers of Misfortune”
Richard Patrick has had enough.
The mastermind behind Filter’s fourth album, Anthems for the Damned, its first in five years since The Amalgamut, is what Patrick calls his “howl in the night,” a harsh indictment of civilization that doesn’t exclude himself from its vision of a world falling apart.
Featuring such collaborators as guitarist/songwriter John 5 (Marilyn Manson, Rob Zombie), guitarist Wes Borland (Limp Bizkit) and drummer Josh Freese (A Perfect Circle, Nine Inch Nails, Guns N’ Roses, the Vandals), Anthems for the Damned was produced by Pulse Recording’s Josh Abraham (Slayer, 30 Seconds to Mars, Velvet Revolver, Staind, Courtney Love).
The album traces Patrick’s own anger and shame with the state of things, from the intense alternative industrial blast of “The Take,” “What’s Next” and “Hatred is Contagious,” through the stunned acceptance and ironic sarcasm of the first single, “Soldiers of Misfortune,” the ultimate resignation of “Kill the Day” and “Lie After Lie” to the tentative hope expressed by “Only You” and the ambient soundscape of the closing “Can Stop This.”
“It’s about the embarrassment of being a human in the face of the awesome power of nature,” he explains. “To see what we’re doing to the planet and each other. I’m ashamed about the shape of the world we’re leaving to our children. And I’m not excusing myself either. I’m just asking, ‘Why can’t we get it right?’”
Patrick calls the soaring anthem “Soldiers of Misfortune,” with its U2/Bowie flavor and stacked backdrop of buzzing electric guitars, a “sardonic anti-war/pro-troops song.” The first-person narrative was inspired by a letter from a Filter fan who had enlisted in the Army reserves to get his college tuition paid; in his final year of college, he was shipped off to Iraq where he died from a rocket attack and small arms fire after just a few days of duty. And while the story might be downbeat, the music is as accessible as such Patrick radio hits as “Hey Man, Nice Shot” (from its1995 debut Short Bus) or the Top 15 pop smash, “Take a Picture” (from 1999’s Title of Record).
“I set out to capture the senselessness of his situation,” says Patrick. “The bleakness of the lyrics plays off against the optimism of the chord progression.”
That combination of classic-rock melodies and industrial heavy metal has been part of Patrick’s music from the very start, when the Ohio native first shared his musical theories with one-time Nine Inch Nails bandmate Trent Reznor.
“In Dreams,” featuring Wes Borland on guitar, plainly states, “The American dream is an illusion and we must wake up,” while “Cold (Anthems for the Damned)” is a song about “running away from the world to either kill yourself or to realize the only place for you is in the arms of society,” he says, explaining how his experiences as a recovering alcoholic helped him come to terms with that contradiction. “It’s like what they call the ‘white room,’ where you must face yourself… There is nobody or nothing else to deal with.”
Beginning with strummed acoustic guitars, “Only You,” which Patrick says is rooted in Brian Eno’s theory of the “happy accident,” contemplates how mankind has the potential to simply be erased by our own hand.
The decision to revive the Filter brand after five years came after Patrick’s experience as singer/lyricist with the supergroup Army of Anyone -- with Stone Temple Pilots’ Dean and Robert DeLeo and David Lee Roth drummer Ray Luzier -- releasing a self-titled album on The Firm Music label last year. A single from the album, “Goodbye,” went to Top 3 on the Active Rock charts.
“I’ve always loved collaborating with other people, but the stuff I do on my own is the most fulfilling,” he says. “It was an amazing experience to be in a group with such talents as Robert Dean and Ray, but I felt I had some unfinished business with Filter. And I think they understood that. Filter will always be my legacy.”
Since deciding to part ways with Nine Inch Nails to record Filter’s multi-platinum debut, Short Bus, for Reprise Records, Patrick has seen his own career take off. That first album produced the Top 10 alternative mainstay, “Hey Man, Nice Shot,” as well as such standards as “Dose,” “Stuck in Here” and “Under.”
Title of Record followed in 1999, featuring “Take a Picture,” which was a Filter crossover pop hit, landing at #12 on the Billboard Hot 100. The album’s “Welcome to the Fold” and “Cancer” garnered a strong amount of Active and Alternative rock airplay as well.
At this time, Patrick began writing for films, with his songs appearing on soundtracks like The Crow, Spawn, The X-Files, The Cable Guy, The Girl Next Door and Little Nicky.
The Amalgamut, his final album for Warner Bros., was released in 2002, featuring the single, “Where Do We Go From Here.” Another song on the album, “The Only Way is the Wrong Way,” served as the music for a national Hummer 2 automobile TV campaign.
With Anthems for the Damned, Patrick returns to his indie roots, a move that has creatively revitalized him.
“I’d rather not subject myself to the insanity of the major label system at this point in time,” he says.
Anthems for the Damned is his cry in the wilderness, a protest against the status quo, a litany of society’s ills and, hopefully, a first step on the road to recovery.
“I worked really hard on this album,” he says. “If it’s the last record I ever do, I wanted to make it as big a musical statement as I can. It comes from the only place good music can come from, an honest heart. That’s what really matters. We, as human beings, are the only ones lucky enough to grasp just how vast and remarkable our universe really is, and at the same time, understand our own vulnerability. So, why are we so reckless?”
“Am I always angry? No. Am I always full of hope? No. But even if my lyrics are dark as shit, there’s always something uplifting about the music. I try to rise above my issues.”
GRAND AVENUE
Grand Avenue haben einen Namen gewählt, der für ihren Sound wahrlich angemessen scheint. Die dänische Band fährt auf ihrem nunmehr dritten Album richtig schwere Geschütze auf und verschafft sich von der ersten bis zur letzten Minute ihres vor Euphorie strotzenden Werks so viel Raum, als wäre das Quartett für all die Megahallen und Multifunktionsarenen, Waldbühnen und Wiesenfestivals dieser Welt geradezu prädestiniert. „The Outside" ist ganz großes Kino für den melodieverliebten Alternative-Fan. Breitwandgitarren? Klar doch. Prunk und Pathos? In gut ausgewogenen und delikaten Portionen. Mächtig prächtige Melodien? Definitiv en masse. Große Gesten und grandioser Gesang? Keine Frage. Leadsänger und Frontmann Rasmus Walter Hansen hat nicht nur die Looks, der Beau mit den buschigen Brauen hat auch das ausgesprochene Talent, mit seiner mächtigen Stimme aus jedem Lamento ein glücksverheißendes Versprechen zu machen. Dabei geben ihm Gitarrist Niels-Kristian Bærentzen, Bassist Marc Stebbing und Drummer Hjalte Thygesen mit einem wahren Bollwerk gleißend schöner Sounds die denkbar beste Rückendeckung. Grand Avenue sind bestens gewappnet, die große weite Welt im Sturm zu nehmen. „The Outside" ist denn auch ihr erstes Album, das international veröffentlicht wird.
Die Geschichte von Grand Avenue, die heute in Kopenhagen beheimatet sind (nur Rasmus Walter Hansen stammt ursprünglich aus Arhus, Dänemarks zweitgrößter Stadt), beginnt in gewisser Weise in London. Zehn Jahre ist es schon her, dass sich die vier Musiker an der London School of Music anfreundeten. Doch nur Rasmus Walter Hansen blieb länger als ein Jahr. Ihn hielt es vier Jahre in der britischen Metropole, wo er sich in diversen Bands als Gitarrist versuchte und den Spirit dieses kosmopolitischen Schmelztiegels genoss. 2001 nahm er schließlich wieder Kontakt zu seinen alten Freunden in Kopenhagen auf und Grand Avenue wurde ins Leben gerufen. Auch wenn sie anfangs noch nicht so großspurig klangen wie heute, stießen bereits frühe Demo-Aufnahmen auf äußerst positive Resonanz im dänischen Radio und setzten so Plattenfirmen unter Zugzwang. EMI roch am schnellsten Lunte und sicherte sich die Rechte an diesem Musterbeispiel einer Band mit dem Prädikat Danish Dynamite. Sowohl ihr Debütalbum „Grand Avenue" (2003) als auch das Folgewerk „She" (2005) punkteten bei dänischen Rockfans ungemein und wurden mit zwei Nominierungen bei den Danish Music Awards honoriert. Aber Grand Avenue, ambitioniert bis in die letzte Pore, wollten und wollen natürlich mehr.
Mit eiserner Disziplin, einem exzellenten Produzenten und vor allem mit einem klangästhetisch um jede Menge Druck und Dynamik verstärkten Sound machte man sich an die Studioaufnahmen in Kopenhagen und London. Für den irischen Toningenieur Richard Rainey, der für seine Arbeit an „All That You Can't Leave Behind" von U2 schon einen Grammy gewonnen hat, war es eine der ersten Regieaufgaben als federführender Produzent. Und die musikalischen Vorlieben von Grand Avenue dürften Richard Rainey durchaus geholfen haben, mit der Band ein Werk zu kreieren, das ohne Fehl und Tadel ist und mit jedem Song die internationalen Ambitionen der Band unterstreicht. Während ihre Sympathie für U2 so einhellig wie unüberhörbar ist, sind aber auch offensichtlich all jene Bands der güldenen Ära der Achtziger, die mit charismatischen und feist produzierten Songs ganze Stadien füllten, nicht spurlos an den vier Dänen vorbeigegangen, etwa Echo & The Bunnymen, Simple Minds, The Cult und New Order. Dass all jene Bands über eine Lichtgestalt als Frontmann verfügten, spielt dem auf „The Outside" grandios auftrumpfenden Rasmus Walter Hansen perfekt ins Blatt.
„The Outside" ist fürwahr eine einzige Demonstration an Selbstbewusstsein, Stärke und Souveränität. Ein wuchtiges Album, dessen gefühlsbeseelte Songs sich allesamt so eindringlich ins Gemüt fräsen, dass es schwer fällt, einzelne Filetstücke hervorzuheben. Richtig klasse sind sie alle, ganz gleich, ob der stürmisch mitreißende Opener „Give Myself Away", die das wilde Leben feiernde Euphoriedusche „London" oder „You Please Me", der erste Song, den Grand Avenue für ihr neues Opus vollendeten und der für „The Outside" zum Maß aller Dinge wurde. Mitten ins Herz treffen dürfte auch „Bullet", ein Juwel von einem perfekten Song, dessen dramaturgische Seelenverwandtschaft zu Kate Bushs „Running Up That Hill" den Glanz und den Glamour, den Grand Avenue verbreiten, nur noch verstärkt. Wie ausgewogen gut und überzeugend die vier Dänen schon auf ihren ersten beiden Alben agierten, kann man auf der hiesigen Ausgabe des neuen Albums nachhören: Neben den elf Songs von „The Outside" bietet die Edition unter dem Titel „The Inside" vier exzellente Songs aus den ersten beiden Alben, darunter den epischen Titelsong ihres zweiten Albums „She" und die berührende Akustikballade „This Is Not The End" aus dem Debütalbum „Grand Avenue". Auffallend ist die spielerische Finesse und das dramaturgische Geschick, mit der Grand Avenue von Beginn an aufwarteten.
Dabei macht vor allem Rasmus Walter Hansen mit seiner aufwühlenden Stimme, der den allesamt hoch emotionalen Songs stets den entscheidenden Kick verleiht, eine glänzende Figur. Der geborene Frontmann sorgte auch durch seine Liaison mit Top-Model Helena Christensen vor einigen Jahren in seiner Heimat für Schlagzeilen, zumal Christensen damals auch als Managerin der jungen Band auftrat und für zusätzliches Aufsehen sorgte. Ein gewisses Maß an Grandezza ist Grand Avenue also schon sehr früh zu Eigen gewesen. Kein Wunder, dass Rasmus Walter Hansen beim weiblichen Publikum damals wie heute ganz hoch im Kurs steht. Und dass Grand Avenue jüngst in Kopenhagen für George Michael aufspielten, ist ein weiteres Indiz, dass ihnen auf dem Weg zu internationalem Ruhm der wohlverdiente Rote Teppich nur allzu gerne ausgerollt wird.
Juli 2007
GRAND MAGUS
Drawing hefty influence from the hand-on-heart grandeur of the NWOBHM and the inspirational mythology of their forbears, Grand Magus are steeped in pre-Christian tales of triumph, vengeance, betrayal, romance and death.
The mandolin-led opening of ‘Like The Oar Strikes The Water’ does little to prepare the listener for the heads down double bass attack, which follows in its wake, heralding the arrival of new drummer Seb to the Grand Magus fold.
The departure of founding drummer Trisse has done little to slow the power trio’s primordial thunder with Seb’s furious tattoo setting a pace previously unseen in Grand Magus. Building their characteristic-rolling stomp into an all-out battle charge, this takes their epic sound to new levels of unshakeable might.
The pace continues to gather for the soaring epic Viking march of ‘Fear Is The Key’ before the atmospheric bass solo ‘Hövding’ brings us back down to earth for the triumphant title track ‘Iron Will’; a paean to the power of the mind and a refusal to conform.
Through the straight-up heavy metal of ‘Silver Into Steel’, ‘The Shadow Knows’ and ‘Beyond Good And Evil’, the crushing doom of ‘Self Deceiver’ and the bombastic, nine-minute epic outro of ‘I Am The North’, bandleader JB has infused each second of sound with his unmistakable sense of purpose, unrelenting riff and his bittersweet, soul-wrenching howl. Shored up by the powerful four-string rhythm section and backing vocals of mainstay Fox, this anthem cements Grand Magus as a product of that dark, fertile place where doom, rock and heavy metal meet to become something pure.
A nine-song essay in timeless, masculine majesty ‘Iron Will’ is the sound of a plastic sword being snapped, an idiot being kicked in the face and the rich heritage of true steel reclaimed.
H-BLOCKX
The Blockx Are Back!!!
Zehn Jahre ist es her, da veröffentlichten die Münsteraner unterstützt von George Glueck & seinem Team ihr erstes Album Time To Move. Das Debüt verkaufte sich weltweit über 750.000 mal, die Singles, u.a. Risin' High, Move und Little Girl, werden zu Dauerbrennern in den Clubs.
Zehn Jahre, vier erfolgreiche Alben und unzählige Konzerte später veröffentlicht die Band nun ihr fünftes Studio-Album, wieder mit George Glueck & seinem Team - der Kreis schließt sich!
Am 24. Mai erscheint die erste Single-Auskoppelung Leave Me Alone!, ein fulminanter Vorgeschmack auf das am 7. Juni folgende Album No Excuses. Der Song entsteht nach einer intensiven Partytour, Nachts im Hotelzimmer, als Henning und sein Kumpel Jan sich den Frust über diverse Leute von der Seele spielen. Das Klopfen & Hämmern der anderen Hotelgäste wird ignoriert - um 4.00 Uhr morgens ist die Idee zu Leave Me Alone! getaped. Das Problem - am nächsten Tag war alles vergessen!
Erst vier Monate später wird der Song zufällig auf einem Diktiergerät wieder entdeckt und sofort fertig gestellt, der Auftakt zum neuen Album ist geschaffen!
Die Band hat sich verändert. Musikalisch. Inhaltlich. Optisch. Und obwohl sich Henning Wehland (Gesang), Tim Humpe (Gitarre), Steffen Wilmking (Drums) und Fabio Trentini (Bass) erst im vergangenen Jahr entschlossen, gemeinsam als H-Blockx erneut anzugreifen, spürt die Band, dass sie angekommen sind und die ideale Besetzung gefunden ist. Dave Gappa komplettiert die Truppe als Ehrenmitglied und wird auch bei der diesjährigen Festivaltour mit dabei sein.
JEFF CASCARO
Doch der Reihe nach: Jeff Cascaro begann seine Karriere bereits mit 18 Jahren als Gewinner von „Jugend jazzt“. Erfahrungen sammelte er unter anderem als Backgroundsänger und Gastmusiker mit der NDR Bigband, der Rias Big Band, mit Ute Lemper, den Fantastischen Vier, Sasha, Joe Semple von den Crusaders, Götz Alsmann, Klaus Doldinger’s Passport, den Guano Apes oder Paul Kuhn – um nur eine Auswahl zu nennen. Stehen sie doch für das genreübergreifende Musik-Verständnis des Mannes aus dem Ruhrpott, der so unüberhörbar das Herz auf dem rechten Soul-Fleck hat. Seit 2000 ist der vielseitige Praktiker noch dazu Professor für Jazz-Gesang an der Hochschule für Musik „Franz Liszt“ in Weimar. Sein CD-Debüt unter eigenem Namen bereitete Jeff Cascaro sorgfältig vor – und zeigte schließlich, was es heißt, die Soul Of A Singer zu haben.
Von der Seele eines Sängers erzählt auch Mother and Brother. Von seiner Liebe zur Musik, zum Leben überhaupt (‚Ella’ oder ‚I Feel Fine’) berichten Cascaros Songs, öffnen ganze Kapitel über seinen bisherigen Lebensweg, sein Lieben und Leiden (‚When She Sings To Me’ oder ‚The Sun Is Shining For Our Love’) oder fordern unaufdringlich zum Tanzen auf (‚Love Is In The Air’). Cascaro folgt dabei den Traditionen des klassischen Soul-Sängers, wie schon Stevie Wonder, Bill Withers oder Wilson Pickett vor ihm. Doch auch Traditionen müssen immer neu interpretiert werden, wie Cascaro weiß: „Ich habe natürlich irgendwie einen roten Faden, aber Du wirst bei keinem der Stücke eine zweite Strophe finden, die sich so wie die erste anhört. Es gibt immer etwas andere Töne, eine andere Melodieführung.“
Jeff Cascaro singt seine Songs nicht nur selbst, er schreibt und komponiert diese auch, was bereits seinen Erstling Soul of a Singer die Authentizität gab, die sich auf dem zweiten Album nun fortsetzt. Dass er selbst hinter den Reglern das Material arrangierte und auch ein wunderbar warmes Flügelhorn-Solo beisteuerte, ist nicht nur eine persönliche Zugabe, sondern das Fundament.
Bei Mother and Brother wurde Jeff wieder von seinen langjährigen Weggefährten Christian von Kaphengst unterstützt, der nicht nur als Produzent, sondern zugleich als Co-Autor und kreativer Mentor an seiner Seite aktiv war – wobei Cascaro selbst die eigentliche kreative Pferdestärke hinter dem erdigen, warmen Sound seines neuen Albums ist: „Du hast natürlich schon eine Idee davon, was Du machst“ versichert Jeff „Ich möchte es aber immer so halten, dass man auch spontan sein kann. Sonst entsteht schnell so ein Einheitsbrei, wie er häufig zu hören ist.“
Und so gleichen die 11 Songs eher einer Sommerfest-Gesellschaft unter freiem Himmel, treffen Soul, aber eben auch Pop, Jazz und Blues ganz selbstverständlich zusammen – zu einem Rendesvouz mit Cascaros so unwiderstehlich angerauter Stimme, die Mother and Brother ohne wenn und aber zu einem der großen musikalischen Highlights des laufenden Jahres macht.
Wie gute Freunde mischen sich auf Mother and Brother auch einige Coverversionen unter die Familie. Da ist John Paul Youngs unwiderstehlicher Disco-Klassiker ‚Love Is In The Air’, aber auch ‚Help The Poor’, B.B. Kings dringlicher Blues. Einen eigenen Zugang zu dem Genesis-Klassiker ‚Follow You, Follow Me’ zu finden, war eine große Herausforderung für Jeff Cascaro. Das Leben stellt uns Aufgaben, um an ihnen unsere Stärke zu zeigen. Jeff gelang eine Kerzenlicht-Ballade, in deren Hintergrund man geradezu den Kamin knistern hört: „Ich mochte das Stück zuerst nicht so sehr, es war schwierig, das in einen anderen Kontext zu bringen. Aber es wurde eines meiner Lieblingsstücke des Albums, weil es wirklich wahnsinnig gut geworden ist.“
Eine Einschätzung, die ohne Übertreibung auch für das gesamte Album gilt. Mehr noch: eigentlich ist Mother and Brother ein abendfüllender Film, der Jeff Cascaros Leben in der Vielfalt seiner Perspektiven zeigt und das Miteinander von Soul, Jazz und Pop in ein – in Deutschland bisher ungeahntes – Licht setzt. Mit seinen langsamen Slow Jams, den angenehm verzwickten, spielfreudigen Midtempos und schließlich hinreißend tanzbarem Material wird Mother and Brother besonders diejenigen in seinen Bann ziehen, die Musik sowieso als grenzenlose Sprache der Welt verstehen. Like Mother and Brother.
Wer könnte bessere Worte für diese Verbindung aus stimmlicher Melancholie, luftigen Pop-Nummern, warmherzigen Soul-Hymnen, sensiblen Jazz-Tunes und feurigen Discohymnen finden als Jeff Cascaro selbst, dieser unaufgeregte Soul-Star: „Ich will einfach ein normaler Typ sein, der seinen Soul macht!“
© Michael Ahrens (www.soultrainonline.de)
L'AME IMMORTELLE
Mit dem letzten Album, dem von John Rivers und Rhys Fulber (Paradise Lost, Delerium, Front Line Assembly) produzierten und im Herbst 2004 veröffentlichten „Gezeiten" (mit den Hit-Singles „5 Jahre", „Stumme Schreie" und „Fallen Angel"), schienen L'ÂME IMMORTELLE bereits die rockige Attitüde für sich als adäquates Ausdrucksmittel für die höchst expressiven Gefühlsausbrüche entdeckt zu haben, von denen die zutiefst emotional berührende Musik von L'ÂME IMMORTELLE immer gelebt hat. Das wurde noch leicht kokettierend bereits bei „Brennende Liebe" deutlich, der OOMPH!-Single, zu der Sonja den Gastgesang beisteuerte, aber auch erst kürzlich bei „Dein Herz", dem vor wenigen Wochen veröffentlichten Titelsong zum ambitionierten Edgar-Allan-Poe-Hörbuch-Projekt „Visionen".
Mit „Auf Deinen Schwingen" gehen Thomas und Sonja dennoch einen Schritt weiter.
Zwar rankt sich thematisch wieder alles um die Liebe, doch wird sie diesmal noch facettenreicher abgedeckt, flüstert Sehnsucht, seufzt Verlangen, wird zum Ventil für Enttäuschung, Verzweiflung und Wut (wunderbar bei „Du siehst mich nicht" auf den Punkt gebracht). Letztlich stoßen bei „Auf Deinen Schwingen" die emotionalen Gegensätze so stark aufeinander wie nie zuvor. Das ist vor allem dem ungemein komplexen Konzept zu verdanken, das sich während der Songwriting-Phase aus den gewohnt stark autobiographisch geprägten Texten von Thomas Rainer als eigenständige Geschichte entwickelte, die im weiteren Verlauf fast Romanform angenommen hat. Natürlich geht es wieder um einen Mann (dargestellt/gesungen von Thomas) und eine Frau (Sonjas Rolle). Um sich der schönen, aber verletzlichen Frau zu nähern, verfolgt der Mann das Objekt seiner Begierde, bis sie sich zunehmend bedrängt fühlt und sich die Situation immer mehr zuspitzt, je intensiver der Mann ihr nachstellt und an einer mathematischen Formel für ihr gemeinsames Glück bastelt. Wie das Drama in dem Stück „Der letzte Akt" endet, soll hier jedoch noch nicht verraten werden ...Für die optische Umsetzung der Geschichte von „Auf deinen Schwingen" zeigt sich einmal mehr Ingo Römling verantwortlich, der schon die Welten von „Gezeiten" auf eindrucksvolle Art und Weise zum Leben erweckte.
Um das breiter gefächerte Gefühlsspektrum entsprechend abwechslungsreich musikalisch umzusetzen, haben sich L'ÂME IMMORTELLE diesmal Hilfe von Johnny Lee Michaels (The 69 Eyes) geholt, der sich vorwiegend um die rockigen Elemente (Gitarren, Bass, Drums) gekümmert hat, während Thomas den elektronischen Part in Eigenregie realisierte, wie überhaupt die Band diesmal ungemein viel selbst in die Hand genommen hat und etliche Freunde ins eigene Studio in Wien einlud. Darüber hinaus sind die feinen wie aufwändigen Orchestrierungen in den Songs „Auf Deinen Schwingen", „Der Letzte Akt", „Sometimes Love Is Not Enough", „Last Will" und „Destiny" gemeinsam mit Paul Steinbauer, einem Wiener Komponisten und Arrangeur, entstanden. Produziert wurde „Auf Deinen Schwingen" in England und Finnland, größtenteils aber in Wien, wo es vom langjährigen Wegbegleiter und Live-Tontechniker der Band, Bernd Mazagg, auch gemischt wurde.
Der einfühlsame Titeltrack verführt mit schweren Streichern und Sonjas verzaubernder Stimme, bevor der Refrain im kraftvollen Duett mit Thomas und wuchtigen Rock-Gitarren gipfelt, während im Mittelteil sogar Platz für eine kleine Industrial-Kakophonie bleibt. Auch „Herzschlag" wird von Sonjas verträumten Vocals geprägt und kann sich souverän gegen die bald einsetzenden Gitarren-Riffs und akzentuiert krachenden Drums behaupten. Pochend elektronisch kommt schließlich „Du siehst mich nicht" daher, einer zwingenden Club-Nummer, bei der Thomas seinen Frust gegen mächtige Beats und satte E-Gitarren herausschreit. „Phönix" schließlich vereint einmal mehr die gesanglichen Gegensätze innerhalb des Duos ebenso wie die musikalischen Einflüsse aus Rock, Pop und Klassik zu einem extrem melodiösen Ohrwurm und dokumentiert dabei eindrucksvoll, dass Singles auch jenseits dieser Formatkonventionen ihre Berechtigung haben. Da Sonja und Thomas seit jeher aber zweisprachig gearbeitet haben, dürfen auf „Auf Deinen Schwingen" natürlich auch nicht ein paar englische Texte fehlen. Besonders eindrucksvoll ist dabei der mal von voluminösen, mal einsam zweifelnden Streichern getragene, etwas ruhigere Song „Sometimes Love Is Not Enough" gelungen, aber auch die eindringliche Rock-Nummer „Run Away", das sehr experimentell ausgefallene „Destiny" und vor allem die behutsam inszenierte, von Sonjas fast schon verzweifelt-verträumter Stimme getragene Ballade „Last Will" fügen sich wunderbar in das herrlich bunte Klangbild von „Auf Deinen Schwingen" ein, das tanzbare und stimmungsvolle Elektronik, organisch-warme Orchesterklänge und dynamisch-treibende Rock-Elemente gleichberechtigt nebeneinander stellt und die Songs auch abseits des detaillierten Konzepts für sich stehen lassen kann. „Wo komme ich her, wo gehe ich hin", fragen L'ÂME IMMORTELLE in dem elektronischen, fast balladesken Song „Wohin". Die Antwort kann nur lauten: Aus dem dunklen Gothic-Underground in populäre Chart-Regionen!
LARRY CARLTON
Larry Carlton's eigene musikalische Geschichte begann in Südkalifornien. Er holte sich seine erste Gitarre, wenn er nur sechs Jahre alt. Er wurde eingeführt, um Jazz in Junior High School nach Anhörung der Gerald Wilson Big Band Album Moment of Truth, mit Gitarrist Joe Pass. Larry dann interessierte sich Barney Kessel, Wes Montgornery und den legendären Blues-Gitarrist BB King. Saxophonist John Coltrane war auch einen großen Einfluss auf Carlton, beginnend mit Coltrane's 1962 klassische Balladen.
Im Jahre 1968 nahm er seine erste LP, With a Little Help from My Friends (UNI). Die begeisterte Reaktion der Industrie garnered ihm einen Platz unter den Jingle-Sänger Die Going Thing, Aufzeichnung der Kamera und Radio-Werbespots für Ford. Mid-Saison in seinem zweiten Jahr, er segued zu musikalischen Direktor für Frau Alphabet, eine Emmy-Nominierung für Kinder auf dem gleichen Netzwerk. Es war hier, dass Carlton zeigte seine Fähigkeiten handeln, darstellende wie die Show's Co-Star ", Larry Gitarre."
Fordert, begann zu erhöhen deutlich gewonnen Carlton als Auszeichnung für den unverwechselbaren und oft imitierten "süßen" Klang er mit seiner Gibson ES-335. Er brach auch neue Wege mit seiner neuen Marke Volumen Pedal Technik, beredt in seiner Leistung featured in Crusader Einer mit dem legendären Jazz / Rock-Gruppe die Kreuzfahrer im Jahr 1971. Joni Mitchell's Court and Spark Album, die erste Platte machte sie mit einer Rhythmusgruppe, zeigt seine unverwechselbare Technik - ein Stil Mitchell bezeichnet als "Fliegenfischen."
Während seiner Amtszeit mit The Crusaders (über 1976), Carlton, die in ihrer 13 Alben, die häufig einen Beitrag Material. In 1973, Carlton veröffentlicht sein zweites Solo-Projekt, SinginglPlaying, auf Blue Thumb Records treffend betitelt, da er nicht nur Gitarre spielte, sondern auch durch Gesang auf acht Spuren. Carlton's Nachfrage als Session-Player wurde jetzt in seinen Zenit war er ständig featured mit Stars aus allen nur denkbaren Genres, angefangen von Sammy Davis, Jr., und Herb Alpert zu Quincy Jones, Paul Anka, Michael Jackson, John Lennon, Jerry Garcia und Dolly Parton. Zur gleichen Zeit war er noch mehr Leistung als 50 Termine pro Jahr mit The Crusaders.
Bevor er Übergang zu einem vollständig Solo-Karriere, Carlton zu einem der größten Nachfrage-Studio-Musiker der vergangenen drei Jahrzehnte. Carlton's Katalog der Arbeiten umfasst Film-Soundtracks, Fernseh-Themen und die Arbeit auf mehr als 100 Gold-Alben.
Letztlich Carlton Skalierung zurück begann seine Sitzung Arbeit erheblich, während die weitere Durchführung und Aufzeichnung mit der Kreuzfahrer. Er verlagerte sein Gewicht auf die Herausforderungen der Vermittlung und der Erstellung, und baute sein eigenes Studio-Zimmer 335-in seinem Hause. Während dieser Zeit er arrangiert und produziert Projekte für Barbra Streisand, Joan Baez und Larry Gatlin, sowie die Produktion und Co-schriftlich das Thema der Hit Sitcom Who's The Boss und Co-schriftlich (mit Michel Columbier) und Vermittlung der gefeierte Film-Soundtrack für Odds gegen alle.
Als seine Zusammenarbeit mit der Kreuzritter begann zu ziehen, um eine enge, Carlton mit Warner Bros. Records im Jahr 1977. Zwischen'78 und'84, Larry aufgezeichnet sechs Solo-Alben für Warner Bros. Records: Mr. 335: Live In Japan, Freunde; achtmal Up; Sleep Walk; Strikes Twice; Larry Carlton. Letztere Selbst-Titel Album veröffentlicht wurde heiß auf den Fersen seines Debüt-Session mit Rock-Supergruppe Steely Dan. Rolling Stone Magazin Listen Carlton's leckere Aufstieg auf Steely Dan's Kid Charlemagne als einer der drei besten Gitarren-Licks in der Rockmusik.
Mit mehr als 3000 Studio-Sessions unter seiner Band durch den frühen 1980er Jahren, hatte Carlton Aufheben vier Grammy-Nominierungen. Zusätzlich zu gewinnen einen Grammy ( `81) für das Thema zu" Hill Street Blues "(eine Zusammenarbeit mit Mike Post), war er zudem habe NARAS" Most Valuable Player "für drei aufeinander folgende Jahre. NARAS dann ernannte ihn "Player Emeritus" und von ihm im Ruhestand Förderfähigkeit.
Im Jahr 1985 wurde er näherte sich von der neu formierten MCA Master Series zu erwägen ein akustisches Jazz-Album. Sein erstes Release für das neue Label war allein, aber nie allein, einen Konsens Nr. 1 Album auf den Radio & Records und Jazz-Billboard-Charts. Die zwölf Monate des Jahres 1987 brachte einige der größten Highlights in Carlton's Solo-Karriere. Neben der Gewinn des Grammy für "Minute by Minute," Carlton erhielt eine Grammy-Nominierung für "Best Jazz-Performance" für sein Live-Album Last Nite. Coming off der Erfolg von zwei akustischen Alben und ein Live-Album, Carlton war an einem heißen Streifen und in das Studio zu arbeiten in seinem nächsten Projekt, auf festem Boden. Das alles elektrisch Projekt wurde nominiert für einen Grammy in 1989. Die Freigabe auf festem Boden kamen fast ein Jahr nach Carlton war brutal erschossen in zufälliger Akt der Gewalt außerhalb seines Los Angeles-Studio.
Im Jahr 1990 erwarb GRP MCA Records und ihr Jazz-Künstler unter dem Pseudonym GRP. Unmittelbar, GRP ausgestellt Greatest Hits-Paket von Carlton Arbeiten MCA, genannt Collection. In 1991, Carlton eingegeben Studio die Aufzeichnung eines Blues-Album mit John Ferraro, Tastatur Mann Matt Rollings, Bassist Michael Rhodes und Harmonika-Spieler Terry McMillan. Unterbrochen von Etikett und dem Wunsch der Verbraucher nach einer anderen Jazz-Angebot, Carlton vorübergehend ad acta gelegt werden würde, was Renegade und Herren erfasst und freigegeben Samthandschuhen in'92. Ein Pop-orientierten Jazz Sammlung von lilting akustische Balladen und Beißen elektrische Workouts, das Album zum ersten Mal Carlton hatten sowohl akustische und elektrische Titel auf einer einzigen Solo-Projekt.
Zwischen Tourenwagen, Carlton wieder Arbeit auf dem bluesigen Renegade Herren. Angesichts der ursprünglich sechs Gleise auf Nashville (seine erste Mal, um in dieser Stadt), und Fügeverfahren wieder mit Michael Rhodes und Terry McMillan, plus Drummer Chris Layton (von Stevie Vaughan's Band Double Trouble) und Tastatur Assistenten Chuck Leavell, er vier Tracks, plus haben zusätzliche Produktion und das Mischen in der Blues-Rocker in der Zeit für eine Freilassung'93.
Carlton tourten ausgiebig in diesem Jahr und den nächsten mit Jazz superband Stanley Clark und Freunde (Stanley Clark, Larry Carlton, Billy Cobham, Deron Johnson und Najee). Das Quintett freigegeben Stanley Clark and Friends Live A t Die griechische in'94.
Larry & Lee, Carlton's 1995 Zusammenarbeit mit Gitarre große Lee Ritenour, garnered ihm seinen achten Grammy-Nominierung. Dies wurde gefolgt von dem Gift in'96 und Larry Carlton Collection Volume 2 in'97. Im selben Jahr, seine Virtuosität und den Ruf gesichert ihm einen Platz in der crumtopping preisgekrönten Warner Bros. Records' Gruppe Fourplay, als Mitglied Lee Ritenour links an der Spitze sein eigenes Label. Carlton verdoppelt den Spaß, indem Sie sich auf Wamer Jazz als Solo-Künstler in der gleichen Zeit. Seitdem hat er zwei Alben mit Fourplay: 4 in'98 und eine erfrischend andere Weihnachts-Album, Snowbound, im Oktober'99. 1999 brachte auch Larry Carlton seinem sehr eigenen Ort und Stelle in Hollywood's prestigeträchtigen Rockwalk. Am 3. Juni wurde er inducted zusammen mit Joe Satriani, Steve Vai und Jimmie Vaughn.
Das Jahr 2000 beginnt mit Carlton Putting seine hervorragende Fingerabdrücke einzeln in das neue Jahrtausend mit seinen star-studded Solo-Release auf Wamer Bros. Records, Fingerabdrücke. Absolut einzigartig, Larry Carlton hat einen Standard für das Künstlertum überspannt drei Jahrzehnte (und zwei Jahrhunderten) und er ist zweifellos die aus seiner Marke in Jazz, Blues, Pop und Rock für die absehbare Zukunft .....
Dies ist ein großer Bio geschrieben von Richard Skelly, All-Music Guide:
Larry war geboren am 2. März 1948 in Torance / Kalifornien!
Er zog aus LA zu Franklin / Tennessee vor ein paar Jahren und genießt das Leben in die Landschaft.
Wie so viele andere Los Angeles Studio-Musiker, Gitarrist und Komponist Larry Carlton war vor einer Wahl eine Reihe von Jahren zurück: ob zum Solo-und entwickeln Sie einen Namen für sich selbst unter seinem eigenen Namen oder die Fortsetzung der weniger riskant, mehr lukrative Existenz als eine Session-Gitarrist, was gutes Geld und Aufzeichnung mit prominenten Musikern. Zum Glück für die Fans dieser eklektischen Gitarrist, wählte er die ehemaligen und hat unter seinem eigenen Namen für Warner Bros., MCA Records und GRP Records seit 1978.
Carlton's Studio Gutschriften aus den 1970er Jahren und Anfang der 80er Jahre zählen Musiker und Gruppen wie Steely Dan, Joni Mitchell, Michael Jackson, Sammy Davis Jr., Herb Alpert, Quincy Jones, Bobby Bland, Dolly Parton, Linda Ronstadt und buchstäblich Dutzende von anderen. Zu seinen mehr bemerkenswerte Projekte als Session-Gitarrist waren Joni Mitchell's kritisch mit Beifall Court and Spark Album und Donald Fagen Nightfly's Album. Für einen Großteil der 1970er Jahre, Carlton aktiv war als Session-Gitarrist, Aufzeichnung auf bis zu 500 Alben pro Jahr. Obwohl er eine Reihe von LPs unter seinem eigenen Namen so früh wie 1968's mit ein wenig Hilfe von meinen Freunden (Uni), und 1973 ist Singen / Spielen, das er nicht ein großes Land-Label-Vertrag bis 1978, als er mit Warner Bros.
Carlton begann die Gitarre Unterricht, als er sechs war. Seine ersten professionellen Auftritt war an einem Supper Club in 1962. Nach Anhörung Joe Pass auf das Radio war er inspiriert zu spielen Jazz und Blues. Wes Montgomery und Barney Kessel wurden wichtige Einflüsse kurz nach entdeckte er die Jazz-Gitarre Stylings von Pass. BB King und anderen Blues-Gitarristen hatte einen Einfluss auf den Stil Carlton als gut. Er geschliffen seiner Gitarre-Spielen Fertigkeiten in den Clubs und Studios größerer Los Angeles. Er besuchte eine lokale Junior College und Long Beach State College für ein Jahr, bis der Vietnam-Krieg endete. Carlton tourte mit den Fifth Dimension im Jahr 1968 und begann tun Studio-Sessions im Jahr 1970. Seine frühen Arbeiten enthalten Session Studio Termine mit Pop-Musiker wie Vicki Carr, Andy Williams und der Partridge Family. Im Jahre 1971 wurde er gebeten, sich die Kreuzfahrer, kurz nachdem sie beschlossen hatte zu schrumpfen das Wort "Jazz''aus ihrem Namen, und er blieb mit der Gruppe bis 1976. Dazwischen Touren mit den Crusaders, er hat auch Studio-Session Arbeit für hunderte von Aufnahmen in jedem Genre. Aber es war, während er mit den Crusaders, dass er die hoch entwickelte rhythmische, oft bluesigen Stil hat er jetzt. Seine Credits umfassen, das auf mehr als 100 Gold-Alben. Sein Thema Musik Kredite für TV und Filmen zählen Against All Odds, Wer ist der Boss, und das Thema für Hill Street Blues. Letztere gewann einen Grammy Award in 1981 für die Beste Pop Instrumental Performance.
Carlton hat seine eigene, selbst titulierte Debüt für Warner Bros. im Jahre 1978, kurz nachdem er erkannt wurde für seine wegweisenden Gitarrenspiel auf Steely Dan's Royal Scam Album. (Carlton trugen die denkwürdige Gitarrensolo auf "Kid Charlemagne.'') Veröffentlichte er vier weitere Alben für Warner Bros., Streiks Zweimal (1980), Sleepwalk (1981), acht Mal Up (1982), und der Grammy-nominierte Friends ( 1983), bevor er ging von dem Etikett angegeben werden.
Er setzte Studio-Session Arbeit und tourt dazwischen, taucht im Jahr 1986 auf MCA Records mit einem All-Akustik-Album, Discovery, in dem sich ein Instrumental-Remake von Michael McDonald's Hit, "Minute von Minute." Die einzigen gewann einen Grammy Award für Best Pop Instrumental Performance in 1987. Carlton's Live-Album, Last Nite, erschienen im Jahr 1987, bekam er einen Grammy-Nominierung für die beste Jazz Instrumental Performance.
Während der Arbeit an seinem nächsten Album zu MCA, auf festem Boden, Carlton wurde das Opfer von Gewalt zufällige Pistole und wurde erschossen in der Kehle von Gun-Jugendlichen außerhalb ebenso großen Raum 335, seinem privaten Studio in der Nähe von Burbank, Kalifornien, USA. Die Kugel zerschmetterte seinen Gesangs-Kabel und verursacht erhebliche Nerv Trauma, sondern durch intensive Therapie und ein positives Bild des Geistes, Carlton abgeschlossen in Arbeit auf festem Boden im Jahr 1989. Carlton bildeten Innnocent Helping People (HIP), eine Non-Profit-Gruppe zur Hilfe für die Opfer von Gewalt zufällige Pistole.
Carlton's jüngsten Alben sind zwei Versionen im Jahr 1996 für GRP Records-, Schenkungs-und mit ein wenig Hilfe von meinen Freunden. Seine anderen Aufnahmen zählen 1990 die Erhebung, Verarbeitung und 1992 Kid's Handschuhe für das gleiche Label, Playing / Singing (1995, Edsel), Renegade und Gentleman, ein Release für 1993 GRP.
Trotz der Tragödie, wurde foisted auf ihn in den späten 80er Jahren, nachdem er erschossen wurde von Gun-ebenso großen Ungläubigen, ziehen ihn durch einen langen und dunklen Periode der Krankenhausaufenthalt und Rehabilitation, Carlton-Produktion im Laufe der Jahre wurde stetig durch den 1980er und 1990er Jahre. Carlton hat sich seine Tournee Zeitplan ein wenig, aber sicherlich nicht seine Aufnahme Zeitplan. Immer wieder gerne zu einem Treffen mit der Presse, Carlton hat einen süßen, friedlichen Persönlichkeit, und man kann sie hören, in seinem einzigartigen, rhythmische, warme Gitarre Akkorde und Klingeln Gitarre Töne.
- Richard Skelly, All-Music Guide
LIVINGSTON
LIVINGSTON’S STORY is one that begins 10 years ago in Pretoria, South Africa when guitarist Christopher van Niekerk wandered into a student concert in the city. “I saw this long-haired hippy busy playing away and eventually I started talking to him,” says the guitarist. “It turned out to be Beukes. If I’d known then that I would still be playing music with him 10 years later, I probably would have killed myself!” Beukes Willemse, for his part, was always ambitious. Another native South African, it had long been his dream to be involved in music in any way he could. “We saw something similar in each other,” Willemse says of van Niekerk. “There was a bond. We played together for two years in South Africa and I remember saying, ‘If I’d known how hard it was to make it in music, I wouldn’t have started.’ The thing is, here I am, still with Chris, and I still want to do this.” Realising that he needed to leave South Africa in order to fulfil his musical ambitions, he told van Niekerk that he was upping sticks and heading to London – via Australia – to make things happen. “We were driving to Johannesburg one night when he told me,” says van Niekerk. “He said I should come too but I couldn’t. Within days of arriving he was telling me how crazy it was in England and so I broke up with my girlfriend and sold almost everything I had to afford to come over. I sacrificed quite a lot. But as soon as I arrived I knew it was the right decision. Beukes and I started writing new music straight away and then things just started falling into place.” It was a move that started the chain-reaction that brought Livingston together. First they met their original bass player (replaced in 2005 by Norwegian Christoffer Borud) on a bus. “It was the Number 65 – a notorious rock ‘n’ roll route,” laughs Willemse. Through him they met Italian drummer Paolo Serafini and then later new bassist Borud. “This band has come together through a string of coincidences,” says Willemse. “It’s actually a very exciting way of doing things. But when you come to a new country with very big goals and ambitions then that’s the only alternative. You have to go out and expose yourself to whatever forces there are. And, when you bump into those forces, you have to let them take you wherever you’re meant to go. That’s what we did – we met people, we jammed with them and saw where it went. We haven’t looked back since.” Those early jams were promising but, they knew, not the finished article. Though there was plenty of potential in the music they were creating as a four-piece, it was clear something was missing. Which is when Willemse discovered German guitarist Jakob Nebel. “I stumbled back in to the house that Chris and I shared after watching a gig one night,” says Willemse. “I was freaking out, saying I’d seen the most amazing guitarist in the world who we had to get in the band. I was very drunk…” “But I was actually in a band already,” adds Nebel. “How did Beukes get me to leave? Well, he can be very persuasive and he kept giving me compliments. I thought this would be great for my ego if nothing else!”
FROM THAT moment on Livingston worked with fervour. They rehearsed intensively, crafting songs from each jam, forcing themselves to operate as creatively as possible. “I remember the moment it all came together,” says Nebel. “There was one jam – about a year and half after we started playing together – where everything clicked. Beukes and I were in tears afterwards. From then on, we really started playing together. We started writing properly and knowing which direction we needed to pull.” It was a collaborative method of writing, based on one member bringing an idea to the band, who would then expand it into new and wild directions. Soon they began finding their sound, their niche. What was immediately clear was how powerful they could be when they wanted to – songs springing forward with an instant sense of the epic, crushing guitars and widescreen vistas – think Pearl Jam’s grandscale ambitions coupled with Alice In Chains’ impassioned delivery and you’re in the ballpark. Amid this they added tribal drums, percussion and unexpected twists – all placing the band in a stunning genre of their own. Throughout they made use of their collective backgrounds, drawing on each other’s different experiences to, as Serafini puts it, “All pull towards the same thing although we’re coming at it from a different angle. It’s quite a creative melting pot.” “Because of everyone’s different experiences, we found that we were constantly stepping out of our own spheres and opening our eyes to so much more,” adds Nebel. “That’s partly what has led to us bringing in all sorts of different instruments and a lot of tribal percussion.” More, theirs is a sound built from their intuitive relationship with one another, one that meant ideas could be left unspoken such was their musical understanding with each other. At each turn they found they complimented each other – as riff built upon riff, Willemse knew where to place his vocals, his band understanding the harmonies needed to sweeten his powerful voice. While throughout Willemse’s lyrics vent scorn, emotion and heartache in equal measure. “I don’t often sit and write things down,” he says. “I just let the words come out of me. They come from a different place. Somewhere inside me. I think you have a responsibility when you’re in a band to say something. For years I used to write about girls, about having sex or not having it but I realised I was saying the same thing over and over again. Now I’m more pointed and determined. I feel like I’m actually saying something now. That’s important because, if you’re singing about something, you should fucking mean it. You should say something worth talking about, worth having an opinion on. I don’t want to sound like Bono here, but I want this band to be in a position where we can speak out about things – I want to talk about Africa and other countries’ poverty. I think that’s important.”
WHAT’S CLEAR, when you spend time with Livingston, is the bond they share with one another. Nebel describes their relationship as like a marriage, Serafini claiming that they, “have a dependence on one another. If you took one of us away, this wouldn’t work.” “I think it goes a hell of a lot further than the music,” adds Willemse. “If you take five guys from different countries, put them in an alien environment – in this case London – and stuff them into a sweaty rehearsal room for hours on end, then a deep bond has to form. We’ve become so close that I feel weird if I don’t see these guys for a week. We lean on each other for support so much.” Such an intense relationship has reaped rewards for them. It means that Livingston have graced stages all over England and Europe – from festivals in the UK to beaches in Greece, Having spent the last year touring through most of Europe while recording in the U.S. the band is now ready to unleash their highly anticipated debut album.
Their ambitions from there on are very much in keeping with how they’ve always treated their band – to work as hard as possible and to make their careers in music in the UK, in Germany, anywhere and everywhere. This is a universal band with no one flag on their ship. “We know, deep down, what we’ve got,” says van Niekerk. “We knew it ever since that amazing jam a few years ago. We felt like we found something magical that day and I don’t think we’ve ever lost that. That magic has been with us ever since. I hope it always will.”
LOSTALONE
Der Würfel ist in der Luft und kann auf jede Seite fallen.
2000 Jahre später werden die Würfel wieder geworfen – dieses Mal für ein Trio aus Derby / UK, das mit „Say No To The World“ sehr viel wagt aber alles zu gewinnen scheint!
Ohne große Plattenfirma im Rücken erobern sie gleichermaßen Herzen von Fans und Medien auf der ganzen Welt... dank ihrer Promotionsingles „Blood Is Sharp“ und „Unleash The Sands Of All Time“ erhielten sie Einladungen zu Bruce Dickinsons Kultsendung auf BBC1, in Deutschland unterstützen MTV und Motor TV sowie zahlreiche Radiosender die Band.
LostAlone touren in ganz Europa, ob alleine oder im Package der „Taste of Chaos Tour“ oder auch im Rahmen von „Give it a name“. Territoriale und musikalische Grenzen werden ignoriert – das Debut der Combo „Say No To The World“ hat die Indie- / Alternative – Landschaft gehörig durchgeschüttelt, um dieses Genre mit weiteren Facetten zu schmücken.
LostAlone begeben sich auf große musikalische Reise in jedem einzelnen Track und schaffen eine beeindruckende Mischung zwischen britischen Hype Größen á la Franz Ferdinand, ohne übertriebene Selbstüberzeugung, Emo, ohne Pathos, und Punkrock, ohne zu simpel zu wirken. Im Gesamten ist es eine Songkonzeption, bei der man mitsingen, mitfühlen oder einfach nur mitrocken kann. Dieser Balanceakt lässt sie immer wieder an die Grenzen der Popmusik stoßen.
Auch wenn die drei Musiker als Underdogs in den konservativen Midlands sich im Alltag mit allerlei Widrigkeiten rumärgern müssen, verlieren sich die Texte (Thoughts go into my head and from here on they walk alone) nie in einer platten Outlaw Semantik, sondern versuchen auch die positiven Seiten des Lebens zu beleuchten. So entsprang auch der Bandname Stevens Idee vom Leben:
„Enjoy the intimate quiet of the day, beside all the chaotic atmosphere around you!“
Neben den Singles sollte auch das fantastische „Lost Alone“ sowie das epische „Standing on the ruins of a great empire“ Erwähnung finden – ein Song, der beweist, welchen Instinkt das Trio für große Emotionen und brachialen Rock hat.
Ungewohnt ist auch die Bescheidenheit, die die drei Briten an den Tag legen. Sänger, Songwriter und Vollblut-Performer Steven Batelle sagte kurz vor der ersten Deutschland-Tour in einem Interview zum Thema Erfolg:
„Wenn heute, auf unserer ersten Tour durch Deutschland, nur zwei Leute zu unserem Konzert kommen und es ihnen gefällt, bedeutet uns das schon verdammt viel!"
Nicht das Gegenteil, sondern viel größere Zustimmung war der Fall. Nicht zuletzt auch dadurch das My Chemical Romance LostAlone für sich entdeckt haben und bei ihrer Europa Tour im April 2007 bei einigen Dates dabei hatten. Die Reaktionen waren euphorisch.
Wie sich „Say No To The World“ live anhört zeigten LostAlone dieses Jahr auf allen wichtigen europäischen Festivals wie dem Rock am Ring und Rock im Park, Download Festival, T in the Park, dem Taubertal. dem Carling Festival in Leeds und Reading.
Weiter geht’s in Deutschland im Nov und Dez 2007 mit einer Clubtour!
